Qu'est-ce qu'un Portrait ? Définition. Portrait de Prishvin, écrit par G. S. Vereisky Faire un portrait biographique de l'un des représentants

méthode biographique- (nouveau grec βιογραφία - biographie d'un autre grec βίος - vie, γράφω - j'écris), une méthode de recherche et de diagnostic qui permet à un psychologue et critique d'art d'étudier une personne et les produits de son activité (y compris créative) dans le contexte de tout Le chemin de la vie, choisir l'échelle de l'étude dans ses différents domaines, en fonction des objectifs de recherche.

Biographie historique

Plutarque. "Biographies parallèles"

La biographie historique est le premier type d'écriture biographique. Les grandes tendances de la biographie historique étaient déjà esquissées dans les Biographies parallèles de Plutarque. Sa particularité était les canons stricts de l'écriture biographique, selon lesquels les biographies des monarques, des saints et d'autres personnages historiques ont été construites. L'auteur a délibérément obscurci son "je". Dans le même temps, le personnage agissait dans le contexte de son époque historique et ses significations étaient en corrélation avec les valeurs culturelles et historiques de l'époque dans laquelle il vivait.

"Lorsque nous sommes engagés dans des recherches historiques, nous ne gardons dans notre âme que le souvenir des personnages les meilleurs et les plus reconnus, et cela nous permet de rejeter résolument tout ce qui est mauvais, immoral et vulgaire, que rencontre l'inévitable traitement du monde environnant. , et de ne transformer le monde paisible et calme de nos pensées qu'en exemplaire "(Plutarque) (8, p. 343).

G.Vasari. "Biographies des peintres, sculpteurs et architectes les plus célèbres"

Les époques nouvelles ont donné naissance à leurs propres chroniqueurs qui ont continué à interpréter les personnages biographiques selon les mêmes canons : la personnalité a acquis les traits d'un héros mythologique, reflétant les valeurs et les attentes du pouvoir officiel.

Giorgio Vasari, peintre et architecte italien, suivant les traces de Plutarque, dans son livre Vies des peintres, sculpteurs et architectes les plus célèbres, a donné un certain type d'écriture biographique, où un artiste vivant a été élevé au rang d'un terrestre déité. Le style élevé de telles biographies excluait une analyse psychologique subtile de la personnalité. Tout ce qui est domestique, vil et, dans l'ensemble, humain a été supprimé. Ainsi, par exemple, la biographie de Léonard de Vinci commence par les mots suivants :

« On voit sans cesse comment, sous l'influence des astres, le plus souvent de façon naturelle, voire surnaturelle, les plus grands dons sont abondamment répandus sur les corps humains, et que parfois le même corps est doué d'un excès de beauté, de charme et de talent, qui sont entrés en contact les uns avec les autres dans une telle combinaison que partout où une telle personne se tourne, chacune de ses actions est si divine que, laissant derrière elle toutes les autres personnes, elle est quelque chose qui nous est donnée par Dieu, et non acquise. par l'art humain »(Vasari) (1, p. 197).

Historiographie des XIXe-XXe siècles

Cette ligne s'est poursuivie dans l'historiographie russe dans les œuvres de V.N. "grands hommes" basés sur les mêmes exigences normatives de la biographie officielle. Le contexte historique et culturel a défini les significations personnelles et la position des personnages, tandis que la position civile de l'auteur était tout à fait tangible.

La spirale du développement de cette direction dans la compréhension et l'interprétation de la vie humaine a continué à augmenter ses bobines au cours des siècles suivants. Cette approche n'a pas perdu de sa pertinence à l'heure actuelle. Les "grands hommes" se sont transformés en politiciens modernes et continuent d'être des personnages dans de nouvelles biographies. Un exemple de ce style biographique est la dernière série, "Historical Silhouettes" (American Presidents: 41 Historical Portraits from George Washington to Bill Clinton. Ed. J. Heideking). Ce tournant est corrélé à l'approche historico-biographique.

Biographie littéraire

Parallèlement, un type d'écriture biographique apparaît, où les passions de l'écrivain prennent le devant de la scène. L'écrivain-biographe déforme parfois les faits réels, leur donne une certaine direction et une certaine nuance au nom de l'intrigue ou de l'intrigue. Le chercheur lui-même devient expert, s'arroge le droit de choisir et de cadrer certaines actions qui mettent en lumière les facettes psychologiques du personnage.

"Plus l'artiste-biographe est habile, plus il est brillant en tant que personne, moins la biographie est appropriée à des fins scientifiques", a noté N. A. Rybnikov (11, p. 17).

André Maurois

André Maurois, Yuri Tynyanov, Mikhail Boulgakov sont les auteurs de belles biographies littéraires où la liberté de présentation et d'interprétation coexiste avec la fiction, la conjecture, la fantaisie personnelle, l'intuition créatrice.

"Là où le document se termine, je commence", a écrit Tynianov dans son discours d'introduction à son Pouchkine. "Je pense toujours que la fiction diffère de l'histoire non pas par la "fiction", mais par une meilleure compréhension des personnes et des événements. Grande excitation à leur sujet. La fiction est un accident, qui ne dépend pas de l'essence de la matière, mais de l'artiste. Et maintenant il n'y a pas d'accident, mais il y a un besoin, le roman commence. Mais le regard doit être beaucoup plus profond, la conjecture et la détermination sont beaucoup plus grandes, et puis vient la dernière chose en art - le sentiment de vérité authentique : cela pourrait être ainsi, cela peut être » (13, p. 8).

La connexion des temps, une tentative pour comprendre l'époque, pour s'y situer est présentée dans les cycles biographiques d'A. Morois. Ses mots : « Socrate n'est pas mort, il est vivant chez Platon. Platon n'est pas mort, il est vivant à Alena. Alain n'est pas mort, il est vivant en nous » (7, vol. 1, p. 14), - cette position est la mieux véhiculée.

Chronique biographique laïque

La chronique biographique profane est un "tapis multicolore" de commérages profanes, de sketchs, d'anecdotes qui font partie du matériel biographique. Le calcul ici est pour le lecteur sans prétention. Intrigue, aspects intimes de la vie, moments glissants de la biographie sont l'essence d'une telle lettre.

« En 1808, il m'est arrivé de visiter Vienne. J'ai écrit une série de lettres à un de mes amis au sujet du célèbre compositeur Haydn, que j'avais rencontré par hasard il y a quelques années. De retour à Paris, je trouvai que mes lettres avaient quelque succès ; certains ont même pris la peine de les réécrire. J'ai succombé à la tentation de devenir écrivain et de me lancer dans l'imprimerie de mon vivant. Alors, ajoutant quelques explications et éliminant quelques répétitions, je me présente devant les amis de la musique sous la forme d'un petit en 8 degrés... Je pensais que les jeunes femmes qui débutent la haute vie seraient ravies de trouver en un seul volume tout ce qui doit être connu sur cette question » (12, pp. 5-6).

L'appel au lectorat, le désir de captiver, d'intéresser, influencent souvent la mise en page et la présentation des faits, transformant la vie d'une personne réelle en légende. Stefan Zweig présente souvent un fait pour le lecteur naïf et émotif. L'inspiration du discours et les détails hyperboliques de la vie et de l'environnement soulignent la nature archétypale du personnage. Le destin héroïque est nommé d'en haut. La biographie apparaît comme une reconstruction de cette prédestination. A titre d'exemple, prenons un extrait d'un portrait de Maxime Gorki.

"Quelle vie! Quel abîme profond avant de grimper au sommet ! Le grand artiste est né dans une rue sale et grise à la périphérie de Nizhny Novgorod, le besoin a bercé son berceau, le besoin l'a retiré de l'école, le besoin l'a jeté dans le cycle du monde. Toute la famille se serre au sous-sol, dans deux placards, et pour gagner de l'argent, quelques misérables sous, un petit écolier fouille dans des décharges puantes et des tas d'ordures, ramasse des os et des chiffons, et ses camarades refusent de s'asseoir à côté à lui, parce qu'il sentait mauvais. Il est très curieux, mais il ne parvient même pas à terminer l'école primaire, et un garçon faible et à la poitrine étroite entre dans un magasin de chaussures en tant qu'apprenti, puis chez un dessinateur, travaille comme vaisselle sur un vapeur Volga, un chargeur portuaire, un veilleur de nuit, un boulanger, un colporteur, un cheminot, un ouvrier, un compositeur ; Journalier éternellement persécuté, démuni, privé de ses droits, sans abri, il erre sur les grandes routes, tantôt en Ukraine et sur le Don, tantôt en Bessarabie, en Crimée, à Tiflis. Nulle part il ne peut tenir, nulle part il n'est retenu. Le destin, invariablement, comme un vent mauvais, le soulève dès qu'il trouve refuge sous quelque misérable abri, et encore, hiver comme été, il marche sur les routes avec ses pieds fatigués, affamé, en lambeaux, malade, à jamais sous l'emprise de besoin. 10, pp. 214-215).

Le style sublime est causé par le pathos humaniste de l'écrivain, le désir d'infecter les gens ordinaires avec l'héroïsme.

Stefan Zweig

« L'humanité a besoin d'images nobles. Il faut un mythe sur les héros pour croire en soi », déclare Stefan Zweig (14, vol. 5, p. 357).

Un grand écrivain, historien, chercheur, en règle générale, tourne ses œuvres vers les gens non seulement pour transmettre la position de son héros, mais aussi pour le montrer comme un exemple de la grandeur de l'esprit humain. Et ici un conflit surgit entre un historien honnête et un écrivain humaniste.

« Nous avons tous vécu cette lutte tragique. Combien de fois sommes-nous confrontés à l'alternative de fermer les yeux sur un fait ou de le rejeter - combien de fois l'artiste est saisi par la peur lorsqu'il doit capturer telle ou telle vérité sur le papier », écrit Romain Rolland (10, p. 356).

Biographie psychologique

La biographie psychologique commence dans les entrailles du genre historique. Ainsi, dans les œuvres de Karamzine, la factologie n'occulte pas la personnalité et la profondeur psychologique du personnage. Par exemple, Stefan Zweig, Romain Rolland, Henri Perruchot, Irving Stone ont créé des exemples remarquables de pénétration dans les significations psychologiques de leurs personnages, s'appuyant inconsciemment sur des techniques herméneutiques. On peut souvent les comparer à des « psychanalystes-détectives » qui, à l'aide de plusieurs indices, tentent de hiérarchiser les significations de leurs personnages.

La collection de manuscrits de Stefan Zweig est une archive de ces preuves.

«Je ne collectionne pas seulement des manuscrits, des lettres aléatoires ou des feuilles d'albums d'artistes, mais uniquement des manuscrits dans lesquels l'esprit créatif se manifeste dans des conditions créatives, c'est-à-dire exclusivement des ébauches de manuscrits d'œuvres d'art ou de leurs fragments. Si j'aime une œuvre littéraire ou musicale, je veux en savoir le plus possible sur son origine » (14, vol. 10, pp. 415-416).

Romain Rolland

Souvent, des remarques psychologiques sont tissées dans le tissu factuel du récit. Par exemple, Romain Rolland, réalisant un portrait de Haendel, écrit : « Il n'a jamais rien laissé inutilisé, continuellement, tout au long de sa vie il est revenu à ses vieilles idées dans son travail ; cela ne doit pas s'expliquer par la hâte du travail, mais par l'intégrité de sa pensée et le besoin d'amélioration » (10, pp. 17-18).

Parmi les chercheurs-biographes nationaux, il convient de noter V. Veresaev. Son approche peut être qualifiée de documentaire-psychologique, puisque le but de l'auteur est de créer un portrait du personnage, basé sur les déclarations vraies de lui-même et de ses contemporains - amis et experts. Ainsi, son livre "Gogol dans la vie" est sous-titré : "Une collection systématique de témoignages authentiques de contemporains". Il ne contient pas un seul mot de l'auteur. L'auteur n'est propriétaire que de la préface, des notes de bas de page et des commentaires.

"À. Veresaev ne fait qu'assembler les preuves de l'histoire, les compose dans une intrigue, dans une intrigue qui se lit comme l'intrigue d'un roman... Aujourd'hui, lorsque nous commençons à apprécier les faits présentés sans remplissage idéologique, le livre de V. Veresaev acquiert un poids particulier . Il donne un exemple d'honnêteté par rapport au document, un exemple de respect pour l'opinion de ceux dont le point de vue, peut-être, ne s'accorde pas avec le point de vue du biographe et même le contredit » (5, p. 3 ).

Un autre exemple de biographie scientifique et psychologique est fourni par une série de portraits biographiques de philosophes célèbres, créée par Arseniy Gulyga, docteur en sciences philosophiques. Le but de telles biographies est de familiariser le lecteur avec les concepts philosophiques complexes de Kant, Hegel, Schelling et d'autres sous une forme accessible, non seulement pour faciliter leur compréhension, mais aussi pour présenter la personnalité du personnage de manière convexe et psychologique. . La personnalité de l'auteur est occultée, elle n'est visible que dans une profonde connaissance professionnelle du sujet.

Méthode biographique systémique

La méthode biographique systémique a été développée à la fin du XXe siècle par N.L. Nagibina (avec le professeur V.A. Barabanshchikov) au Laboratoire d'études systémiques de la psyché de l'Institut de psychologie de l'Académie des sciences de Russie. Afin de vérifier empiriquement l'existence des prétendus types psychologiques de personnalité (le système de type "Psicosmologie"), il est devenu nécessaire de créer et de développer une nouvelle méthode de recherche, qui a été appelée la méthode du "portrait psychologique" par les auteurs. La position de recherche - connaître la psyché d'autrui à travers la reconnaissance inestimable du monde de sens et de significations de quelqu'un d'autre - était l'essence même de la "peinture de portrait".

Méthode du portrait psychologique

Le problème du contour sémantique est l'un des plus centraux dans l'élaboration d'un portrait psychologique d'une personne. Tout ce qui est secondaire devrait disparaître en arrière-plan. La question principale que le psychologue se pose à ce stade est : quelle est la chose la plus significative, la plus centrale dans la vie de cette personne ? pour quoi vit-il ? À la suite de nombreuses années de recherche par les auteurs de la méthode, il s'est avéré que la sphère de la motivation par la valeur est liée à un nœud étroit avec des caractéristiques cognitives. Il est pratiquement impossible de dire ce qui est primaire et ce qui est secondaire ici. Une chose est importante - il existe des correspondances et des relations stables qui peuvent être décrites. La description de ce "nœud" est à la base du portrait psychologique. Les caractéristiques comportementales comprennent la signification sémantique, les caractéristiques capricieuses et les compétences développées. Apparemment, chaque aspect doit être considéré indépendamment. Dans cet article, nous nous sommes délibérément concentrés uniquement sur les aspects de signification des valeurs des caractéristiques comportementales. L'individualité, donc, au plus près du type.

La méthode d'analyse des déclarations basée sur l'étude des journaux intimes, des lettres, des messages autobiographiques a été utilisée pour tester les hypothèses. La formulation d'hypothèses sur le modèle du psychisme de l'autre s'est faite sur la base d'énoncés clairs des sujets eux-mêmes sur les caractéristiques de leur sphère cognitive. Le critère d'attribution à l'un ou l'autre type était l'attitude à l'égard de la pensée (qu'on lui donne le rôle principal dans la cognition) et de la perception (qu'elle ait le caractère d'une «inférence» ou d'une «donnée» procédurale). Les produits créatifs peuvent en dire long sur la personnalité de la personne qui les a créés. La musique, la peinture, la poésie et la prose ont été considérées par les auteurs dans la tradition des méthodes projectives. La question du style était l'une des principales et déterminantes. Les avis d'experts ont également été pris en compte - revues, articles critiques. La vie même d'une personne avec une série d'actions a servi d'excellent indicateur objectif lors de la création de son portrait psychologique. Sans aucun doute, l'apparence et les conditions de vie ont été prises en compte.

Portrait psychologique d'un personnage historique

L'algorithme de création d'un portrait psychologique d'une personne historique peut être décrit dans les étapes suivantes :

1. Familiarisez-vous avec les œuvres principales (écouter, jouer, visionner par des claviers ou des partitions).

2. Désignez les grandes lignes de créativité.

3. Sélectionnez les documents les plus significatifs psychologiquement (confessions, testaments, autobiographies, etc.).

4. Ecrivez-y deux ou trois pensées centrales (entre guillemets) concernant le sens de la vie et le but de la créativité.

• style cognitif (caractéristiques de perception, mémoire, pensée);

• sphère valeur-motivation;

• caractéristiques comportementales de base;

• portrait créatif.

Pour créer un portrait psychologique d'une personne historique, il est nécessaire d'avoir une quantité suffisante de preuves écrites documentaires concernant les qualités d'une personne. Les journaux intimes, les lettres, les réflexions, les conversations enregistrées peuvent servir de tels documents. Il faut aussi disposer d'un nombre suffisant de témoignages "témoins" de la commission de certains actes, de leur sélection critique.

Ressources Internet

Littérature

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Dédié au transfert de l'image d'une personne, ainsi que d'un groupe de deux ou trois personnes sur toile ou papier. Le style choisi par l'artiste revêt une importance particulière. Dessiner le visage d'une personne dans un portrait est l'un des domaines les plus difficiles de la peinture. Le maître du pinceau doit transmettre les traits caractéristiques de l'apparence, de l'état émotionnel, monde intérieur posant. La taille d'un portrait détermine son apparence. L'image peut être buste, générationnelle, demi-longueur ou pleine longueur. La pose comporte trois angles : de face (plein visage), tourner "de trois quarts" dans un sens ou dans l'autre et de profil. Un portrait contient des possibilités illimitées pour la réalisation d'idées artistiques. D'abord, un croquis est fait, puis le dessin lui-même.

Histoire du genre du portrait

La plus ancienne tentative de représentation d'un visage humain remonte à 27 000 ans. La "peinture" a été découverte dans une grotte près de la ville française d'Angoulême. Le portrait est un contour tracé à la craie, ressemblant vaguement aux traits d'un visage humain. L'artiste ancien a tracé les grandes lignes des yeux, du nez, de la bouche. Plus tard (également dans des grottes) dans les Balkans et en Italie, des images plus claires et plus précises ont commencé à apparaître, parmi lesquelles prédominaient les visages dessinés de profil. C'est dans la nature humaine de créer, les personnes talentueuses ne peuvent pas vivre sans laisser de traces. Il peut s'agir d'un motif disposé avec des galets au milieu d'un champ, d'un ornement sculpté sur l'écorce d'un arbre, du visage de quelqu'un dessiné au fusain sur un rocher. Les opportunités de créativité sont nombreuses.

images de stuc

Il était une fois, le genre du portrait avait tendance à s'incarner dans la sculpture, car dans l'Antiquité, aucun artiste ne maîtrisait parfaitement le pinceau et était capable de transmettre le jeu de la lumière et de l'ombre. L'image d'un visage en argile était meilleure, et donc à cette époque lointaine, ce sont les portraits en stuc qui dominaient. L'art de la peinture est apparu bien plus tard, lorsque l'humanité a réalisé la nécessité d'une communication culturelle.

Enterrements

L'apparition d'images proches du dessin appartient également à une période ultérieure, et les premiers portraits ont été trouvés dans les anciens territoires orientaux. Dans l'État égyptien, la déification des morts a eu lieu. Lors de l'enterrement, une sorte de portrait a été créé, qui était conditionnellement considéré comme un double du défunt. Le principe de la momification est apparu, puis le portrait. L'histoire du genre du portrait contient de nombreux exemples d'images emblématiques à la fois en dessin et en sculpture. Les dessins des visages des morts sont devenus de plus en plus similaires à l'original. Et puis copier le visage du défunt dans un autre monde a été remplacé par un masque. Les morts égyptiens ont commencé à être enterrés dans des sarcophages, sur le couvercle desquels le défunt était représenté en pleine croissance avec un beau visage stylisé. Ces funérailles étaient organisées exclusivement pour la noblesse. Les pharaons égyptiens, par exemple, ont été placés non seulement dans un sarcophage, mais aussi dans une tombe, qui était une énorme structure.

Variété de solutions

L'artiste a le choix lorsqu'il peint un portrait: représenter le visage et les vêtements d'une personne conformément à l'original, ou être créatif, en créant une image créative exquise. La principale condition pour cela reste la similitude, qui joue un rôle prépondérant. Indépendant - art du portrait, ouvert aux expérimentations du spectre le plus large. L'artiste a la possibilité d'améliorer ses compétences en appliquant les dernières réalisations techniques.

En effet, la technique d'exécution est déterminante pour obtenir le résultat optimal. La manière la plus courante de peindre des portraits par des artistes professionnels est Ce style est enraciné dans les profondeurs des siècles. Il était utilisé par les artistes anciens. Leur travail a survécu à ce jour. Le portrait en tant que genre des beaux-arts existe depuis des temps immémoriaux et est aujourd'hui un moyen d'expression artistique populaire.

"Pinceau sec"

Récemment, une technique est devenue populaire lorsque l'image est créée non pas avec des traits, mais en frottant une petite quantité de peinture. Dans le même temps, le pinceau est presque sec et la méthode elle-même vous permet d'obtenir de belles demi-teintes. Étant donné que le genre de peinture le plus subtil est le portrait et que l'image d'un visage dans les peintures nécessite des nuances précisément délicates, la technique du "pinceau sec" est la mieux adaptée à cet effet.

Les types

Le genre du portrait se divise en plusieurs types : cérémonial, de chambre, intime et complot. Il existe également un type spécial appelé autoportrait, lorsque l'artiste se représente lui-même. En règle générale, il s'agit d'un dessin purement individuel. En général, le genre du portrait est complètement indépendant, soumis à certaines règles. Ces règles ne sont jamais enfreintes, bien que leur portée puisse être étendue dans certaines circonstances.

En plus de ceux déjà répertoriés, il existe un autre genre de portrait, qui comprend des caractéristiques artistiques particulières, une variété spécialisée qui nécessite une approche systématique. Il s'agit d'un portrait costumé, lorsqu'une personne moderne est représentée sur la toile dans les vêtements du passé. L'éventail des sujets n'est pas limité : des peaux portées par un homme primitif à la robe de mariée de la Renaissance. Dans cette variété de portraits, il y a des éléments de théâtralité. En Fédération de Russie, en particulier à Moscou, le portrait costumé était largement utilisé, mais cela ne s'est pas produit pour la mode, mais plutôt comme un hommage à l'art.

Genre du portrait dans l'art

Les toiles pittoresques, écrites à des moments différents, sont unies par une condition obligatoire - les images doivent être authentiques. Un rôle important est joué par la composante portrait, c'est-à-dire l'image des visages des personnages. Le succès de l'image dépend du soin avec lequel les traits du visage sont écrits. L'expression des yeux, les sourires ou, au contraire, les sourcils froncés, toutes les nuances doivent se refléter sur la toile. La tâche n'est pas facile, mais le facteur fiabilité témoigne de l'habileté de l'artiste. C'est pourquoi le genre du portrait dans l'art est si sans ambiguïté et nécessite un dévouement total de la part du maître. Les artistes expérimentés sont meilleurs pour les peintures qui impliquent des personnes, des gros plans de leurs visages et des mouvements accentués.

Portraits littéraires

Les écrivains, ainsi que les artistes, représentent assez souvent le visage d'une personne. Il existe pour cela des techniques beaucoup plus littéraires, la riche langue russe permet l'utilisation de nombreuses formes artistiques, tournures de phrases et phrases. L'objectif que l'écrivain s'efforce d'atteindre est identique dans son sens à l'intention de l'artiste, l'écrivain décrit les expressions faciales à la suite des humeurs d'une personne, reflet de ses pensées, de ses émotions et de ses expériences. le portrait est assez compliqué. Il faut décrire en évitant les formulations superficielles. Cela nécessite l'habileté d'un véritable créateur. Parmi les écrivains russes capables d'exprimer en quelques mots l'essence de la forme humaine, le grand Maxime Gorki occupe la première place. Son disciple américain maîtrisait également magistralement l'art du dessin de portrait verbal. Le genre d'un portrait littéraire est varié, la description suit un certain style, elle peut être gaie ou triste, courte ou longue, tout dépend de chaque œuvre.

Photo

Avec l'avènement du daguerréotype, les possibilités des beaux-arts se sont élargies et les portraits n'ont pas fait exception. Un portrait photographique coûtait beaucoup moins cher qu'une peinture à l'huile et la reconnaissance était à cent pour cent. Et bien que les artistes remarquent avec causticité que la photographie était pour les pauvres, « le grand public se tourne vers une image plus fidèle sur une plaque argentée ». proches.

Cependant, la nouvelle méthode, le daguerréotype, avait ses inconvénients. La photographie, contrairement à un portrait pittoresque, ne permettait pas de changer quoi que ce soit. L'image s'est figée une fois pour toutes, il était impossible d'arranger quelque chose. Et étant donné que la personne a été photographiée assise ou debout (dans une pose tendue), elle n'est pas apparue de la meilleure façon sur la photo. Par conséquent, il y a eu beaucoup de déceptions, de revendications et de mécontentements. Néanmoins, les portraits ont pris racine, les gens ont appris à poser artistiquement et tout s'est mis en place.

Réponse à gauche Invité

1) Conservateurs
La base sociale de la direction des conservateurs était la noblesse réactionnaire, le clergé, les petits bourgeois, les commerçants et une partie importante des paysans. Conservatisme dans la seconde moitié du XIXe siècle. reste fidèle à la théorie de la "nationalité officielle".
L'autocratie a été déclarée le fondement de l'État et l'orthodoxie - la base de la vie spirituelle du peuple. La nationalité signifiait l'unité du roi avec le peuple. En cela, les conservateurs ont vu l'originalité du parcours historique de la Russie.
Dans le domaine de la politique intérieure, les conservateurs se sont battus pour l'inviolabilité de l'autocratie, contre les réformes libérales des années 60 et 70. Dans le domaine économique, ils prônent l'inviolabilité de la propriété privée, de la propriété foncière et de la communauté.
Dans le domaine social, ils ont appelé à l'unité Peuples slaves autour de la Russie.
Les idéologues des conservateurs étaient K. P. Pobedonostsev, D. A. Tolstoï, M. N. Katkov.
2) Libéraux
La base sociale du courant libéral était constituée de propriétaires fonciers bourgeois, d'une partie de la bourgeoisie et de l'intelligentsia.
Ils ont défendu l'idée d'une voie commune de développement historique de la Russie avec l'Europe occidentale.
Dans le domaine de la politique intérieure, les libéraux ont insisté sur l'introduction de principes constitutionnels et la poursuite des réformes.
Leur idéal politique était une monarchie constitutionnelle.
Dans le domaine socio-économique, ils ont salué le développement du capitalisme et de la liberté d'entreprise. Ils réclamaient l'abolition des privilèges de classe.
Les libéraux défendaient la voie évolutive du développement, considérant les réformes comme la principale méthode de modernisation de la Russie.
Ils étaient prêts à coopérer avec l'autocratie. Par conséquent, leur activité consistait principalement à soumettre des "adresses" au nom du tsar - des pétitions avec une proposition de programme de transformations.
Les idéologues des libéraux étaient des scientifiques, des publicistes: K. D. Kavelin, B. N. Chicherin, V. A. Goltsev et d'autres.
3) Radicaux
Les représentants de la direction radicale se sont efforcés de recourir à des méthodes violentes de transformation de la Russie et à une réorganisation radicale de la société (voie révolutionnaire).
Le mouvement radical a été suivi par des personnes de différents horizons (raznochintsy), qui se sont consacrées au service du peuple.
Dans l'histoire du mouvement des radicaux de la seconde moitié du XIXe siècle. trois stades sont distingués : 60s. - le repli de l'idéologie révolutionnaire-démocratique et la création de cercles secrets de raznochinsk ; années 70 - la formation du populisme, l'étendue particulière des activités agitatrices et terroristes des populistes révolutionnaires ; Années 80 - 90 - l'affaiblissement de la popularité du populisme et le début de la diffusion du marxisme.
Dans les années 60. il y avait deux centres de direction radicale. L'un se trouve autour de la rédaction de The Bell, publié par A. I. Herzen à Londres. Il promeut la théorie du « socialisme communal » et critique vivement les conditions d'émancipation des paysans. Le deuxième centre est né en Russie autour de la rédaction du magazine Sovremennik. Son idéologue était N. G. Chernyshevsky, qui a été arrêté et exilé en Sibérie en 1862.

Mikhail Mikhailovich Prishvin a été rappelé par le monde pour ses œuvres en prose. Ses œuvres sont empreintes d'amour pour la patrie. L'auteur a écrit des nouvelles, des essais et des histoires, qui ont été illustrés par l'artiste O.G. Vereisky. Ses œuvres font partie du programme scolaire, ce qui indique un haut niveau de compétence.

Portrait biographique de Prisvin

Le prosateur est né en février 1873. Il était issu d'une famille de commerçants prospère. Le garçon a grandi comme un enfant actif et bruyant, comme en témoigne son expulsion de l'école en quatrième année pour comportement impudent. Étant un rebelle par nature, l'écrivain Prishvin a admis plus tard que son personnage avait été façonné par deux actions principales dans la vie :

• Exclusion du lycée.
• Évasion du lycée.

La biographie de Prishvin n'est pas blanche comme neige. Pendant ses études à l'école polytechnique de Riga, il s'est sérieusement intéressé au marxisme, pour lequel il a été arrêté et banni pour un exil de deux ans. Cette astuce n'est pas passée inaperçue et le jeune homme a reçu une interdiction de poursuivre ses études en Russie. Cependant, sa mère était une femme sage et mettait tout en œuvre pour que son fils poursuive ses études. En 1900, Mikhail Prishvin est allé étudier à Leipzig et y a reçu une formation agronomique.

De longs voyages dans le nord de la Russie et de la Scandinavie ont laissé une empreinte sur l'imagination du futur écrivain, raison pour laquelle il a écrit la première histoire - "Sashok". Cela a été suivi par d'autres croquis d'écriture Prishvin, mais bientôt il a dû changer de métier. En 1914, la mère de l'écrivain décède et il décide de commencer à construire une maison sur le terrain qui lui reste. Cela n'était pas destiné à arriver, car cela a commencé et Prishvin est allé au front en tant qu'infirmier à temps partiel.

À la fin de la guerre, Prishvin se lance dans l'enseignement et écrit simultanément ses œuvres. L'auteur est mort en 1954 à Moscou.

Héritage créatif de l'écrivain

Le portrait de Prishvin est banal en termes de sensations biographiques et ne se détache pas sur le fond des portraits d'autres écrivains. Ayant vécu une vie simple, Prishvin a réussi à écrire suffisamment d'œuvres qui sont devenues une partie du trésor russe des chefs-d'œuvre littéraires.

Les toutes premières œuvres de l'auteur remontent à 1906-1907, date à laquelle sont publiés les livres "Au pays des oiseaux intrépides" et "Derrière le chignon magique". À la suite des voyages de Prishvin en Extrême-Orient dans les années 30. L'histoire "Ginseng" et le roman "The Sovereign's Road" ont été écrits. Des recueils d'histoires courtes méritent une attention considérable : Calendrier de la nature et Gouttes forestières. Au fil du temps, le célèbre conte de fées "Garde-manger du soleil" est apparu, qui a été reconnu comme le meilleur livre pour enfants.

O.G. Vereisky - illustrateur

Peu de gens pensent à quel point les lecteurs aimeraient les livres s'ils n'avaient pas d'illustrations sélectionnées par des experts. Cela est particulièrement vrai pour les jeunes lecteurs, pour qui les images sont un attribut essentiel d'un bon livre. Parmi les génies qui ont passé leur vie dans l'arrière-cour des livres à travailler pour la gloire des écrivains se trouvait O.G. Vereisky. Il n'est pas aussi célèbre que Vasnetsov ou Vrubel, mais, néanmoins, ses mérites sont difficiles à surestimer. Il était artiste du peuple de l'URSS et membre de l'Académie des arts.

Le parcours créatif de Vereisky a commencé à Leningrad sous la direction d'Osmerkin. Cependant, l'artiste a acquis une grande popularité en travaillant dans la capitale. Dans sa carrière créative, le maître est resté dans les mémoires pour ses illustrations des classiques. Parmi les écrivains les plus célèbres sur lesquels Vereisky a travaillé figurent Hemingway, Paustovsky, Sholokhov, Fadeev et Bunin. Les croquis des œuvres de Prishvin méritent une attention particulière. En 1984, l'artiste a reçu le prix du meilleur travail d'illustration pour l'œuvre "Anna Karenina".

Portrait de M. M. Prishvin

Orest Georgievich Vereisky, en plus d'illustrations pour des nouvelles et des histoires, a également peint un portrait de M. M. Prishvin, qui est conservé au musée du même nom en Russie. Les travaux ont été achevés en 1948, mais cela ne les rend pas moins importants. Le portrait de Prishvin a été peint d'après nature, comme en témoignent les entrées du journal personnel de l'écrivain. La taille de la toile est petite - 39,5x48. La tête de l'écrivain et la signature de l'artiste sont représentées sur le papier.

Où est le portrait de M. M. Prishvin, peint par l'illustrateur Vereisky

Dans le milieu créatif, ils observent souvent une symbiose d'artistes qui s'entraident pour se populariser et marquer l'histoire. Le portrait de Prishvin M. M., peint à la main par l'illustrateur Vereisky, n'était pas une tentative de relations publiques les uns pour les autres. C'est plutôt un hommage à Mikhail Mikhailovich.

Orest Georgievich a pris place dans son métier grâce à l'abondance d'œuvres de chevalet, de lithographies d'auteur et de nombreuses esquisses à l'aquarelle. Le portrait de Prishvin n'était pas pour lui l'œuvre de toute sa vie, comme en témoigne la manière d'écrire - un dessin au crayon. L'écrivain a tenu un journal tout au long de sa vie, décrivant en détail tous les événements. Le portrait peint par Vereisky n'a pas tant de valeur artistique que biographique.

Au printemps 1946, Prishvin se reposait au sanatorium Porechye près de Moscou, où il s'occupait d'une maison à proximité. La femme de l'écrivain s'est efforcée de faire ressembler la maison à un vieux manoir, où tout indiquerait les intérêts polyvalents de son mari. Il est sorti magnifiquement. Après la mort de l'écrivain, les gens sont venus ici et la maison a officiellement reçu le statut de musée.

La décoration de la maison illustre la routine quotidienne habituelle de Prishvin. Il y a un samovar sur la table et les chambres sont décorées de fleurs et de livres. La salle de l'écrivain est particulièrement intéressante, où vous pouvez voir l'un des portraits les plus célèbres de Mikhail Mikhailovich, peint par Orest Vereisky.

Un tableau représentant la tête de Prishvin est suspendu juste au-dessus de la tête de son lit dans la chambre. Un épais cadre brun foncé encadre une feuille de papier jaune sur laquelle un prosateur est dessiné au crayon. Sur la gauche au travail, vous pouvez voir la date du portrait. Toute la pièce exprime l'individualité de son propriétaire et indique sa modestie et sa précision. À gauche du portrait sont suspendus des fusils croisés - la personnification de l'amour de Prishvin pour la chasse. Le sol en bois est décoré de tapis avec un motif à motifs caractéristique. Mais, malgré ces petites choses, l'élément central de la pièce est précisément le portrait peint par Vereisky. Bien sûr, un tel arrangement trahit le respect de l'écrivain pour le travail de l'artiste. C'était leur dernier projet commun, quelques années plus tard, Prishvin est décédé.

Dans le post d'aujourd'hui, je voudrais m'attarder sur un bref historique du développement du portrait. Il n'est pas possible de couvrir entièrement tout le matériel sur ce sujet dans le volume limité du message, je n'ai donc pas défini une telle tâche.

Petite parenthèse sur l'histoire du portrait

Portrait(du portrait français) - c'est un genre de beaux-arts, ainsi que des œuvres de ce genre qui montrent l'apparence d'une personne en particulier. Le portrait transmet des caractéristiques individuelles, des caractéristiques uniques inhérentes à un seul modèle (un modèle est une personne qui pose pour un maître tout en travaillant sur une œuvre d'art).

"Parisien". Fresque du palais de Knossos, XVIe siècle av.

Mais la similitude externe n'est pas la seule et peut-être pas la propriété la plus importante inhérente à un portrait . Un vrai portraitiste ne se limite pas à reproduire les traits extérieurs de son modèle, il s'efforce transmettre les propriétés de son caractère, révéler son monde intérieur et spirituel . Il est également très important de montrer le statut social de la personne représentée, de créer une image typique d'un représentant d'une certaine époque.
En tant que genre, le portrait est apparu il y a plusieurs millénaires dans l'art ancien. Parmi les fresques du célèbre palais de Knossos, découvertes par des archéologues lors de fouilles sur l'île de Crète, il existe un certain nombre d'images féminines pittoresques datant du XVIe siècle av. Bien que les chercheurs aient appelé ces images "dames de la cour", nous ne savons pas qui les maîtres crétois ont tenté de montrer - déesses, prêtresses ou nobles dames vêtues de robes élégantes.
Le plus célèbre était le portrait d'une jeune femme, qualifiée par les scientifiques de "Parisienne". Nous voyons devant nous une image de profil (selon les traditions de l'art de l'époque) d'une jeune femme, très coquette et ne négligeant pas le maquillage, comme en témoignent ses yeux cernés de noir et ses lèvres peintes de couleurs vives.
Les artistes qui ont créé des portraits à fresque de leurs contemporains n'ont pas approfondi les caractéristiques des modèles, et la similitude externe de ces images est très relative.

"Portrait d'un jeune romain", début du IIIe siècle après JC

Dans la Grèce antique et la Rome antique, la peinture de chevalet n'existait pas, de sorte que l'art du portrait s'exprimait principalement dans la sculpture. Les anciens maîtres ont créé des images plastiques de poètes, de philosophes, de chefs militaires et de politiciens. Ces œuvres se caractérisent par l'idéalisation, et en même temps, on trouve également parmi elles des images très précises dans leurs caractéristiques psychologiques.
Les portraits pittoresques créés en Égypte aux Ier-IVe siècles de notre ère sont d'un grand intérêt. Selon le lieu de découverte (les tombes de Khavara au nord du Caire et la nécropole de l'oasis du Fayoum, qui s'appelait Arsinoé sous les Ptolémées), elles sont appelées Fayoum. Ces images remplissaient des fonctions rituelles et magiques. Ils sont apparus à l'époque hellénistique, lorsque l'Égypte ancienne a été capturée par les Romains. Ces images de portrait, réalisées sur des planches de bois ou sur toile, étaient placées avec la momie dans la tombe du défunt.
Dans les portraits du Fayoum, on voit des Égyptiens, des Syriens, des Nubiens, des Juifs, des Grecs et des Romains qui vivaient en Égypte aux Ier-IVe siècles après JC. De Rome antique Dans les années 1800, la coutume est venue en Égypte de conserver dans la maison des portraits des propriétaires peints sur des planches de bois, ainsi que des masques sculpturaux de parents décédés.

Portrait d'une momie du Fayoum

Les portraits du Fayoum ont été créés à l'aide de la technique de la détrempe ou de l'encaustique, particulièrement caractéristique des images antérieures. L'encaustique est la peinture avec des peintures, où le lien principal était la cire. Les artistes ont utilisé des peintures à la cire fondue (des traces de gouttes de ces peintures ont été conservées sur de nombreuses planches avec des images de portrait). Une telle technique nécessitait des techniques spéciales. Sur les zones des joues, du menton et du nez, la peinture a été appliquée en couches denses, et le reste du visage et des cheveux ont été peints avec une peinture plus liquide. Les maîtres utilisaient de fines planches de sycomore (mûrier figuier) et de cèdre du Liban pour les portraits.

G.Bellini. Portrait du donateur. Fragment

Parmi les portraits à l'encaustique les plus célèbres figurent le "Portrait d'homme" (seconde moitié du 1er siècle après JC) et le "Portrait d'un vieil homme" (fin du 1er siècle après JC), qui sont des images à vie. Dans ces œuvres, la modélisation habile de la lumière et de l'ombre et l'utilisation du réflexe de couleur sont frappantes. Probablement, les maîtres qui ont peint les portraits, inconnus de nous, sont passés par l'école de peinture hellénistique. Deux autres peintures ont été exécutées de la même manière - "Portrait d'un Nubien" et une belle image féminine, la soi-disant. "Lady Alina" (2ème siècle après JC). Le dernier portrait est réalisé sur toile au pinceau et à la détrempe liquide.
Au Moyen Âge, lorsque l'art était subordonné à l'église, les images principalement religieuses étaient créées en peinture. Mais même à cette époque, certains artistes ont peint des portraits psychologiquement précis. Les images de donateurs (donateurs, clients), le plus souvent de profil, face à Dieu, à la Madone ou à un saint, sont largement utilisées. Les images des donateurs avaient une ressemblance externe incontestable avec les originaux, mais ne dépassaient pas les canons iconographiques, jouant un rôle secondaire dans la composition. Les images de profil provenant de l'icône ont conservé leurs positions dominantes même lorsque le portrait a commencé à acquérir une signification indépendante.
L'apogée du genre du portrait a commencé à la Renaissance, lorsque la principale valeur du monde était une personne active et déterminée, capable de changer ce monde et d'aller contre toute attente. Au XVe siècle, les artistes ont commencé à créer des portraits indépendants, qui montraient des modèles sur fond de paysages panoramiques majestueux. Tel est le "Portrait d'un garçon" de B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. "Portrait d'un garçon", Galerie d'art, Dresde

Néanmoins, la présence de fragments de nature dans les portraits ne crée pas l'intégrité, l'unité d'une personne et du monde qui l'entoure, la personne représentée semble occulter le paysage naturel. Ce n'est que dans les portraits du XVIe siècle qu'apparaît l'harmonie, une sorte de microcosme.

De nombreux maîtres célèbres de la Renaissance se sont tournés vers le portrait, dont Botticelli, Raphaël, Léonard de Vinci. La plus grande œuvre d'art mondial était le célèbre chef-d'œuvre de Léonard - le portrait "Mona Lisa" ("La Gioconda", vers 1503), dans lequel de nombreux portraitistes des générations suivantes ont vu un modèle.
Un rôle énorme dans le développement du genre du portrait européen a été joué par Titien, qui a créé toute une galerie d'images de ses contemporains: poètes, scientifiques, membres du clergé, dirigeants. Dans ces ouvrages, le grand maître italien agit en psychologue subtil et en excellent connaisseur de l'âme humaine.

Titien : Impératrice Isabelle de Portugal.

À la Renaissance, de nombreux artistes qui ont créé des compositions d'autel et mythologiques se sont tournés vers le genre du portrait. Les portraits psychologiques du peintre néerlandais Jan van Eyck ("Timothy", 1432 ; "L'homme au turban rouge", 1433) se distinguent par une profonde pénétration dans le monde intérieur du modèle. Le maître reconnu du genre du portrait était l'artiste allemand Albrecht Dürer, dont les autoportraits ravissent toujours le public et servent d'exemple aux artistes.

Albrecht Dürer, Autoportrait

À la Renaissance, diverses formes de portrait apparaissent dans la peinture européenne. Le portrait en buste était très populaire à cette époque, même si des images à mi-corps, générationnelles et des portraits en pied sont également apparus. Les couples mariés nobles ont commandé des portraits appariés, dans lesquels les modèles étaient représentés sur différentes toiles, mais les deux compositions étaient unies par un concept, une couleur et un arrière-plan de paysage communs. Un exemple frappant de portraits jumelés est les images du duc et de la duchesse d'Urbino (Federigo da Montefeltro et Battista Sforza, 1465), créées par le peintre italien Piero della Francesca.
Les portraits de groupe étaient également largement utilisés, lorsque l'artiste montrait plusieurs modèles sur une même toile. Un exemple d'une telle œuvre est "Portrait du pape Paul III avec Alessandro et Ottavio Farnèse" (1545-1546) de Titien.

Selon la nature de l'image, les portraits ont commencé à être divisés en cérémonieux et intimes. Les premiers ont été créés dans le but d'exalter et de glorifier les personnes qui y sont représentées. Les portraits d'apparat étaient commandés à des artistes célèbres par les régnants et les membres de leurs familles, courtisans, ecclésiastiques, qui occupaient les échelons supérieurs de l'échelle hiérarchique.
Réalisant des portraits d'apparat, les peintres représentent des hommes vêtus de riches uniformes brodés d'or. Les dames qui ont posé pour l'artiste portaient les robes les plus luxueuses et se paraient de bijoux. L'arrière-plan jouait un rôle particulier dans ces portraits. Les maîtres ont peint leurs modèles sur fond de paysage, d'éléments architecturaux (arcs, colonnes) et de draperies luxuriantes.
Le plus grand maître du portrait cérémoniel était le Fleming P.P. Rubens, qui a travaillé dans les cours royales de nombreux États. Ses contemporains nobles et fortunés rêvaient que le peintre les capturerait sur ses toiles. Les portraits sur mesure de Rubens, frappants par la richesse des couleurs et la virtuosité du dessin, sont quelque peu idéalisés et froids. Les images de parents et d'amis que l'artiste a créées pour lui-même sont pleines de sentiments chaleureux et sincères, elles n'ont pas le désir de flatter le modèle, comme dans les portraits formels pour de riches clients.

L'élève et disciple de Rubens était le talentueux peintre flamand A. van Dyck, qui a créé une galerie d'images de portraits de ses contemporains : scientifiques, avocats, médecins, artistes, marchands, chefs militaires, clergé, courtisans. Ces images réalistes transmettent subtilement l'unicité individuelle des modèles.
Les portraits réalisés par van Dyck à la fin de la période, lorsque l'artiste travaillait à la cour du roi d'Angleterre Charles, sont moins parfaits artistiquement, car le maître, qui recevait de nombreuses commandes, ne pouvait y faire face et confiait l'image de certains détails à ses assistants. Mais même à cette époque, van Dyck peint un certain nombre de tableaux plutôt réussis (Portrait de Charles Ier au Louvre, vers 1635 ; Trois enfants de Charles Ier, 1635).

A. van Dyck. "Les trois enfants de Charles Ier", 1635, Collection royale, Château de Windsor

Au XVIIe siècle, une place importante dans la peinture européenne était occupée par un portrait intime (de chambre), dont le but est de montrer l'état d'esprit d'une personne, ses sentiments et ses émotions. Le maître reconnu de ce type de portrait était l'artiste hollandais Rembrandt, qui a peint de nombreuses images sincères. "Portrait d'une vieille femme" (1654), "Portrait du fils de Titus lisant" (1657), "Hendrikje Stoffels à la fenêtre" (portrait de la seconde épouse de l'artiste, vers 1659) sont empreints d'un sentiment sincère. Ces œuvres présentent au spectateur des gens ordinaires qui n'ont ni nobles ancêtres ni richesse. Mais pour Rembrandt, qui a ouvert une nouvelle page dans l'histoire du genre du portrait, il était important de transmettre la gentillesse de son modèle, ses qualités vraiment humaines.

Artiste inconnu. Parsuna "Souverain de toute la Russie Ivan IV le Terrible", fin du XVIIe siècle.

La maîtrise de Rembrandt se manifeste également dans ses portraits de groupe grand format (Night Watch, 1642 ; Sindics, 1662), qui véhiculent des tempéraments différents et des personnalités humaines vives.
L'un des portraitistes européens les plus remarquables du XVIIe siècle était l'artiste espagnol D. Velasquez, qui a peint non seulement un grand nombre de portraits cérémoniels représentant les rois espagnols, leurs femmes et leurs enfants, mais aussi un certain nombre d'images de chambre de gens ordinaires. Adressé aux meilleurs sens du spectateur images tragiques nains de cour - sages et retenus ou aigris, mais conservant toujours le sens de la dignité humaine ("Portrait du bouffon Sebastiano Mora", vers 1648).

Le genre du portrait s'est encore développé au XVIIIe siècle. Le portrait, contrairement au paysage, procurait aux artistes de bons revenus. De nombreux peintres impliqués dans la création de portraits d'apparat, essayant de flatter un client riche et noble, ont tenté de mettre en évidence les traits les plus attrayants de son apparence et d'obscurcir les défauts.
Mais les artisans les plus courageux et les plus talentueux n'avaient pas peur de la colère des dirigeants et montraient les gens tels qu'ils étaient vraiment, sans cacher leurs lacunes physiques et morales. En ce sens, le célèbre "Portrait de la famille du roi Charles IV" (1801) du célèbre peintre et graphiste espagnol F. Goya est intéressant. La National School of Portraiture est née en Angleterre. Ses plus grands représentants sont les artistes J. Reynolds et T. Gainsborough, qui ont travaillé au XVIIIe siècle. Leurs traditions ont été héritées par de jeunes maîtres anglais : J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Une place importante était occupée par le portrait dans l'art de la France. L'un des artistes les plus talentueux de la seconde moitié du 18e - le premier quart du 19e siècle était J.L. David, qui a créé, avec des peintures du genre antique et historique, de nombreux beaux portraits. Parmi les chefs-d'œuvre du maître figurent une image exceptionnellement expressive de Madame Récamier (1800) et un portrait romantique de Napoléon Bonaparte au col du Saint-Bernard (1800).

Un maître inégalé du genre du portrait était J.O.D. Ingres, qui a glorifié son nom avec des portraits d'apparat, distingués par des couleurs sonores et des lignes gracieuses.
De beaux exemples d'un portrait romantique ont été présentés au monde par des artistes français tels que T. Gericault, E. Delacroix.
Les réalistes français (J.F. Millet, C. Corot, G. Courbet), les impressionnistes (E. Degas, O. Renoir) et les postimpressionnistes (P. Cezanne, V. van Gogh) ont exprimé leur attitude face à la vie et à l'art dans des portraits.
Les représentants des mouvements modernistes qui ont émergé au XXe siècle se sont également tournés vers le genre du portrait. De nombreux portraits nous ont été laissés par le célèbre artiste français Pablo Picasso. À partir de ces œuvres, on peut retracer comment le travail du maître s'est développé à partir du soi-disant. période bleue au cubisme.

Dans sa "période bleue" (1901-1904), il crée des portraits et des types de genre, dans lesquels il développe le thème de la solitude, du chagrin, du destin d'une personne, pénétrant le monde spirituel du héros et son environnement hostile. Tel est le portrait de l'ami de l'artiste - le poète X. Sabartes (1901, Moscou, Musée Pouchkine).

Une contribution significative au développement du portrait russe a été apportée par le talentueux artiste de la première moitié du XVIIIe siècle, I.N. Nikitin, qui, avec l'habileté d'un psychologue, a montré dans son "Portrait d'un hetman extérieur" (années 1720) une image complexe et multiforme d'un homme de l'ère pétrinienne.

La peinture de la seconde moitié du XVIIIe siècle est associée aux noms de portraitistes célèbres tels que F.S. Rokotov, qui a créé de nombreuses images spiritualisées de ses contemporains (portrait de V.I. Maikov, vers 1765), D.G. Levitsky, l'auteur de beaux portraits d'apparat et de chambre qui traduisent l'intégrité de la nature des modèles (portraits d'élèves de l'Institut Smolny, vers 1773-1776), V.L. Borovikovsky, dont les portraits de femmes incroyablement lyriques ravissent toujours les spectateurs.

Borovikovsky, Vladimir Lukich : Portrait d'Elena Alexandrovna Naryshkina.

Les années 1860-1870 ont été l'époque de la formation du réalisme dans la peinture russe, qui s'est manifestée le plus clairement dans le travail des Wanderers. Au cours de cette période, dans le genre du portrait, le portrait-type connaît un grand succès auprès du public à l'esprit démocratique, dans lequel le modèle reçoit non seulement une évaluation psychologique, mais est également considéré du point de vue de sa place dans la société. Dans de telles œuvres, les auteurs ont accordé une attention égale aux caractéristiques individuelles et typiques des sujets représentés.
Un exemple d'un tel type de portrait a été peint en 1867 par l'artiste N.N. Ge portrait d'A.I. Herzen. En regardant les photographies de l'écrivain démocrate, on peut comprendre avec quelle précision le maître a saisi la ressemblance extérieure. Mais le peintre ne s'est pas arrêté là, il a capturé sur la toile la vie spirituelle d'une personne s'efforçant de faire le bonheur de son peuple dans la lutte. À l'image de Herzen, Ge a montré le type collectif des meilleures personnes de son époque.

N.N. Ge portrait d'A.I. Herzen

Les traditions du portrait de Ge ont été reprises par des maîtres tels que V.G. Perov (portrait de F.M. Dostoïevski, 1872), I.N. Kramskoï (portrait de L.N. Tolstoï, 1873). Ces artistes ont créé toute une galerie d'images de leurs contemporains exceptionnels.
Des portraits de type remarquables ont été peints par I.E. Repin, qui a réussi à transmettre très précisément l'individualité unique de chaque personne. À l'aide de gestes, de postures, d'expressions faciales correctement remarqués, le maître donne une description sociale et spirituelle du dépeint. Une personne importante et volontaire apparaît dans le portrait de N.I. Pirogov. Le talent artistique profond et la passion de la nature sont vus par le spectateur sur sa toile représentant l'actrice P.A. Strépetov (1882).

Portrait de l'actrice Pelageya Antipovna Strepetova dans le rôle d'Elizabeth. 1881

Glazounov_ Portrait d'Ilya Reznik, 1999

Une énorme contribution au développement du portrait russe a été apportée par A.M. Shilov ("Portrait de l'académicien I.L. Knunyants", 1974; "Portrait d'Olya", 1974).

UN M. Chilov. "Portrait d'Olia", 1974

Matériaux utilisés dans la préparation du matériel