Peinture graphique affiche au service du nouveau gouvernement. Caractéristiques générales et périodisation de l'art soviétique. Brève description des périodes. Le thème de la guerre en peinture

La révolution de 1917 a ouvert une toute nouvelle étape dans la peinture russe, qui s'est exprimée à la fois dans le développement de ses nouvelles formes et dans la compréhension d'événements nouveaux et jusqu'alors inédits en Russie.

On peut noter avec confiance que les événements révolutionnaires de cette année historique pour notre pays ont jeté les bases d'une révolution culturelle unique, qui, soit dit en passant, n'avait pas d'analogues dans le monde à cette époque. Le contenu de ce phénomène ne peut pas non plus avoir de caractéristiques univoques.

Depuis la Révolution d'Octobre, la peinture russe s'est retrouvée dans une situation où :

• L'idée de la partisanerie de tout art s'est réalisée partout, c'est-à-dire le principe existant et même partiellement idéalisé de la liberté de création était exclu. Ce qui se résumait finalement à la politisation active de toute la sphère culturelle, et en particulier de l'art et de la littérature.
• Il y avait une "illumination culturelle" active de tous, y compris les sections analphabètes des citoyens de l'ancien empire, et leur familiarisation avec les réalisations artistiques nationales.

Les artistes russes et la révolution - Nouvelles organisations, nouvelles tâches

Octobre 1917 a fondamentalement radicalement changé la position et la nature du travail des maîtres, dont la vie et la manière artistiques avaient déjà pris forme. Il faut noter que la révolution a d'abord fait appel au travail des jeunes artistes, ce qui est naturel. Cependant, les plates-formes nombreuses et diverses qui ont surgi dans sa première impulsion n'ont duré en général que les cinq années suivantes. Les nouveaux artistes se sont montrés des innovateurs audacieux, détruisant tout et arrachant des voies expérimentales.

Parmi les grands maîtres pré-révolutionnaires, les représentants suivants se sont mis d'accord avec la révolution :

• Impressionnisme russe - K. Yuon, A. Rylov
• — M. Doboujinski, E. Lansère
• — A. Lenturov, P. Konchalovsky, I. Mashkov
• Avant-garde -,

Il y a des directions absolument nouvelles dans la peinture russe sur un élan révolutionnaire :

• "Unovis" en tant que représentant du déjà révolutionnaire (existait depuis 1 an) - comprenait M. Chagall, K. Malevich, L. Lissitzky. La tâche de l'unification est de nouvelles formes et un nouvel "art pur"
• Le groupe d'artistes "KNIFE" - en termes de tâches et de formes, il était proche des idées de "Jack of Diamonds"
• "Proletkult" - se présente comme une association sur le principe de la création d'une nouvelle culture (prolétarienne), opposée à tout l'héritage des classiques

Pendant ce temps, dans le domaine artistique de la Russie, qui a changé avec la révolution de 1917, des groupes artistiques ont continué d'exister, conservant les formes traditionnelles et les profondeurs de la réflexion philosophique - ce sont des associations :

• "Quatre Arts" - K.Petrov-Vodkin, N.Tyrsa, A.Kravchenko
• "Makovets" - père P. Florensky, V. Chekrygin

Révolution - nouvelles significations et genres de peinture

Le leader des événements révolutionnaires, V. Lénine, a vu dans la peinture, ainsi que dans le cinéma, un énorme potentiel pour :

• Éducation de la population (générale), c'est-à-dire éradication de l'analphabétisme
• L'illumination par l'agitation, c'est-à-dire propagande artistique d'idées nouvelles
• Révolution culturelle, selon Ilyich, nécessaire pour un "pays arriéré"

C'est ainsi que des tendances entières de propagande de masse sont apparues en Russie, combinant la peinture,.

Des bateaux à vapeur et des trains peints par des artistes traversaient le pays, sur lesquels des orateurs, des groupes de théâtre, des projectionnistes, etc. se rendaient au peuple. En outre, ces trains de propagande transportaient des journaux, des affiches et d'autres produits imprimés, étant essentiellement à l'époque un analogue des médias. Au cours des cinq années difficiles qui ont suivi octobre, la Russie n'avait pratiquement aucun autre moyen d'information à sa disposition.

Les murs et les coques de ces navires et trains de propagande étaient décorés sémantiquement avec des graphiques d'affiches ou des panneaux d'art utilisant des formes et des techniques primitives qui pourraient être accessibles à une personne sans instruction.

Une telle peinture était certainement complétée par un texte expliquant le contenu, ainsi que motivant nécessairement le spectateur à l'action.

En tant que genre le plus mobile et le plus informatif de la Russie alors révolutionnaire, les graphiques sont devenus les plus populaires, à savoir un dessin (journal ou magazine) et une affiche.

Les principaux types de genre d'affiches nés de la révolution avec le nouveau pays du genre d'affiches étaient:

• Type héroïque et politique (artiste D.S. Moor, V. Mayakovsky)
• Type satirique (art. V.N. Denny, M.M. Cheremnykh)

La "charge" de propagande et d'information dans l'affiche a été donnée dans un graphisme simple, mais lumineux et volumineux. Les slogans pour cela avaient une expressivité artistique et ont été rapidement perçus et mémorisés même avec une courte connaissance.

Les artistes soviétiques qui ont travaillé dans le genre de l'affiche l'ont amené à un haut niveau de technologie, possédant à la fois leurs manières uniques et leurs compétences artistiques personnelles.

En fait, l'affiche en tant que type ou genre de peinture est apparue plus tôt - au XIXe siècle, mais dans un jeune pays qui a vaincu la révolution populaire, elle est née à nouveau et est devenue un phénomène artistique indépendant.

Tâches et fonctions de l'art de l'affiche soviétique

Pendant la guerre mondiale, les graphismes des journaux jouaient un rôle important, comparable à l'action d'une arme directe ou psychologique qui écrasait l'ennemi et le poussait au combat.

Pendant la période de construction qui a suivi la guerre, l'affiche a continué à mettre en œuvre les mêmes tâches, étant un outil idéologique. Comme le montrera toute l'histoire de l'URSS, il n'y aura pas un seul événement ou phénomène significatif qui restera en dehors de sa compréhension d'affiche.

Ainsi, les principales fonctions de l'affiche soviétique étaient :

Et pour les fins - c'est aussi une éducation esthétique.

Peu à peu, en tant que genre qui s'acquitte parfaitement des tâches idéologiques, l'affiche s'affiche généralement comme le type principal de peinture. La révolution lui "assure" le statut d'un véritable "grand art", donc dans le pays :

• Des expositions thématiques d'affiches sont organisées
• Ces oeuvres font partie des collections des musées
• Placé dans les archives
• Les formations ouvertes

Au crédit des artistes qui ont travaillé dans cette forme d'art, il faut certainement ajouter que, malgré toute la politisation mondiale du genre de l'affiche, son art s'est toujours incarné à un niveau hautement artistique. C'est en partie pourquoi, à l'avenir, les fonctions de l'affiche soviétique ont été ajoutées, en plus de ce qui précède, et des tâches :

• Les communications comme liens entre les personnes et le pouvoir
• Image - comme formant l'image du pouvoir lui-même
• Éducatif - en tant que développement de sujets moraux et sociaux

Cette période (due à des changements historiques évidents) est caractérisée par un changement dans la ligne principale de l'art officiel par rapport à l'étape précédente du développement de l'art russe. Le contenu idéologique commence à s'imposer.

L'art appartient au peuple. Elle doit avoir ses racines les plus profondes au plus profond des masses laborieuses, elle doit être comprise par ces masses et aimée par elles. Elle doit exprimer les sentiments, les pensées et la volonté de ces masses, les élever. Elle devrait éveiller les artistes en eux et les développer.

Les principales «tâches» de l'art soviétique: «servir le peuple, défendre la cause commune de la lutte pour le socialisme et le communisme, apporter la vérité aux gens, faire naître en eux la créativité».

En outre, la nationalité et la multinationalité étaient des concepts importants.

Périodisation 1917-1990 :

1 1917-1922 - art de la période de la révolution et de la guerre civile

2 1922-1932 - La théorie de Marx cesse de fonctionner, la théorie de Nep

3 1932-1941 - art des années 30, principes de parti, réalisme socialiste

4 1941-1945 - l'art de la Seconde Guerre mondiale, tout l'art pour le front, pour la victoire, le graphisme, une affiche politique soviétique, en peignant un tableau historique d'un paysage venu au premier plan.

5 1945-1960-art des années d'après-guerre

6 1960-1980 - l'ère de la stagnation de Brejnev

L'histoire de l'art soviétique a divisé les maîtres de la peinture soviétique de cette période en deux groupes :

Des artistes qui ont cherché à saisir les intrigues dans le langage pictural habituel de l'affichage factuel

Des artistes qui ont utilisé une perception figurative plus complexe de la modernité. Ils créent des images symboliques dans lesquelles ils tentent d'exprimer leur perception « poétique, inspirée » de l'époque dans son état nouveau.

2 Peinture de la période de la révolution et de la guerre civile 1917-1922. Art de la période de la Révolution et de la guerre civile Déjà dans les premiers mois après son arrivée au pouvoir, le gouvernement soviétique a adopté un certain nombre de résolutions importantes pour le développement de la culture :

En novembre 1917, le Collège des affaires muséales et de la protection des monuments d'art et d'antiquité est créé auprès du Commissariat du peuple à l'éducation.

"De l'inscription, de l'inscription et du stockage des monuments d'art et de l'antiquité" (5 octobre 1918) sur l'inscription générale des oeuvres et des monuments d'art et de l'antiquité. Cette comptabilité a été effectuée par le département des musées du Commissariat du peuple à l'éducation.

"Sur la reconnaissance des oeuvres scientifiques, littéraires, musicales et artistiques comme propriété de l'Etat" (26 novembre 1918)

La question des musées est devenue un aspect important de la politique gouvernementale dans le domaine de l'art. Dans les premières années, le gouvernement soviétique a nationalisé les musées d'art, les collections privées et les collections. Pour l'étude et la systématisation des valeurs artistiques, l'État fonds du musée, où les valeurs muséales étaient concentrées. Après comptabilité, systématisation et étude, la phase d'acquisition des musées a commencé - les valeurs étaient à peu près uniformément réparties entre les différents musées du pays. En parallèle, la construction d'un musée à grande échelle a commencé. Peinture Dans les premières années de la révolution, les formes de chevalet traditionnelles ont continué à se développer. Beaucoup d'artistes soviétiques de l'ancienne génération des premières années du pouvoir soviétique ont été formés, bien sûr, dans les années pré-révolutionnaires et, bien sûr, «le contact avec la nouvelle vie a été associé à des difficultés considérables pour eux, qui étaient associée à la rupture des individualités créatives qui s'étaient déjà développées à l'époque de la révolution. L'histoire de l'art soviétique divisée maîtres de la peinture soviétique de cette période en deux groupes :

Des artistes qui ont cherché à saisir les intrigues dans le langage pictural habituel de l'affichage factuel

Des artistes qui ont utilisé une perception figurative plus complexe de la modernité. Ils créent des images symboliques dans lesquelles ils tentent d'exprimer leur perception « poétique, inspirée » de l'époque dans son état nouveau.

Les formes d'art capables de «vivre» dans la rue dans les premières années après la révolution ont joué un rôle crucial dans «la formation de la conscience sociale et esthétique du peuple révolutionnaire». Par conséquent, avec la sculpture monumentale, l'affiche politique a reçu le développement le plus actif. Il s'est avéré être la forme d'art la plus mobile et la plus opérationnelle.

Pendant la guerre civile, ce genre se caractérisait par les qualités suivantes :

"Netteté de l'approvisionnement en matériel,

Réaction instantanée aux événements qui changent rapidement,

Orientation agitationnelle, grâce à laquelle se sont formées les principales caractéristiques du langage plastique de l'affiche.

Ils se sont avérés être le laconisme, la conventionnalité de l'image, la clarté de la silhouette et du geste. Les affiches étaient extrêmement courantes, imprimées en grand nombre et affichées partout.

Avant la révolution, il n'y avait pas d'affiche politique (en tant que type de graphique formé) - il n'y avait que des affiches publicitaires ou de théâtre. L'affiche politique soviétique a hérité des traditions du graphisme russe, en premier lieu - la satire des magazines politiques. De nombreux maîtres de l'affiche se sont développés précisément dans des magazines. Décoration festive des villes

La décoration artistique des festivités est un autre phénomène nouveau de l'art soviétique qui n'avait pas de tradition. Les vacances comprenaient les anniversaires de la Révolution d'Octobre, le 1er mai, le 8 mars et d'autres jours fériés soviétiques.

Cela a créé une nouvelle forme d'art non traditionnelle qui a donné à la peinture un nouvel espace et une nouvelle fonction.

Pour les vacances, des panneaux monumentaux ont été créés, caractérisés par un énorme pathos de propagande monumentale. Les artistes ont créé des croquis pour la conception des places et des rues. Le premier post-révolutionnaire le quinquennat (1917-1922) est marqué par la diversité et la fragilité des plates-formes artistiques, l'activité des artistes de gauche qui voient dans les conditions nouvelles la possibilité de mettre en œuvre les idées novatrices les plus audacieuses.

La plupart des artistes pré-révolutionnaires ont commencé à coopérer avec les autorités soviétiques, parmi lesquelles les Wanderers et les impressionnistes russes (Rylov, Yuon), et le monde de l'art (Lancere, Dobuzhinsky) et les Blue Bearers (Kuznetsov, Saryan ), et le valet de carreau (Konchalovsky, Mashkov , Lentoulov).

Au début, les abstractionnistes V. Kandinsky et K. Malevich occupaient une place de choix au Département des beaux-arts du Commissariat du peuple à l'éducation. Les idées de la révolution donnèrent naissance à de nouvelles directions. Parmi eux, la nouvelle avant-garde révolutionnaire russe "Unovis" ("Affirmative du nouvel art", 1919-1920. Malevich, Chagall, Lissitzky) a déclaré une lutte pour l'art "pur" et a commencé à développer des formes de propagande. "COUTEAU" (Société Nouvelle des Peintres) était proche des valets de carreau.

Proletkult a accepté une tentative de créer une organisation d'une nouvelle culture prolétarienne "sur les ruines du passé", abandonnant l'héritage classique, mais n'a pas duré longtemps, n'ayant aucun soutien des artistes et des téléspectateurs.

Les artistes des associations "Quatre Arts" (Kravchenko, Tyrsa, Petrov-Vodkin) et "Makovets" (Chekrygin, père Pavel Florensky) ont opposé l'avant-gardisme pour la profondeur philosophique de l'art et le monumentalisme traditionnel des formes.

Le romantisme des premières années post-révolutionnaires a été véhiculé sous une forme symbolique et allégorique par P. Filonov dans la série de peintures «Entering the World Heyday» (1919); K. Yuon "Nouvelle Planète", B. Kustodiev "Bolchevique". Dès le début du XXe siècle, K. Petrov-Vodkin (1878-1939) a exprimé une prémonition de changements imminents en Russie dans le tableau Bathing a Red Horse (1912, State Tretiakov Gallery). Il a transmis la menace à la vie paisible des gens ordinaires pendant les années de la guerre civile dans le film « 1919. Anxiété "(1934, Musée russe).

Le type d'un nouveau héros - un ouvrier, un athlète et un activiste social, est créé dans le genre du portrait par A.N. Samokhvalov "Fille en T-shirt". pendant les années de la guerre civile, l'art de la propagande de masse s'est imposé : la décoration des fêtes et des rassemblements, la peinture des trains de propagande, etc. (B. Kustodiev, K. Petrov-Vodkin, N. Altman); affiche politique (A. Apsit «Sein à la défense de Petrograd», D. Moor «Vous êtes-vous inscrit comme volontaire?», «Aide!». Fenêtres de CROISSANCE (1919-1921, Mayakovsky et Cheremnykh).

En 1922, l'AHRR (Association des artistes de la Russie révolutionnaire) a été créée, qui a existé jusqu'en 1932. Ses organisateurs étaient A. Arkhipov, N. Dormidontov, S. Malyutin et d'autres Wanderers tardifs. La propagande de son "nouveau cours" a attiré des artistes de différents points de vue sur l'art - anciens valets de carreau, artistes de la société "COUTEAU", "4 Arts", etc.

La culture de la période soviétique et post-soviétique est une brillante bobine à grande échelle de l'héritage russe. Les événements de 1917 sont devenus un point de référence dans le développement d'un nouveau mode de vie, la formation d'une nouvelle façon de penser. L'humeur de la société à la fin du XIXe - début du XXe siècle. aboutit à la Révolution d'Octobre, un tournant dans l'histoire du pays. Maintenant, elle attendait un nouvel avenir avec ses propres idéaux et objectifs. L'art, qui est en quelque sorte un miroir de l'époque, est aussi devenu un outil de mise en pratique des principes du nouveau régime. Contrairement à d'autres types de créativité artistique, la peinture, qui forme et façonne la pensée d'une personne, a pénétré la conscience des gens de la manière la plus précise et la plus directe. D'autre part, l'art pictural était le moins subordonné à la fonction de propagande et reflétait les expériences des gens, leurs rêves et, surtout, l'esprit du temps.

Avant-garde russe

L'art nouveau n'a pas complètement évité les anciennes traditions. La peinture, dans les premières années post-révolutionnaires, a absorbé l'influence des futuristes et de l'avant-garde en général. L'avant-garde, avec son mépris des traditions du passé, si proche des idées destructrices de la révolution, trouve des adhérents face aux jeunes artistes. Parallèlement à ces tendances, des tendances réalistes se sont développées dans les arts visuels, qui ont été animées par le réalisme critique du XIXe siècle. Cette bipolarité, mûrissant au moment du changement d'époques, rend la vie de l'artiste de cette époque particulièrement stressante. Les deux voies qui ont émergé dans la peinture post-révolutionnaire, même si elles étaient opposées, on peut néanmoins observer l'influence de l'avant-garde sur le travail des artistes réalistes. Le réalisme lui-même dans ces années était diversifié. Les œuvres de ce style ont une apparence symbolique, agitation et même romantique. Transmet de manière absolument précise sous forme symbolique un changement grandiose dans la vie du pays, l'œuvre de B.M. Kustodiev - "Bolchevique" et, rempli d'une tragédie pathétique et d'une jubilation incontrôlable, "New Planet" de K.F. Yuon.

Peinture de P.N. Filonov, avec sa méthode créative particulière - "réalisme analytique" - est une fusion de deux mouvements artistiques contrastés, que l'on peut voir dans l'exemple d'un cycle avec un titre de propagande et signifiant "Entrer dans l'apogée du monde".

P. N. Filonov Navires du cycle Entrer dans l'apogée du monde. 1919 GTG

La nature inconditionnelle des valeurs humaines universelles, inébranlables même en ces temps troublés, est exprimée par l'image de la belle "Madonna de Petrograd" (nom officiel "1918 à Petrograd") de K.S. Petrov-Vodkine.

Une attitude positive face aux événements révolutionnaires infecte l'œuvre lumineuse, ensoleillée et aérée du peintre paysagiste A.A. Rylov. Le paysage "Sunset", dans lequel l'artiste exprime la prémonition du feu de la révolution, qui jaillira de la flamme grandissante de l'incendie apocalyptique de l'époque passée, est l'un des symboles inspirants de cette époque.

A côté des images symboliques qui organisent la montée de l'esprit national et entraînent, comme une obsession, il y a aussi un sens de la peinture réaliste, avec une soif de transfert concret de la réalité.
À ce jour, les œuvres de cette période gardent une étincelle de rébellion qui peut se déclarer en chacun de nous. De nombreuses œuvres non douées de telles qualités ou contraires à celles-ci ont été détruites ou oubliées, et ne se présenteront jamais à nos yeux.
L'avant-garde laisse à jamais sa marque sur la peinture réaliste, mais une période de développement intensif de la direction du réalisme commence.

Le temps des associations artistiques

Les années 1920 sont l'époque de la création d'un nouveau monde sur les ruines laissées par la guerre civile. Pour l'art, c'est une période où diverses associations créatives lancent leurs activités en force. Leurs principes ont été en partie façonnés par les premiers groupements artistiques. L'Association des Artistes de la Révolution (1922 - AHRR, 1928 - AHRR), exécutait personnellement les commandes de l'Etat. Sous le slogan du "réalisme héroïque", les artistes qui en faisaient partie ont documenté dans leurs œuvres la vie et la vie d'une personne - l'idée originale de la révolution, dans divers genres de peinture. Les principaux représentants de l'AHRR étaient I.I. Brodsky, qui a absorbé les influences réalistes d'I.E. Repin, qui a travaillé dans le genre historique-révolutionnaire et a créé toute une série d'œuvres représentant V.I. Lénine, E.M. Cheptsov est un maître du genre quotidien, M.B. Grekov, qui a peint des scènes de bataille dans une garance plutôt impressionniste. Tous ces maîtres sont les fondateurs des genres dans lesquels ils interprètent la plupart de leurs œuvres. Parmi eux, la toile "Lénine à Smolny" se démarque, dans laquelle I.I. Brodsky sous la forme la plus directe et la plus sincère a véhiculé l'image du leader.

Dans le tableau "Réunion d'une cellule membre" E.I. Cheptsov décrit de manière très fiable, sans artifice, les événements qui se sont déroulés dans la vie du peuple.

Une magnifique image joyeuse et bruyante remplie de mouvements orageux et de célébration de la victoire est créée par M.B. Grekov dans la composition "Les trompettistes de la première armée de cavalerie".

L'idée d'une nouvelle personne, une nouvelle image d'une personne est exprimée par les tendances émergentes dans le genre du portrait, dont les maîtres les plus brillants étaient S.V. Malyutin et G.G. Riazhsky. Dans le portrait de l'écrivain-combattant Dmitry Furmanov, S.V. Malyutin montre un homme de l'ancien monde qui a réussi à s'intégrer dans le nouveau monde. Une nouvelle tendance se déclare, qui trouve son origine dans les travaux de N.A. Kasatkin et développé au plus haut degré dans images féminines G. G. Ryazhsky - "Délégué", "Présidente", dans lequel le début personnel est effacé et le type de personne créé par le nouveau monde est établi.
Une impression absolument précise se forme sur le développement du genre paysage à la vue du travail du peintre paysagiste avancé B.N. Yakovleva - "Les transports s'améliorent."

B.N. Yakovlev Transport s'améliore. 1923

Ce genre dépeint un pays en renouvellement, la normalisation de toutes les sphères de la vie. Au cours de ces années, le paysage industriel s'impose, dont les images deviennent symboles de la création.
La Society of Easel Painters (1925) est la prochaine association artistique de cette période. Ici, l'artiste a cherché à transmettre l'esprit de la modernité, le type d'une nouvelle personne, en recourant à une transmission d'images plus distante en raison du nombre minimum de moyens d'expression. Dans les œuvres de "Ostovtsev", le thème du sport est souvent mis en évidence. Leur peinture est pleine de dynamisme et d'expression, comme on peut le voir dans les œuvres d'A.A. Deineka "Défense de Petrograd", Yu.P. Pimenov "Football", etc.

Les membres d'une autre association bien connue - les "Quatre Arts" - ont choisi l'expressivité de l'image, en raison de la forme concise et constructive, ainsi qu'une attitude particulière envers sa richesse en couleurs, comme base de leur créativité artistique. Le représentant le plus mémorable de l'association est K.S. Petrov-Vodkin et l'une de ses œuvres les plus remarquables de cette période - "Mort du commissaire", qui, à travers un langage pictural particulier, révèle une image symbolique profonde, symbole de la lutte pour une vie meilleure.

De la composition des "Quatre Arts" P.V. Kuznetsov, ouvrages consacrés à l'Orient.
La dernière grande association artistique de cette période est la Société des artistes de Moscou (1928), qui se distingue des autres par la manière de modeler énergiquement les volumes, l'attention au clair-obscur et l'expressivité plastique de la forme. Presque tous les représentants étaient membres du "Tambourine Volt" - partisans du futurisme - ce qui a grandement affecté leur travail. Les travaux de P.P. Konchalovsky, qui a travaillé dans différents genres. Par exemple, les portraits de sa femme O.V. Konchalovskaya transmet les spécificités non seulement de la main de l'auteur, mais également de la peinture de toute l'association.

Le 23 avril 1932, toutes les associations artistiques ont été dissoutes par le décret "Sur la restructuration des organisations littéraires et artistiques" et l'Union des artistes de l'URSS a été créée. La créativité est tombée dans les chaînes sinistres d'une idéologisation rigide. La liberté d'expression de l'artiste, base du processus de création, a été bafouée. Malgré un tel effondrement, les artistes auparavant réunis en communautés poursuivent leurs activités, mais de nouvelles figures occupent le premier rôle dans l'environnement pictural.
B.V. Ioganson a été influencé par I.E. Repin et V.I. Surikov, dans ses toiles, on peut voir une recherche de composition et des possibilités intéressantes dans une solution coloriste, mais les peintures de l'auteur sont marquées par une attitude satirique excessive, inappropriée d'une manière si naturaliste, que l'on peut observer dans l'exemple du tableau "At l'ancienne usine de l'Oural".

A.A. Deineka ne reste pas à l'écart de la ligne "officielle" de l'art. Il est toujours fidèle à ses principes artistiques. Maintenant, il continue à travailler dans des thèmes de genre, en plus, il peint des portraits et des paysages. Le tableau « Futurs Pilotes » montre bien sa peinture durant cette période : romantique, légère.

L'artiste crée un grand nombre d'œuvres sur un thème sportif. De cette période, ses aquarelles, écrites après 1935, sont restées.

La peinture des années 1930 représente un monde fictif, l'illusion d'une vie lumineuse et festive. Il était plus facile pour l'artiste de rester sincère dans le genre du paysage. Le genre de la nature morte se développe.
Le portrait fait également l'objet d'un développement intensif. P. P. Konchalovsky écrit une série de personnalités culturelles ("V. Sofronitsky au piano"). Les travaux de M.V. Nesterov, qui a absorbé l'influence de V.A. Serov, montrez une personne en tant que créateur, dont l'essence de la vie est une recherche créative. C'est ainsi que l'on voit les portraits du sculpteur I.D. Shadr et le chirurgien S.S. Youdin.

PD Korin perpétue la tradition du portrait de l'artiste précédent, mais son style de peinture consiste à transmettre la rigidité de la forme, une silhouette plus nette, plus expressive et une coloration dure. En général, le thème de l'intelligentsia créative est d'une grande importance dans le portrait.

Un artiste en guerre

Avec l'avènement de la Grande Guerre patriotique, les artistes commencent à prendre une part active aux hostilités. En raison de l'unité directe avec les événements, des œuvres sont apparues dans les premières années, dont l'essence est une fixation de ce qui se passe, une "esquisse pittoresque". Souvent, ces peintures manquaient de profondeur, mais leur transmission exprimait l'attitude tout à fait sincère de l'artiste, le comble du pathos moral. Le genre du portrait connaît une relative prospérité. Les artistes, voyant et expérimentant l'influence destructrice de la guerre, admirent ses héros - des gens du peuple, persistants et nobles d'esprit, qui ont montré les plus hautes qualités humanistes. Ces tendances ont abouti à des portraits d'apparat : « Portrait du maréchal G.K. Joukov" de P.D. Korina, visages joyeux de P.P. Konchalovsky. D'une grande importance sont les portraits de l'intelligentsia M.S. Saryan, créé pendant les années de guerre - c'est l'image de l'académicien "I.A. Orbeli", écrivain "M.S. Shahinyan" et d'autres.

De 1940 à 1945, le paysage et le genre quotidien se développent également, ce que A.A. Plastov. "Le fasciste s'est envolé" traduit la tragédie de la vie de cette période.

Le psychologisme du paysage remplit ici encore plus l'œuvre de tristesse et de silence de l'âme humaine, seul le hurlement d'un ami dévoué coupe le vent de la confusion. Au final, le sens du paysage est repensé et commence à incarner l'image crue de la guerre.
Les peintures narratives se distinguent séparément, par exemple, "La mère du partisan" de S.V. Gerasimov, qui se caractérise par un refus de glorifier l'image.

La peinture historique crée en temps opportun des images de héros nationaux du passé. L'une de ces images inébranlables et inspirantes est "Alexander Nevsky" de P.D. Korin, personnifiant l'esprit fier et invaincu du peuple. Dans ce genre, dès la fin de la guerre, une tendance à la dramaturgie simulée se dessine.

Le thème de la guerre en peinture

Dans la peinture de l'après-guerre, ser. 1940 - con. Dans les années 1950, la place prépondérante dans la peinture est occupée par le thème de la guerre, comme épreuve morale et physique, dont le peuple soviétique sort vainqueur. Les genres historico-révolutionnaires, historiques se développent. Le thème principal du genre quotidien est le travail pacifique, dont on rêvait depuis de nombreuses années de guerre. Les toiles de ce genre sont imprégnées de gaieté et de bonheur. Le langage artistique du genre quotidien devient narratif et gravite vers la réalité. Dans les dernières années de cette période, le paysage subit également des changements. La vie de la région y est ravivée, le lien entre l'homme et la nature se renforce à nouveau, une atmosphère de tranquillité apparaît. L'amour de la nature se chante aussi dans la nature morte. Un développement intéressant est le portrait dans le travail de divers artistes, qui se caractérise par le transfert de l'individu. L'une des œuvres les plus marquantes de cette période était : "Lettre du front" d'A.I. Laktionov, une œuvre semblable à une fenêtre sur un monde radieux ;

la composition "Repos après la bataille", dans laquelle Yu.M. Neprintsev atteint la même vitalité de l'image que A.I. Laktionov;

oeuvre d'A.A. Mylnikova "On Peaceful Fields", se réjouissant joyeusement de la fin de la guerre et de la réunification de l'homme et du travail;

image de paysage originale de G.G. Nissky - "Sur les neiges", etc.

Style sévère pour remplacer le réalisme socialiste

Art 1960-1980 est une nouvelle étape. Un nouveau "style sévère" est en cours de développement, dont la tâche était de recréer la réalité sans tout ce qui prive le travail de profondeur et d'expressivité et a un effet néfaste sur les manifestations créatives. Il se caractérisait par la concision et la généralisation de l'image artistique. Les artistes de ce style ont glorifié le début héroïque des dures journées de travail, qui a été créé par une structure émotionnelle particulière de l'image. Le "style sévère" était une étape décisive vers la démocratisation de la société. Le portrait est devenu le genre principal pour lequel les adeptes du style ont travaillé; un portrait de groupe, un genre quotidien, un genre historique et historique-révolutionnaire se développent également. V.E. Popkov, qui a peint de nombreux autoportraits-peintures, V.I. Ivanov est partisan d'un portrait de groupe, G.M. Korzhev, qui a créé des toiles historiques. La révélation de l'essence du "style sévère" peut être vue dans le tableau "Géologues" de P.F. Nikonov, "Explorateurs polaires" A.A. et P.A. Smolins, "Pardessus du père" de V.E. Popkov. Dans le genre du paysage, on s'intéresse à la nature nordique.

Symbolisme de l'ère de la stagnation

Dans les années 1970-1980. une nouvelle génération d'artistes se forme, dont l'art a influencé dans une certaine mesure l'art d'aujourd'hui. Ils se caractérisent par un langage symbolique, un divertissement théâtral. Leur peinture est assez artistique et virtuose. Les principaux représentants de cette génération sont T.G. Nazarenko ("Pugachev"),

dont le thème préféré était la fête et la mascarade, A.G. Sitnikov, qui utilise la métaphore et la parabole comme forme de langage plastique, N.I. Nesterova, créatrice de tableaux ambigus ("The Last Supper"), I.L. Lubennikov, N.N. Smirnov.

Le dernier souper. NI Nesterov. 1989

Ainsi, cette époque apparaît dans sa variété de styles et sa diversité comme le dernier maillon formateur des beaux-arts d'aujourd'hui.

Notre époque a découvert une immense richesse du patrimoine pittoresque des générations précédentes. Un artiste moderne n'est limité par presque aucun cadre qui était déterminant et parfois hostile au développement des beaux-arts. Certains artistes d'aujourd'hui essaient d'adhérer aux principes de l'école réaliste soviétique, quelqu'un se retrouve dans d'autres styles et tendances. Les tendances de l'art conceptuel, perçues de manière ambiguë par la société, sont très populaires. L'étendue des moyens et des idéaux artistiques et expressifs que le passé nous a fournis doit être repensée et servir de base à de nouveaux. façons créatives et créer une nouvelle image.

Nos ateliers d'histoire de l'art

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Le plan de "propagande monumentale", adopté à la suggestion de V. I. Lénine, était l'expression la plus frappante des principes généraux du nouvel art. V. I. Lénine a vu le but principal de la "propagande monumentale" dans la mise de l'art au service de la révolution, dans l'éducation du peuple dans l'esprit d'une nouvelle vision du monde communiste.

Parallèlement à l'abolition de certains monuments qui "glorifiaient le tsarisme", il a été ordonné de mobiliser les forces artistiques et d'organiser un concours pour développer des dessins de monuments en l'honneur de la Révolution socialiste d'Octobre.

À partir de l'automne 1918, les premières œuvres de «propagande monumentale» apparaissent dans les rues de Petrograd, Moscou et d'autres villes: monuments à Radichtchev, Stepan Razin, Robespierre, Kalyaev, T. Shevchenko et d'autres.

De nombreux sculpteurs représentant diverses tendances créatives ont travaillé à la mise en œuvre du plan - N. Andreev, S. Konenkov, A. Matveev, V. Mukhina, S. Merkurov, V. Sinaisky, architectes L. Rudnev, I. Fomin, D. Osipov , V. Mayat. Les idées du plan léniniste ont également influencé le domaine plus large de l'art monumental et décoratif - la décoration festive des villes, les processions de masse, etc. Des artistes éminents, dont K. Petrov-Vodkin, ont participé à la conception des rues de Moscou et de Petrograd. aux jours du premier anniversaire de la Révolution d'Octobre, B. Kustodiev, S. Gerasimov.

Un trait caractéristique des arts visuels de l'ère de la révolution et de la guerre civile était l'orientation de la propagande, qui déterminait la signification et la place de ses types individuels. Avec les monuments et les plaques commémoratives, l'affiche est devenue le porte-parole des idées et des slogans révolutionnaires, parlant le langage de l'allégorie (A. Apsit), de la satire politique (V. Denis) et atteignant ensuite son apogée dans les œuvres classiques de D. Moor. (« Vous êtes-vous inscrit comme bénévole ? », « Aide »).

Inégalés en leur genre étaient également "ROSTA Windows" de V. Mayakovsky et M. Cheremnykh. Le langage "télégraphique" de ces affiches, volontairement simplifié, est tranchant et concis.

L'art de l'affiche était étroitement associé au graphisme politique, largement popularisé par les magazines "Flame", "Krasnoarmeyets" et d'autres périodiques. Les thèmes révolutionnaires pénètrent également dans les graphiques de chevalet (dessins de B. Kustodiev), notamment dans les gravures sur bois et linoléum. "Troupes" de V. Falileev, "Voiture blindée" et "Cruiser Aurora" de N. Kupreyanov - travaux typiques graphiques de cette époque. Ils se caractérisent par des contrastes intenses de manière noire et blanche, augmentant le rôle de la silhouette.

L'ère de la révolution se reflétait également dans les illustrations de livres (dessins de Yu. Annenkov pour "The Twelve" d'A. Blok, couvertures et signets de S. Chekhonin), mais ce type d'art était davantage associé aux nouvelles éditions de la littérature classique. , principalement la "Bibliothèque populaire" (œuvres de B. Kardovsky, E. Lansere et autres).

Dans les portraits graphiques, les croquis de V. I. Lénine réalisés à partir de la nature (N. Altman, N. Andreev) avaient une valeur particulière. Une pléiade de grands maîtres (A. Benois, M. Dobuzhinsky, A. Ostroumova-Lebedeva) a développé le graphisme paysager.

La peinture de chevalet des premières années post-révolutionnaires, plus que toute autre forme d'art, subit la pression du « front de gauche ». Les peintures "New Planet" de K. Yuon, "Bolshevik" de B. Kustodiev, etc. témoignent du désir de leurs auteurs de révéler le sens historique de ce qui se passe. L'allégorie caractéristique de tout l'art soviétique de la première période a pénétré même dans la peinture de paysage, donnant lieu à une réponse aussi particulière aux événements contemporains que, par exemple, la peinture de A. Rylov «Dans l'espace bleu».

Parmi les autres arts, l'architecture occupait une position particulière, dont les possibilités à cette époque ne dépassaient pas la conception de nouvelles tâches.

20s

Dans les années 20. il y avait de nombreux groupes différents parmi les artistes soviétiques: l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire, la Société des artistes de chevalet, la Société des artistes de Moscou, la Société des sculpteurs russes, etc.

Malgré le fait que l'art soviétique avait alors un caractère transitoire, un style commun s'y est progressivement développé. En peinture, les traditions classiques, et surtout les traditions de l'école réaliste russe, acquièrent une importance décisive. Les artistes se tournent de plus en plus vers le présent. Aux côtés des maîtres de l'ancienne génération, de jeunes peintres se produisent également. Cette époque est caractérisée par les œuvres de S. Malyutin, A. Arkhipov, G. Ryazhsky dans le genre du portrait, B. Ioganson - dans le genre quotidien, M. Grekov, I. Brodsky, A. Gerasimov - dans le genre historique et révolutionnaire genre, A. Rylov, N. Krymov, B. Yakovlev - en paysage, etc. Les artistes qui se sont regroupés avant la révolution autour de la revue "World of Art", anciens Cezannes, changent leur rapport à l'environnement, aux tâches de art. P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Kuprin connaissent l'épanouissement de leur talent; le travail stylistique de K. Petrov-Vodkin s'est récemment rempli d'un contenu réel et vital; une nouvelle approche des problèmes d'expressivité figurative se reflète dans les œuvres de M. Saryan, S. Gerasimov et d'autres.Les tendances novatrices de la peinture soviétique ont été particulièrement prononcées dans le tableau «Défense de Petrograd» de A. Deineka (1928).

La caricature politique (B. Efimov, L. Brodaty et autres) occupait une place prépondérante dans le graphisme. Dans le même temps, l'importance de l'illustration de livres, en particulier des gravures sur bois de livres, augmente (A. Kravchenko, P. Pavlinov et autres). Son plus grand maître, V. Favorsky, a jeté les bases de tout un mouvement créatif. Le développement des dessins de chevalet réalisés au fusain, au crayon, à la lithographie ou à l'aquarelle noire connaît également un succès (N. Kupreyanov, N. Ulyanov, G. Vereisky, M. Rodionov).

Sculpture des années 20 a continué à suivre les idées du plan de "propagande monumentale" de Lénine. L'éventail de ses tâches s'est sensiblement élargi, la sculpture de portrait a remporté un grand succès (A. Golubkina, V. Domogatsky, S. Lebedeva).

Cependant, les efforts principaux des sculpteurs sont toujours dirigés vers la création de monuments. Contrairement aux premiers monuments en plâtre, qui étaient de nature temporaire, de nouveaux monuments sont construits en bronze et en granit. Il s'agit notamment de monuments à V. I. Lénine à la gare finlandaise de Leningrad (V. Schuko, V. Gelfreich, S. Yeseev), sur le barrage de la centrale hydroélectrique de Zemo-Avchal en Transcaucasie (I. Shadr) et à Petrozavodsk (M. Manizer).

Des images d'importance générale ont été créées par A. Matveev («Révolution d'Octobre»), I. Shadr («Le pavé est l'arme du prolétariat»), V. Mukhina («Vent», «Paysanne»), qui déjà à cette époque le temps a déterminé le visage de la sculpture soviétique avec leur travail.

Après la fin de la guerre civile, des conditions favorables au développement de l'architecture sont apparues. Sa tâche principale et la plus urgente était la construction de logements (complexes d'immeubles résidentiels de la rue Usacheva à Moscou, de la rue Traktornaya à Leningrad, etc.). Mais très vite les architectes focalisent leur attention sur les problèmes urbains, la construction d'ensembles publics et la construction industrielle. A. Shchusev et I. Zholtovsky élaborent le premier plan de reconstruction de Moscou. Sous leur direction, la planification et la construction de l'exposition agricole panrusse de 1923 sont réalisées. A. Shchusev crée le mausolée de V. I. Lénine. Jusqu'à la fin des années 20. selon les plans des architectes soviétiques, un certain nombre de bâtiments à des fins diverses ont été construits (maison Izvestia par G. Barkhin; Banque d'État de l'URSS par I. Zholtovsky; Central Telegraph par I. Rerberg), complexes industriels (centrale hydroélectrique Volkhovskaya par O. Muntz, N. Gundobin et V. Pokrovsky ; centrale hydroélectrique du Dniepr V. Vesnin), etc.

L'un des aspects importants de l'activité créative des architectes soviétiques était le désir de développer de nouvelles formes d'architecture correspondant à de nouvelles tâches, à des matériaux modernes et à une technologie de construction.

30s

Les succès de la peinture soviétique de ces années sont surtout pleinement représentés par une nouvelle étape dans l'œuvre de M. Nesterov, dont les œuvres (portraits de l'académicien I. Pavlov, des frères Korin, V. Mukhina, chirurgien S. Yudin) la profondeur et le relief de l'image des personnages humains est combiné avec un vaste thème général du travail créatif du peuple soviétique. Un haut niveau de peinture de portrait est soutenu par P. Korin (portraits de A. Gorky, M. Nesterov), I. Grabar (portrait de son fils, portrait de S. Chaplygin), P. Konchalovsky (portrait de V. Meyerhold, portrait d'un étudiant noir), N. Ulyanov et d'autres. Le thème de la guerre civile a été incarné dans le tableau de S. Gerasimov "Le serment des partisans sibériens". Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov) a également écrit «Vieux maîtres» et «Matin d'un officier de l'armée tsariste» sur des sujets historiques. Maître exceptionnel de la peinture thème moderne devient A. Deineka (« Mère », « Futurs pilotes », etc.). Yu. Pimenov ("Nouveau Moscou") et A. Plastov ("Troupeau de ferme collective") font un pas important vers le développement du genre quotidien.

Le développement du graphisme au cours de cette période est principalement associé à l'illustration de livres. Maîtres de l'ancienne génération - S. Gerasimov ("L'affaire Artamonov" de M. Gorki), K. Rudakov (illustrations pour les œuvres de G. Maupassant) et jeunes artistes - D. Shmarinov ("Crime et châtiment" F . Dostoïevski, "Pierre Ier" de A. Tolstoï), E. Kibrik ("Cola Breugnon" de R. Rolland, "La Légende d'Ulenspiegel" de Charles de Coster), Kukryniksy ("La Vie de Klim Samgin" de M. Gorki et autres), A. Kanevsky (œuvres de Saltykov-Shchedrin). L'illustration du livre pour enfants soviétique a été sensiblement développée (V. Lebedev, V. Konashevich, A. Pakhomov). Un changement fondamentalement important par rapport à la période précédente a été que les maîtres soviétiques de l'illustration sont passés (bien que de manière un peu unilatérale) de la conception décorative du livre à la divulgation du contenu idéologique et artistique des images littéraires, au développement de personnages humains et la dramaturgie de l'action, exprimée dans une succession d'autres images successives.

Dans l'illustration de livres, à côté du dessin réaliste, l'aquarelle, la lithographie, la gravure conserve également son importance, représentée par les œuvres de maîtres reconnus tels que V. Favorsky ("Vita Nuova" de Dante, "Hamlet" de Shakespeare), M. Pikov, A. Gontcharov.

Dans le domaine du graphisme de chevalet, le genre du portrait s'impose à cette époque (G. Vereisky, M. Rodionov, A. Fonvizin).

Un obstacle sérieux au développement de l'art soviétique au cours de ces années est l'artisanat, les tendances de la fausse monumentalité, la splendeur associée au culte de la personnalité de Staline.

Dans l'art de l'architecture, les tâches les plus importantes ont été résolues en relation avec les problèmes d'urbanisme et la construction de bâtiments résidentiels, administratifs, de théâtre et autres, ainsi que de grandes installations industrielles (comme, par exemple, une usine automobile à Moscou, une usine de transformation de viande à Leningrad, une chaufferie à Gorki, etc.). Parmi les œuvres architecturales, la Maison du Conseil des ministres à Moscou (A. Lengman), l'Hôtel de Moscou (A. Shchusev, L. Savelyev, O. Stapran), le Théâtre de l'armée soviétique à Moscou (K. Alabyan, V. Simbirtsev) sont particulièrement caractéristiques de ces années. ), le sanatorium Ordzhonikidze à Kislovodsk (M. Ginzburg), la station fluviale de Khimki (A. Rukhlyadyev), etc. La principale tendance esthétique au cours de ces travaux était l'attraction aux formes traditionnelles de l'architecture d'ordre classique. L'utilisation non critique de telles formes, leur transfert mécanique au présent a souvent conduit à une splendeur extérieure inutile et à des excès injustifiés.

L'art de la sculpture acquiert de nouvelles caractéristiques importantes. Le renforcement des liens entre la sculpture monumentale et décorative et l'architecture devient un trait caractéristique de cette période. L'œuvre sculpturale - le groupe "Ouvrier et femme de ferme collective" - ​​Mukhina est née sur la base du projet architectural du pavillon de l'URSS à l'Exposition internationale de 1937 à Paris. La synthèse de la sculpture et de l'architecture s'est également manifestée dans la conception du métro de Moscou, du canal de Moscou, de l'exposition agricole de toute l'Union et du pavillon de l'URSS à l'exposition internationale de New York.

Parmi les œuvres de sculpture monumentale de ces années, les monuments de Taras Shevchenko à Kharkov (M. Manizer) et de Kirov à Leningrad (N. Tomsky) étaient de la plus grande importance.

Le portrait sculptural a été développé (V. Mukhina, S. Lebedeva, G. Kepinov, Z. Vilensky et autres). De nombreux sculpteurs travaillent avec succès sur une généralisation typique des images de leurs contemporains (Metallurg de G. Motovilov, Young Worker de V. Sinaisky).

Le style du lubok a eu une grande influence sur ce qu'étaient les premières affiches politiques russes, qui sont apparues juste pendant la Première Guerre mondiale (1914-1918) et les événements révolutionnaires de 1917. Vera Panfilova, chef du département des beaux-arts du Musée central d'État d'histoire contemporaine de Russie, a parlé à la BBC des affiches de 1917.

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Après février 1917, les représentants de presque tous les mouvements politiques, à l'exception des internationalistes bolcheviks et mencheviks, ont déclaré la nécessité de poursuivre la guerre jusqu'à la victoire et la fidélité aux obligations alliées de la Russie. Pour continuer cette guerre, le gouvernement avait besoin des contributions monétaires de la population. En 1916, le soi-disant emprunt d'État à 5,5% est né. Après février 1917, il devient le Liberty Loan. Le soldat Kustodievsky est devenu un symbole : sur fond de banderoles rouges, il demande de l'argent pour continuer la guerre. À l'avenir, le soldat sera sur presque toutes les affiches de 1917 - de février à octobre. Matériel par Alexandra Semenova, BBC Russian Service.

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Un autre style. Affiche de l'événement. C'est un peu comme une image télévisée. L'affiche montre la place Voskresenskaya et le bâtiment de la Douma de la ville de Moscou (plus tard le musée Lénine, et maintenant le musée historique). Ici, tout bat son plein en mars 1917. Ceci est une photo d'événement. Enregistrer un événement, une impulsion. Car la révolution était attendue et reçue avec enthousiasme. La population a perçu la révolution comme le début d'une nouvelle ère dans l'histoire du pays. Les masses les plus larges ont soutenu février. Et tout cela s'est déroulé dans le contexte de la guerre en cours. Et donc la demande et le développement des graphismes.

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Ce n'est pas vraiment une affiche. Il s'agit d'un dépliant illustré. Pourquoi donc? Parce qu'en Russie, le pouvoir est personnifié. Le pouvoir va aux dirigeants, aux dirigeants. Sur la base de la personnification et de la nécessité de vulgariser les dirigeants de la nouvelle Russie, de tels dépliants illustrés ont été publiés. Les membres du gouvernement provisoire sont ici, dirigés par le président de la Douma, Mikhail Rodzianko. Au rang du bas, troisième à partir de la gauche, Alexandre Kerensky, le premier socialiste du gouvernement. Kerensky et imprimé en feuilles séparées, il était l'un des plus populaires. Le mouvement de gauche a activement promu le sien. Sa note était très élevée. Ici sur l'affiche, sur le dépliant - le Palais de Tauride, des drapeaux, des slogans. Derrière il y a des braillards. Avec un drapeau de montagne. Voiture révolutionnaire. Beaucoup d'hommes armés. La gauche. Et les slogans de la gauche. Et les slogans des socialistes-révolutionnaires "Terre et liberté" et "Dans la lutte, vous trouverez votre droit". Jusqu'à présent, il n'y a pas de bolcheviks ici.

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Il s'agit d'une affiche de la maison d'édition Parus, une maison d'édition de gauche. Elle était connue avant même la révolution. A l'origine de cette maison d'édition se trouvait Maxime Gorki. La maison d'édition a publié non seulement des magazines, mais aussi des livres, y compris les œuvres de Lénine. Pour les affiches de gauche, des poètes et des artistes célèbres tels que Vladimir Mayakovsky et Alexei Radakov ont été attirés. Dans cette affiche, il y a une tradition du dessin populaire multi-composition et, en même temps, une sorte d'ancêtre de la bande dessinée. C'est une histoire en image. Premièrement - qui le soldat protégeait-il auparavant ? Ce sont des bourgeois. Et le soldat est obligé de défendre le système pourri jusqu'au bout.

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En mars 1917, Nikolai abdique du trône et en même temps le gouvernement provisoire est créé. Et sur cette affiche - "Mémo de la victoire du peuple". Les mêmes forces révolutionnaires sont là : un soldat armé, un ouvrier armé. Manteau d'hermine enlevé. Nicolas agenouillé remet la couronne. Sceptre et orbe piétinés. Et en arrière-plan se trouve le palais de Tauride, où se sont réunis les députés de la Douma d'État. Et au-dessus, le soleil se lève comme symbole de liberté. Ce symbole sera ensuite répété sur les affiches. La révolution de cette courte période (jusqu'en octobre) a été présentée comme quelque chose de brillant, gentil, ensoleillé, mais ensuite, après octobre, avec le déclenchement de la guerre civile, la révolution a cessé d'être une jeune femme en vêtements blancs.

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Une affiche d'Alexei Radakov, collègue de Mayakovsky aux éditions Parus. C'est ce qu'on appelle la pyramide sociale. Les pyramides sociales sont étonnamment populaires depuis le début du 20e siècle. La première pyramide sociale de l'artiste Lokhov a été publiée à Genève en 1891. Et puis redessinés et basés sur des motifs - de nombreuses options ont été créées. Ici aussi, un appel aux traditions de l'estampe populaire avec une signification claire pour les larges masses. D'en haut, tout est recouvert d'un manteau d'hermine. Vous souvenez-vous de ce que Nicolas II a écrit sur sa profession lors du recensement panrusse de 1897 ? Il a écrit: "Le propriétaire de la terre russe." Les intrigues satiriques les plus populaires jusqu'à l'été 1917 étaient anticléricales et antimonarchistes, visant spécifiquement l'empereur Nicolas II et son épouse, l'impératrice Alexandra Feodorovna.

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À l'automne 1917, la première campagne électorale de l'histoire commence en Russie. Et elle était féroce et intransigeante. Plusieurs dizaines de partis et associations, tant politiques que nationaux, ont participé aux élections. Parmi ceux qui ont participé aux élections, le Parti socialiste-révolutionnaire était le plus nombreux.

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"L'anarchie sera vaincue par la démocratie." C'est une fête des cadets. Un détail essentiel de l'affiche est une combinaison d'animaux et d'images mythologiques - un lézard (anarchie) et un chevalier sur un cheval blanc (démocratie). La congestion du texte a réduit l'efficacité de l'impact sur le téléspectateur, ce qui a ensuite influencé dans une certaine mesure les résultats des élections.

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Comparez l'affiche précédente avec celle-ci. socialistes-révolutionnaires. Mené correctement la campagne électorale. La victoire des socialistes-révolutionnaires était prédéterminée par une agitation si bien organisée. Tout est bien sur l'affiche. Adressé aux ouvriers et aux paysans. Des slogans clairs et précis - "Terre et liberté". "Brisons les chaînes et le monde entier sera libre." Deux courants, ouvriers et paysans, selon le plan de l'auteur, s'unissant, viendront définitivement au bureau de vote.

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Quant aux bolcheviks, le POSDR, ils n'ont pas jugé nécessaire de prêter attention à la propagande artistique - c'est-à-dire à l'affiche. Mais ils savaient tirer des conclusions de leurs erreurs. Et lorsque la guerre civile a éclaté, toutes les forces des "rouges" ont été jetées dans la propagande artistique politique. Les mêmes Radakov, Mayakovsky et d'autres ont participé à la création des célèbres "Windows of GROWTH", qui sont devenues la "marque" soviétique et un classique de l'art de l'affiche mondiale. Et White a perdu en termes d'agitation visuelle - comme auparavant, il y a beaucoup de détails inutiles et beaucoup de texte. Personne ne lira un programme Denikin bien écrit, multi-colonnes, sur une affiche.