Was ist ein Porträt? Definition. Porträt von Prishvin, geschrieben von G. S. Vereisky Machen Sie ein biografisches Porträt eines der Vertreter

Biographische Methode- (neugriechisch βιογραφία - Biografie, aus dem Griechischen βίος - Leben, γράφω - ich schreibe), eine Forschungs- und Diagnosemethode, die es einem Psychologen und Kunstkritiker ermöglicht, eine Person und die Produkte seiner Tätigkeit (einschließlich kreativer) im Kontext zu studieren alles Lebensweg, wählen Sie den Umfang der Studie in ihren verschiedenen Bereichen, abhängig von den Forschungszielen.

Historische Biographie

Plutarch. "Parallele Biographien"

Die historische Biographie ist die früheste Form des biographischen Schreibens. Die Haupttendenzen der historischen Biographie wurden bereits in Plutarchs Parallelbiographien skizziert. Seine Besonderheit waren die strengen Regeln des biografischen Schreibens, nach denen die Biografien von Monarchen, Heiligen und anderen historischen Persönlichkeiten aufgebaut wurden. Der Autor hat sein „Ich“ bewusst verschleiert. Gleichzeitig handelte die Figur im Kontext ihrer historischen Zeit, und ihre Bedeutung korrelierte mit den kulturellen und historischen Werten der Epoche, in der sie lebte.

„Wenn wir uns mit historischer Forschung beschäftigen, behalten wir in unserer Seele die Erinnerung nur an die besten und anerkanntesten Charaktere, und dies ermöglicht uns, alles Schlechte, Unmoralische und Vulgäre, dem die unvermeidliche Behandlung der umgebenden Welt begegnet, entschieden abzulehnen , und die friedliche und ruhige Welt unserer Gedanken nur zum Vorbild zu machen“ (Plutarch) (8, S. 343).

G. Vasari. "Biographien der berühmtesten Maler, Bildhauer und Architekten"

Neue Epochen brachten ihre eigenen Chronisten hervor, die biografische Charaktere weiterhin nach denselben Regeln interpretierten: Die Persönlichkeit erhielt die Merkmale eines mythologischen Helden und spiegelte die Werte und Erwartungen der offiziellen Macht wider.

Giorgio Vasari, ein italienischer Maler und Architekt, folgte den Spuren von Plutarch und gab in seinem Buch Leben der berühmtesten Maler, Bildhauer und Architekten eine bestimmte Art von biografischem Schreiben, in der ein lebender Künstler in den Rang eines Irdischen erhoben wurde Gottheit. Der hohe Stil solcher Biographien schloss eine subtile psychologische Analyse der Persönlichkeit aus. Alles Haushaltliche, Abscheuliche und im Großen und Ganzen Menschliche wurde entfernt. So beginnt zum Beispiel die Biografie von Leonardo da Vinci mit den folgenden Worten:

„Wir sehen ständig, wie unter dem Einfluss himmlischer Körper, meistens auf natürliche und sogar übernatürliche Weise, die größten Gaben in Hülle und Fülle auf menschliche Körper gegossen werden und dass manchmal ein und derselbe Körper mit einem Übermaß an Schönheit, Charme und Begabungen, die miteinander in Kontakt gekommen sind, in einer solchen Kombination, dass, wo immer sich ein solcher Mensch hinwendet, sein ganzes Handeln so göttlich ist, dass er, alle anderen Menschen hinter sich lassend, etwas von Gott Gegebenes und nicht Erworbenes ist durch menschliche Kunst “(Vasari) (1, S. 197).

Geschichtsschreibung des 19.-20. Jahrhunderts

Diese Linie setzte sich in der russischen Geschichtsschreibung in den Werken von V. N. "großen Männern" fort, die auf denselben normativen Anforderungen der offiziellen Biographie basieren. Der historische und kulturelle Kontext legte die persönliche Bedeutung und Position der Figuren fest, während die bürgerliche Position des Autors ziemlich greifbar war.

Die Spirale der Entwicklung dieser Richtung im Verständnis und der Interpretation des menschlichen Lebens hat sich in den folgenden Jahrhunderten immer weiter gewunden. Dieser Ansatz hat zum jetzigen Zeitpunkt nicht an Aktualität verloren. "Große Männer" haben sich in moderne Politiker verwandelt und sind weiterhin Figuren in neuen Biografien. Ein Beispiel für diesen biografischen Stil ist die neueste Serie „Historical Silhouettes“ (American Presidents: 41 Historical Portraits from George Washington to Bill Clinton. Hrsg. J. Heideking). Diese Wendung korreliert mit dem historisch-biographischen Ansatz.

Literarische Biographie

Parallel dazu entsteht eine Art des biografischen Schreibens, bei der die Leidenschaften des Schreibens in den Vordergrund treten. Der Schriftsteller-Biograph verzerrt manchmal die tatsächlichen Tatsachen, gibt ihnen eine bestimmte Richtung und einen bestimmten Schatten um der Handlung oder Intrige willen. Der Forscher wird selbst zum Experten, übernimmt das Recht, bestimmte Handlungen zu wählen und zu kontextualisieren, die die psychologischen Facetten der Figur hervorheben.

„Je geschickter der Künstler-Biograf, je heller er als Mensch ist, desto weniger eignet sich die Biografie für wissenschaftliche Zwecke“, bemerkte N. A. Rybnikov (11, S. 17).

Andre Maurois

Andre Maurois, Yuri Tynyanov, Mikhail Bulgakov sind die Autoren von Beautiful Literarische Biographien wo die Freiheit der Präsentation und Interpretation mit Fiktion, Vermutungen, persönlicher Fantasie und kreativer Intuition koexistiert.

„Wo das Dokument endet, beginne ich“, schrieb Tynyanov in seiner Einführungsrede zu seinem Puschkin. „Ich denke immer noch, dass sich die Fiktion von der Geschichte nicht durch „Fiktion“ unterscheidet, sondern durch ein besseres Verständnis von Menschen und Ereignissen. Große Aufregung um sie. Fiktion ist ein Zufall, der nicht vom Wesen der Sache abhängt, sondern vom Künstler. Und jetzt gibt es keinen Zufall, aber es gibt eine Notwendigkeit, beginnt der Roman. Aber der Blick muss viel tiefer sein, die Vermutung und Entschlossenheit viel größer, und dann kommt das Letzte in der Kunst – das Gefühl echter Wahrheit: es könnte so sein, so darf es sein“ (13, S. 8).

Die Verbindung der Zeiten, ein Versuch, die Zeit zu verstehen, sich darin zurechtzufinden, wird in den biografischen Zyklen von A. Morois dargestellt. Seine Worte: „Sokrates ist nicht tot, er lebt in Platon. Platon ist nicht tot, er lebt in Alena. Alain ist nicht tot, er lebt in uns“ (7, Bd. 1, S. 14), – diese Position lässt sich am besten vermitteln.

Weltliche biographische Chronik

Die weltliche biografische Chronik ist ein „bunter Teppich“ aus weltlichem Klatsch, Sketchen, Anekdoten, die Teil des biografischen Materials sind. Die Berechnung hier ist für den bescheidenen Leser. Intrigen, intime Aspekte des Lebens, rutschige Momente der Biografie sind die Essenz eines solchen Briefes.

„1808 besuchte ich zufällig Wien. Ich schrieb eine Reihe von Briefen an einen meiner Freunde über den berühmten Komponisten Haydn, den ich vor einigen Jahren zufällig getroffen hatte. Als ich nach Paris zurückkehrte, stellte ich fest, dass meine Briefe einigen Erfolg hatten; einige machten sich sogar die Mühe, sie umzuschreiben. Ich erlag der Versuchung, Schriftstellerin zu werden und noch zu Lebzeiten in den Druck zu gehen. Nachdem ich einige Erklärungen hinzugefügt und einige Wiederholungen eliminiert habe, erscheine ich vor den Musikfreunden in Form eines kleinen in 8 Grad ... Ich dachte, dass junge Frauen, die ins hohe Leben einsteigen, erfreut wären, in einem Band alles zu finden, was dazu gehört in dieser Frage bekannt sein“ (12, S. 5–6).

Die Anziehungskraft auf die Leserschaft, der Wunsch zu fesseln, zu interessieren, beeinflussen oft das Layout und die Präsentation von Fakten und machen das Leben einer realen Person zu einer Legende. Stefan Zweig präsentiert oft eine Tatsache für den naiven und emotionalen Leser. Die Inspiration der Sprache und die hyperbolischen Details des Lebens und der Umgebung betonen die archetypische Natur der Figur. Das heroische Schicksal wird von oben bestimmt. Die Biografie erscheint als Rekonstruktion dieser Prädestination. Nehmen wir als Beispiel einen Ausschnitt aus einem Porträt von Maxim Gorki.

"Was für ein Leben! Was für ein tiefer Abgrund, bevor man nach oben klettert! Der große Künstler wurde in einer schmutzigen, grauen Straße am Stadtrand von Nischni Nowgorod geboren, Not hat seine Wiege erschüttert, Not hat ihn aus der Schule genommen, Not hat ihn in den Kreislauf der Welt geworfen. Die ganze Familie kauert im Keller, in zwei Schränken, und um an Geld, ein paar elende Groschen zu kommen, wühlt ein kleiner Schuljunge in stinkenden Müllhalden und Müllbergen, sammelt Knochen und Lumpen, und seine Kameraden weigern sich, neben ihm zu sitzen zu ihm, weil er angeblich schlecht riecht. Er ist sehr wissbegierig, aber er schafft es nicht einmal, die Grundschule zu beenden, und ein schwacher, schmalbrüstige Junge kommt als Lehrling in ein Schuhgeschäft, dann zu einem Bauzeichner, arbeitet als Geschirr auf einem Wolgadampfer, einem Hafenlader, ein Nachtwächter, ein Bäcker, ein Hausierer, ein Eisenbahner, ein Arbeiter, ein Setzer; Als ewig verfolgter Tagelöhner, mittellos, entrechtet, heimatlos irrt er über die Landstraßen, mal in der Ukraine und am Don, mal in Bessarabien, auf der Krim, in Tiflis. Nirgendwo kann er sich festhalten, nirgends wird er gehalten. Das Schicksal peitscht ihn unweigerlich wie ein böser Wind hoch, sobald er Unterschlupf unter einem elenden Unterschlupf findet, und wieder, Winter und Sommer, geht er mit seinen müden Füßen die Straßen entlang, hungrig, zerlumpt, krank, für immer im Griff von Bedarf 10, S. 214–215).

Der erhabene Stil wird durch das humanistische Pathos des Schriftstellers verursacht, der Wunsch, gewöhnliche Menschen mit Heldentum zu infizieren.

Stefan Zweig

„Die Menschheit braucht erhabene Bilder. Man braucht einen Heldenmythos, um an sich glauben zu können“, sagt Stefan Zweig (14, Bd. 5, S. 357).

Ein großer Schriftsteller, Historiker und Forscher wendet sich in der Regel mit seinen Werken an Menschen, nicht nur um die Position seines Helden zu vermitteln, sondern um ihn auch als Beispiel für die Größe des menschlichen Geistes zu zeigen. Und hier entsteht ein Konflikt zwischen einem ehrlichen Historiker und einem humanistischen Schriftsteller.

„Wir alle haben diesen tragischen Kampf durchlebt. Wie oft stehen wir vor der Alternative, vor einer Tatsache ein Auge zuzudrücken oder sie abzulehnen – wie oft wird der Künstler von Angst ergriffen, wenn er diese oder jene Wahrheit auf Papier festhalten muss“, schreibt Romain Rolland (10, S. 356).

Psychologische Biographie

Die psychologische Biographie beginnt in den Eingeweiden des historischen Genres. In den Werken von Karamzin verdeckt die Faktologie also nicht die Persönlichkeit und psychologische Tiefe der Figur. So schufen beispielsweise Stefan Zweig, Romain Rolland, Henri Perruchot und Irving Stone herausragende Beispiele für das Eindringen in die psychologischen Bedeutungen ihrer Figuren, wobei sie sich unbewusst auf hermeneutische Techniken stützten. Sie können oft mit "Psychoanalytiker-Detektiven" verglichen werden, die versuchen, anhand mehrerer Hinweise eine Hierarchie der Bedeutungen ihrer Charaktere aufzubauen.

Die Handschriftensammlung Stefan Zweig ist ein Archiv solcher Zeugnisse.

„Ich sammle nicht nur Manuskripte, zufällige Briefe oder Blätter aus Künstleralben, sondern nur solche Manuskripte, in denen sich der schöpferische Geist in schöpferischen Bedingungen manifestiert, also ausschließlich Manuskriptentwürfe von Kunstwerken oder deren Fragmente. Wenn ich ein literarisches oder musikalisches Werk liebe, dann möchte ich möglichst viel über seine Entstehung wissen“ (14, Bd. 10, S. 415–416).

Romain Rolland

Oftmals werden psychologische Bemerkungen in das faktische Gefüge der Erzählung eingewoben. Zum Beispiel schreibt Romain Rolland, als er ein Händel-Porträt schuf: „Er ließ nie etwas ungenutzt, sein ganzes Leben lang kehrte er in seiner Arbeit zu seinen alten Ideen zurück; dies sollte nicht durch die Eile der Arbeit erklärt werden, sondern durch die Integrität seines Denkens und die Notwendigkeit der Verbesserung“ (10, S. 17–18).

Unter den einheimischen Forscher-Biografen sollte V. Veresaev erwähnt werden. Sein Ansatz kann als dokumentarisch-psychologisch bezeichnet werden, da es das Ziel des Autors ist, ein Porträt der Figur zu erstellen, basierend auf den wahren Aussagen von ihm selbst und seinen Zeitgenossen - Freunden und Experten. So trägt sein Buch "Gogol im Leben" den Untertitel: "Eine systematische Sammlung authentischer Zeugnisse von Zeitgenossen." Es enthält kein einziges Wort des Autors. Der Autor besitzt nur das Vorwort, Fußnoten zu den Seiten und Kommentare.

"BEI. Veresaev sammelt nur die Beweise der Geschichte, setzt sie zu einer Handlung zusammen, zu einer Handlung, die sich wie die Handlung eines Romans liest ... Heute, wo wir beginnen, die präsentierten Fakten ohne ideologische Füllung zu würdigen, gewinnt das Buch von V. Veresaev besonderes Gewicht . Es ist ein Beispiel für Ehrlichkeit in Bezug auf das Dokument, ein Beispiel für Respekt vor der Meinung derer, deren Standpunkt vielleicht nicht mit dem Standpunkt des Biographen übereinstimmt und ihm sogar widerspricht“ (5, S. 3 ).

Ein weiteres Beispiel für eine wissenschaftlich-psychologische Biografie ist eine Reihe biografischer Porträts berühmter Philosophen, die von Arseniy Gulyga, Doktor der philosophischen Wissenschaften, erstellt wurde. Der Zweck solcher Biografien ist es, den Leser mit den komplexen philosophischen Konzepten von Kant, Hegel, Schelling und anderen in zugänglicher Form vertraut zu machen, nicht nur ihr Verständnis zu erleichtern, sondern auch die Persönlichkeit der Figur auf konvexe und psychologische Weise darzustellen . Die Persönlichkeit des Autors wird verschleiert, sie wird nur in einer tiefen fachlichen Kenntnis des Themas sichtbar.

Systemisch-biographische Methode

Die systemisch-biographische Methode wurde Ende des 20. Jahrhunderts von N.L. Nagibina (zusammen mit Prof. V.A. Barabanshchikov) im Labor für systemische Studien der Psyche des Instituts für Psychologie der Russischen Akademie der Wissenschaften. Um die Existenz der angeblichen psychologischen Persönlichkeitstypen (das Typensystem „Psikosmologie“) empirisch zu verifizieren, wurde es notwendig, eine neue Forschungsmethode zu schaffen und zu entwickeln, die von den Autoren als Methode des „psychologischen Porträts“ bezeichnet wurde. Die Forschungsposition – die Psyche eines anderen durch das unschätzbare Erkennen der Welt der Bedeutungen und Bedeutungen eines anderen zu kennen – war die Essenz der „Porträtmalerei“.

Psychologische Porträtmethode

Das Problem der semantischen Kontur ist eines der zentralen bei der Erstellung eines psychologischen Personenporträts. Alles Nebensächliche soll in den Hintergrund treten. Die Hauptfrage, die sich der Psychologe in diesem Stadium stellt, lautet: Was ist das Sinnvollste, Zentralste im Leben dieser Person? Wofür lebt er? Als Ergebnis langjähriger Forschung der Autoren der Methode stellte sich heraus, dass die wertmotivatorische Sphäre eng mit kognitiven Merkmalen verknotet ist. Es ist praktisch unmöglich zu sagen, was hier primär und was sekundär ist. Eines ist wichtig – es gibt einige stabile Korrespondenzen und Beziehungen, die beschrieben werden können. Die Beschreibung dieses "Knotens" ist die Grundlage des psychologischen Porträts. Zu den Verhaltensmerkmalen gehören semantische Bedeutung, temperamentvolle Merkmale und entwickelte Fähigkeiten. Anscheinend sollte jeder Aspekt unabhängig voneinander betrachtet werden. In dieser Arbeit haben wir uns bewusst nur auf die wertbestimmenden Aspekte von Verhaltensmerkmalen konzentriert. Individualität also so nah wie möglich am Typ.

Die Methode der Analyse von Aussagen, die auf dem Studium von Tagebüchern, Briefen und autobiografischen Nachrichten basiert, wurde verwendet, um Hypothesen zu testen. Die Formulierung von Hypothesen über das Modell der Psyche des anderen erfolgte auf der Grundlage klarer Aussagen der Probanden selbst über die Merkmale ihrer kognitiven Sphäre. Das Kriterium für die Zuordnung zu dem einen oder anderen Typ war die Einstellung zum Denken (ob ihm die Hauptrolle in der Erkenntnis zukommt) und zur Wahrnehmung (ob sie den Charakter eines prozeduralen „Schlusses“ oder einer „Gegebenheit“ hat). Kreative Produkte können viel über die Persönlichkeit der Person aussagen, die sie geschaffen hat. Musik, Malerei, Poesie und Prosa wurden von den Autoren in der Tradition projektiver Methoden betrachtet. Die Frage des Stils war eine der wichtigsten und bestimmenden. Auch Experteneinschätzungen wurden berücksichtigt - Rezensionen, kritische Artikel. Das Leben einer Person mit einer Reihe von Handlungen diente als ausgezeichneter objektiver Indikator bei der Erstellung seines psychologischen Porträts. Zweifellos wurden das Aussehen und die Lebensbedingungen berücksichtigt.

Psychologisches Porträt einer historischen Person

Der Algorithmus zum Erstellen eines psychologischen Porträts einer historischen Person kann in den folgenden Schritten beschrieben werden:

1. Machen Sie sich mit den Hauptwerken vertraut (Hören, Spielen, Betrachten von Klavieren oder Partituren).

2. Bestimmen Sie die Hauptlinien der Kreativität.

3. Wählen Sie die psychologisch bedeutsamsten Dokumente aus (Geständnisse, Testamente, Autobiografien usw.).

4. Schreiben Sie daraus zwei oder drei zentrale Gedanken (in Zitaten) über den Sinn des Lebens und den Zweck der Kreativität auf.

• kognitiver Stil (Merkmale der Wahrnehmung, des Gedächtnisses, des Denkens);

• Wertmotivationssphäre;

• grundlegende Verhaltensmerkmale;

• kreatives Porträt.

Um ein psychologisches Porträt einer historischen Person zu erstellen, ist es notwendig, über eine ausreichende Menge an dokumentarischen schriftlichen Beweisen für die Eigenschaften einer Person zu verfügen. Als solche Dokumente können Tagebücher, Briefe, Reflexionen, aufgezeichnete Gespräche dienen. Es ist auch notwendig, eine ausreichende Anzahl von "Zeugen" -Zeugnissen für die Begehung bestimmter Taten und ihre kritische Auswahl zu haben.

Internet-Ressourcen

Literatur

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Gewidmet der Übertragung des Bildes einer Person sowie einer Gruppe von zwei oder drei Personen auf Leinwand oder Papier. Von besonderer Bedeutung ist der vom Künstler gewählte Stil. Das Gesicht einer Person in einem Porträt zu zeichnen, ist einer der schwierigsten Bereiche in der Malerei. Der Meister des Pinsels muss die charakteristischen Merkmale des Aussehens, des emotionalen Zustands, Innere posiert. Die Größe eines Portraits bestimmt sein Aussehen. Das Bild kann Brustbild, Generationenbild, Halbfigur oder Ganzfigur sein. Die Pose beinhaltet drei Winkel: Gesicht (volles Gesicht), „drei Viertel“ in die eine oder andere Richtung drehen und im Profil. Ein Porträt als enthält unbegrenzte Möglichkeiten zur Umsetzung künstlerischer Ideen. Zuerst wird eine Skizze angefertigt, dann die eigentliche Zeichnung.

Geschichte der Porträtgattung

Der älteste Versuch, ein menschliches Gesicht darzustellen, ist 27.000 Jahre alt. Das „Gemälde“ wurde in einer Höhle nahe der französischen Stadt Angoulême entdeckt. Das Porträt ist eine mit Kreide umrissene Kontur, die vage den Zügen eines menschlichen Gesichts ähnelt. Der antike Künstler skizzierte die Hauptlinien von Augen, Nase und Mund. Später (auch in Höhlen) auf dem Balkan und in Italien tauchten klarere und deutlichere Bilder auf, unter denen im Profil gezeichnete Gesichter überwogen. Es liegt in der Natur des Menschen zu erschaffen, talentierte Menschen können nicht leben, ohne Spuren zu hinterlassen. Es kann ein Muster aus Kieselsteinen inmitten eines Feldes sein, ein geschnitztes Ornament auf der Rinde eines Baumes, das Gesicht einer Person, das mit Kohle auf einen Felsen gezeichnet wurde. Möglichkeiten für Kreativität sind reichlich vorhanden.

Stuckbilder

Früher war das Genre des Porträts eher in der Skulptur verkörpert, da es in der Antike keine Künstler gab, die den Pinsel perfekt beherrschten und das Spiel von Licht und Schatten darstellen konnten. Das Bild eines Gesichts in Ton war besser, und daher dominierten in jenen fernen Zeiten Stuckporträts. Die Kunst der Malerei entstand viel später, als die Menschheit die Notwendigkeit kultureller Kommunikation erkannte.

Bestattungen

Das Erscheinen von Bildern in der Nähe der Zeichnung gehört ebenfalls einer späteren Zeit an, und die ersten Porträts wurden in den alten Ostgebieten gefunden. Im ägyptischen Staat fand die Vergöttlichung der Toten statt. Während der Beerdigung wurde eine Art Porträt erstellt, das bedingt als Doppelgänger des Verstorbenen angesehen wurde. Das Prinzip der Mumifizierung erschien und dann die Porträtmalerei. Die Geschichte des Porträtgenres enthält viele Beispiele ikonischer Bilder sowohl in der Zeichnung als auch in der Skulptur. Die Zeichnungen der Gesichter der Toten wurden dem Original immer ähnlicher. Und dann wurde das Kopieren des Gesichts der Verstorbenen in eine andere Welt durch eine Maske ersetzt. Die ägyptischen Toten wurden in Sarkophagen begraben, auf deren Deckel der Verstorbene in vollem Wachstum mit einem schönen stilisierten Gesicht dargestellt war. Solche Beerdigungen wurden ausschließlich für den Adel arrangiert. Ägyptische Pharaonen zum Beispiel wurden nicht nur in einen Sarkophag, sondern auch in ein riesiges Grabmal gelegt.

Vielfalt an Lösungen

Der Künstler hat beim Porträtieren die Wahl: Gesicht und Kleidung einer Person originalgetreu darstellen oder kreativ sein und ein exquisites kreatives Bild schaffen. Die Hauptbedingung dafür bleibt die Ähnlichkeit, die eine dominierende Rolle spielt. Unabhängig - Porträtkunst, offen für Experimente verschiedenster Art. Der Künstler hat die Möglichkeit, seine Fähigkeiten zu verbessern, indem er die neuesten technischen Errungenschaften anwendet.

Tatsächlich ist die Ausführungstechnik entscheidend, um das optimale Ergebnis zu erzielen. Die gebräuchlichste Art der Porträtmalerei von professionellen Künstlern ist Dieser Stil ist in den Tiefen der Jahrhunderte verwurzelt. Es wurde von alten Künstlern verwendet. Ihre Arbeit hat bis heute überlebt. Das Porträt als Gattung der bildenden Kunst existiert seit jeher und ist heute ein beliebtes künstlerisches Ausdrucksmittel.

"Trockener Pinsel"

In letzter Zeit ist eine Technik populär geworden, bei der das Bild nicht mit Strichen, sondern durch Reiben einer kleinen Menge Farbe erstellt wird. Gleichzeitig ist der Pinsel fast trocken und die Methode selbst ermöglicht es Ihnen, schöne Halbtöne zu erhalten. Da die subtilste Gattung der Malerei das Porträt ist und die Darstellung eines Gesichts in Farbe genau zarte Farbtöne erfordert, ist die Technik des „Trockenpinsels“ für diesen Zweck am besten geeignet.

Typen

Das Genre des Porträts ist in mehrere Typen unterteilt: Zeremoniell, Kammer, Intim und Handlung. Es gibt auch einen speziellen Typ namens Selbstporträt, bei dem sich der Künstler selbst darstellt. In der Regel handelt es sich um eine reine Einzelzeichnung. Im Allgemeinen ist das Porträtgenre völlig eigenständig und unterliegt bestimmten Regeln. Diese Regeln werden niemals verletzt, obwohl ihr Geltungsbereich unter bestimmten Umständen erweitert werden kann.

Neben den bereits aufgeführten gibt es eine weitere Gattung der Porträtmalerei, die künstlerische Besonderheiten aufweist, eine spezialisierte Spielart, die eine systematische Herangehensweise erfordert. Dies ist ein kostümiertes Porträt, wenn ein moderner Mensch in der Kleidung der Vergangenheit auf der Leinwand dargestellt wird. Die Bandbreite der Sujets ist dabei nicht begrenzt: von den Fellen eines Urmenschen bis zum Hochzeitskleid der Renaissance. In dieser Porträtvariante finden sich Elemente der Theatralik. In der Russischen Föderation, insbesondere in Moskau, war das kostümierte Porträt weit verbreitet, aber dies geschah nicht aus Modegründen, sondern als Hommage an die Kunst.

Genre der Porträtmalerei in der Kunst

Malerische Leinwände, die zu verschiedenen Zeiten geschrieben wurden, verbindet eine obligatorische Bedingung - die Bilder müssen authentisch sein. Eine wichtige Rolle spielt dabei die Porträtkomponente, also die Abbildung der Gesichter der Figuren. Der Erfolg des Bildes hängt davon ab, wie sorgfältig die Gesichtszüge ausgeschrieben sind. Der Ausdruck der Augen, Lächeln oder umgekehrt gerunzelte Augenbrauen, alle Nuancen sollten sich auf der Leinwand widerspiegeln. Die Aufgabe ist nicht einfach, aber der Zuverlässigkeitsfaktor zeugt vom Können des Künstlers. Deshalb ist die Gattung Porträt in der Kunst so eindeutig und verlangt vom Meister volle Hingabe. Erfahrene Künstler sind am besten in Gemälden, die Menschen, Nahaufnahmen ihrer Gesichter und akzentuierte Bewegungen beinhalten.

Literarische Porträts

Sowohl Schriftsteller als auch Künstler zeigen oft das Gesicht einer Person. Dafür gibt es viel mehr literarische Techniken, die reiche russische Sprache erlaubt die Verwendung zahlreicher künstlerischer Formen, Wendungen und Wendungen. Das Ziel, das der Schriftsteller anstrebt, ist sinngleich mit der Intention des Künstlers, der Schriftsteller beschreibt den Gesichtsausdruck als Folge der Stimmungen eines Menschen, als Spiegelbild seiner Gedanken, Gefühle und Erfahrungen. Das Porträt ist ziemlich kompliziert. Es ist notwendig, zu beschreiben und oberflächliche Formulierungen zu vermeiden. Dies erfordert die Geschicklichkeit eines wahren Schöpfers. Unter den russischen Schriftstellern, die in wenigen Worten das Wesen der menschlichen Form ausdrücken können, nimmt der große Maxim Gorki den ersten Platz ein. Auch sein amerikanischer Nachfolger beherrschte meisterhaft die Kunst des verbalen Porträtzeichnens. Das Genre eines literarischen Porträts ist vielfältig, die Beschreibung folgt einem bestimmten Stil, es kann heiter oder traurig, kurz oder lang sein, es hängt alles von jedem einzelnen Werk ab.

Foto

Mit dem Aufkommen der Daguerreotypie erweiterten sich die Möglichkeiten der bildenden Kunst, und Porträts waren keine Ausnahme. Ein fotografisches Porträt kostete viel weniger als ein Ölgemälde, und der Wiedererkennungswert war hundertprozentig. Und obwohl Künstler bissig anmerkten, Fotografie sei etwas für die Armen, „wendete sich die breite Öffentlichkeit einem genaueren Bild auf einer versilberten Platte zu Geliebte.

Die neue Methode, die Daguerreotypie, hatte jedoch ihre Nachteile. Die Fotografie erlaubte im Gegensatz zu einem malerischen Porträt nichts zu ändern. Das Bild fror ein für alle Mal ein, es war unmöglich, etwas zu reparieren. Und da die Person sitzend oder stehend (in angespannter Pose) fotografiert wurde, kam sie auf dem Bild nicht optimal zur Geltung. Daher gab es viele Enttäuschungen, Klagen und Unzufriedenheit. Trotzdem etablierten sich Porträtaufnahmen, die Leute lernten, künstlerisch zu posieren, und alles fügte sich zusammen.

Antwort links Gast

1) Konservative
Die soziale Basis der Richtung der Konservativen waren die reaktionären Adligen, Geistlichen, Kleinbürger, Kaufleute und ein bedeutender Teil der Bauern. Konservatismus in der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts. der Theorie der "Staatsangehörigkeit" treu geblieben.
Die Autokratie wurde zur Grundlage des Staates und die Orthodoxie zur Grundlage des spirituellen Lebens des Volkes erklärt. Nationalität bedeutete die Einheit des Königs mit dem Volk. Darin sahen die Konservativen die Originalität des historischen Weges Russlands.
Innenpolitisch kämpften die Konservativen gegen die liberalen Reformen der 60er und 70er Jahre für die Unantastbarkeit der Autokratie. Im wirtschaftlichen Bereich traten sie für die Unverletzlichkeit des Privateigentums, des Grundbesitzes und der Gemeinschaft ein.
Im sozialen Bereich riefen sie zur Einheit auf Slawische Völker um Russland.
Die Ideologen der Konservativen waren K. P. Pobedonostsev, D. A. Tolstoi, M. N. Katkov.
2) Liberale
Die gesellschaftliche Basis der liberalen Richtung bildeten bürgerliche Gutsbesitzer, ein Teil der Bourgeoisie und die Intelligenz.
Sie verteidigten die Idee eines gemeinsamen Weges der historischen Entwicklung Russlands mit Westeuropa.
Innenpolitisch bestanden die Liberalen auf der Einführung rechtsstaatlicher Prinzipien und der Fortsetzung der Reformen.
Ihr politisches Ideal war eine konstitutionelle Monarchie.
Im sozioökonomischen Bereich begrüßten sie die Entwicklung des Kapitalismus und die unternehmerische Freiheit. Sie forderten die Abschaffung der Klassenprivilegien.
Die Liberalen standen für den evolutionären Entwicklungspfad und betrachteten Reformen als die wichtigste Methode zur Modernisierung Russlands.
Sie waren bereit, mit der Autokratie zusammenzuarbeiten. Daher bestand ihre Tätigkeit hauptsächlich darin, "Adressen" an den Namen des Zaren zu übermitteln - Petitionen mit einem Vorschlag für ein Transformationsprogramm.
Die Ideologen der Liberalen waren Wissenschaftler, Publizisten: K. D. Kavelin, B. N. Chicherin, V. A. Goltsev und andere.
3) Radikale
Vertreter der radikalen Richtung strebten nach gewaltsamen Methoden der Umgestaltung Russlands und einer radikalen Umgestaltung der Gesellschaft (revolutionärer Weg).
An der radikalen Bewegung nahmen Menschen aus verschiedenen Lebensbereichen (raznochintsy) teil, die sich dem Dienst am Volk widmeten.
In der Geschichte der Bewegung der Radikalen der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Es werden drei Stufen unterschieden: 60er Jahre. - Faltung der revolutionär-demokratischen Ideologie und Schaffung geheimer Rasnochinsk-Kreise; 70er - die Entstehung des Populismus, der besondere Umfang der agitatorischen und terroristischen Aktivitäten der revolutionären Populisten; 80er - 90er - die Schwächung der Popularität des Populismus und die beginnende Verbreitung des Marxismus.
In den 60er Jahren. es gab zwei Zentren radikaler Richtung. Einer befindet sich in der Nähe der Redaktion von The Bell, herausgegeben von A. I. Herzen in London. Er vertrat die Theorie des „kommunalen Sozialismus“ und kritisierte scharf die Bedingungen für die Emanzipation der Bauern. Das zweite Zentrum entstand in Russland rund um die Redaktion der Zeitschrift Sovremennik. Ihr Ideologe war N. G. Tschernyschewski, der 1862 verhaftet und nach Sibirien verbannt wurde.

Mikhail Mikhailovich Prishvin wurde von der Welt für seine Prosawerke in Erinnerung bleiben. Seine Werke sind von Liebe zum Vaterland durchdrungen. Der Autor verfasste Kurzgeschichten, Essays und Erzählungen, die vom Künstler O.G. Vereisky. Seine Arbeiten sind Teil des Schullehrplans, was auf ein hohes Maß an Können hinweist.

Biografisches Porträt von Prishvin

Der Prosaschriftsteller wurde im Februar 1873 geboren. Er stammte aus einer wohlhabenden Kaufmannsfamilie. Der Junge wuchs als aktives und lautes Kind auf, wie sein Schulverweis in der vierten Klasse wegen unverschämten Verhaltens belegt. Der Schriftsteller Prishvin, der von Natur aus ein Rebell ist, gab später zu, dass sein Charakter von zwei Haupthandlungen im Leben geprägt wurde:

• Ausschluss vom Gymnasium.
• Flucht aus der High School.

Prishvins Biografie ist nicht schneeweiß. Während seines Studiums an der Polytechnischen Schule Riga interessierte er sich ernsthaft für den Marxismus, weshalb er verhaftet und in ein zweijähriges Exil verbannt wurde. Dieser Trick blieb nicht unbemerkt, und der junge Mann erhielt ein Weiterbildungsverbot in Russland. Seine Mutter war jedoch eine weise Frau und bemühte sich, dass ihr Sohn sein Studium fortsetzte. 1900 ging Mikhail Prishvin zum Studium nach Leipzig und erhielt dort eine agronomische Ausbildung.

Lange Reisen in den Norden Russlands und Skandinavien hinterließen Spuren in der Vorstellungskraft des zukünftigen Schriftstellers, was der Grund war, die erste Geschichte zu schreiben - "Sashok". Es folgten weitere Schreibskizzen Prishvins, doch schon bald musste er sein Handwerk ändern. 1914 starb die Mutter des Schriftstellers und er beschloss, auf dem ihm überlassenen Grundstück ein Haus zu bauen. Dies war nicht vorherbestimmt, da es begann und Prishvin als Teilzeitpfleger an die Front ging.

Am Ende des Krieges nahm Prishvin seine Lehrtätigkeit auf und schrieb gleichzeitig seine Werke. Der Autor starb 1954 in Moskau.

Kreatives Erbe des Schriftstellers

Das Porträt von Prishvin ist in Bezug auf biografische Sensationen unauffällig und hebt sich nicht vom Hintergrund der Porträts anderer Schriftsteller ab. Nachdem Prishvin ein einfaches Leben geführt hatte, gelang es ihm, genügend Werke zu schreiben, die Teil der russischen Schatzkammer literarischer Meisterwerke wurden.

Die allerersten Werke des Autors stammen aus den Jahren 1906-1907, als die Bücher „Im Land der furchtlosen Vögel“ und „Hinter dem magischen Brötchen“ veröffentlicht wurden. Als Ergebnis von Prishvins Reisen in den Fernen Osten in den 30er Jahren. Die Geschichte "Ginseng" und der Roman "The Sovereign's Road" wurden geschrieben. Sammlungen von Kurzgeschichten verdienen große Aufmerksamkeit: Kalender der Natur und Waldtropfen. Im Laufe der Zeit erschien das berühmte Märchen "Speisekammer der Sonne", das als das beste Buch für Kinder anerkannt wurde.

O.G. Vereisky - Illustrator

Nur wenige Menschen denken darüber nach, wie sehr Leser Bücher lieben würden, wenn sie keine fachmännisch ausgewählten Illustrationen hätten. Dies gilt insbesondere für junge Leser, für die Bilder ein wesentliches Merkmal eines guten Buches sind. Zu den Genies, die ihr Leben im Hinterhof der Bücher verbrachten und für den Ruhm der Schriftsteller arbeiteten, war O.G. Vereisky. Er ist nicht so berühmt wie Vasnetsov oder Vrubel, aber seine Verdienste sind dennoch schwer zu überschätzen. Er war Volkskünstler der UdSSR und Mitglied der Akademie der Künste.

Der kreative Weg von Vereisky begann in Leningrad unter der Leitung von Osmerkin. Der Künstler erlangte jedoch während seiner Arbeit in der Hauptstadt große Popularität. In seiner kreativen Karriere wurde der Meister für Illustrationen zu den Klassikern in Erinnerung gerufen. Zu den berühmtesten Schriftstellern, an deren Büchern Vereisky gearbeitet hat, gehören Hemingway, Paustovsky, Sholokhov, Fadeev und Bunin. Skizzen zu Prishvins Werken verdienen besondere Aufmerksamkeit. 1984 erhielt die Künstlerin den Preis für die beste illustrative Arbeit für das Werk „Anna Karenina“.

Porträt von M. M. Prishvin

Orest Georgievich Vereisky malte neben Illustrationen für Kurzgeschichten und Geschichten auch ein Porträt von M. M. Prishvin, das im gleichnamigen Museum in Russland aufbewahrt wird. Die Arbeit wurde 1948 abgeschlossen, was sie aber nicht weniger bedeutsam macht. Das Porträt von Prishvin wurde nach dem Leben gemalt, wie Einträge im persönlichen Tagebuch des Schriftstellers belegen. Die Größe der Leinwand ist klein - 39,5 x 48. Auf dem Papier sind der Kopf des Schriftstellers und die Unterschrift des Künstlers abgebildet.

Wo ist das Porträt von M. M. Prishvin, gemalt vom Illustrator Vereisky?

Im kreativen Umfeld beobachten sie oft eine Symbiose von Künstlern, die sich gegenseitig helfen, populärer zu werden und Spuren in der Geschichte zu hinterlassen. Das Porträt von Prishvin M. M., gemalt von der Hand des Illustrators Vereisky, war kein PR-Versuch füreinander. Es ist vielmehr eine Hommage an Michail Michailowitsch.

Orest Georgievich fand in seinem Handwerk dank der Fülle von Staffeleiarbeiten, Autorenlithografien und vielen Aquarellskizzen statt. Das Porträt von Prishvin war für ihn nicht das Werk seines ganzen Lebens, wie die Schreibweise beweist - eine Bleistiftzeichnung. Der Schriftsteller führte sein ganzes Leben lang ein Tagebuch, in dem er alle Ereignisse detailliert beschrieb. Das von Vereisky gemalte Porträt hat weniger künstlerischen als vielmehr biografischen Wert.

Im Frühjahr 1946 ruhte Prishvin im Porechye-Sanatorium in der Nähe von Moskau, wo er sich um ein Haus in der Nähe kümmerte. Die Frau des Schriftstellers bemühte sich, das Haus wie ein altes Herrenhaus aussehen zu lassen, wo alles auf die vielfältigen Interessen ihres Mannes hindeutet. Es kam wunderschön heraus. Nach dem Tod des Schriftstellers kamen die Menschen hierher und das Haus erhielt offiziell den Status eines Museums.

Die Dekoration des Hauses veranschaulicht Prishvins üblichen Tagesablauf. Auf dem Tisch steht ein Samowar, die Zimmer sind mit Blumen und Büchern geschmückt. Von besonderem Interesse ist das Zimmer des Schriftstellers, in dem Sie eines der berühmtesten Porträts von Michail Michailowitsch sehen können, das von Orest Vereisky gemalt wurde.

Ein Gemälde, das Prishvins Kopf darstellt, hängt direkt über dem Kopfende seines Bettes im Schlafzimmer. Ein dicker dunkelbrauner Rahmen umrahmt ein gelbes Blatt Papier, auf dem ein Prosaschreiber mit Bleistift gezeichnet ist. Links bei der Arbeit sieht man das Datum des Portraits. Der ganze Raum drückt die Individualität seines Besitzers aus und zeugt von seiner Bescheidenheit und Genauigkeit. Links vom Porträt hängen gekreuzte Gewehre – die Verkörperung von Prishvins Liebe zur Jagd. Der Holzboden ist mit Teppichen mit einem charakteristischen Mustermuster dekoriert. Aber trotz dieser Kleinigkeiten ist das zentrale Element des Raumes genau das von Vereisky gemalte Porträt. Natürlich verrät eine solche Anordnung den Respekt des Schriftstellers vor der Arbeit des Künstlers. Dies war ihr letztes gemeinsames Projekt, ein paar Jahre später starb Prishvin.

Im heutigen Beitrag möchte ich auf eine kurze Geschichte der Entwicklung der Porträtmalerei eingehen. Es ist nicht möglich, das gesamte Material zu diesem Thema in dem begrenzten Umfang des Beitrags vollständig abzudecken, daher habe ich keine solche Aufgabe gestellt.

Ein kleiner Exkurs in die Geschichte der Porträtmalerei

Porträt(aus dem französischen Porträt) - Dies ist ein Genre der bildenden Kunst sowie Werke dieses Genres, die das Aussehen einer bestimmten Person zeigen. Das Porträt vermittelt individuelle Eigenschaften, Alleinstellungsmerkmale, die nur einem Modell eigen sind (ein Modell ist eine Person, die für einen Meister posiert, während sie an einem Kunstwerk arbeitet).

"Pariser". Fresko aus dem Palast von Knossos, 16. Jahrhundert v

Aber Äußerliche Ähnlichkeit ist nicht die einzige und vielleicht nicht die wichtigste Eigenschaft eines Porträts . Ein echter Porträtmaler beschränkt sich nicht darauf, die äußeren Merkmale seines Modells zu reproduzieren, er strebt danach vermitteln die Eigenschaften ihres Charakters, offenbaren ihre innere, geistige Welt . Es ist auch sehr wichtig, den sozialen Status der Porträtierten zu zeigen, um ein typisches Bild eines Vertreters einer bestimmten Epoche zu schaffen.
Als Gattung tauchte das Porträt vor mehreren Jahrtausenden in der antiken Kunst auf. Unter den Fresken des berühmten Knossos-Palastes, die von Archäologen bei Ausgrabungen auf der Insel Kreta gefunden wurden, gibt es eine Reihe malerischer Frauenbilder aus dem 16. Jahrhundert vor Christus. Obwohl die Forscher diese Bilder "Hofdamen" nannten, wissen wir nicht, wen die kretischen Meister zu zeigen versuchten - Göttinnen, Priesterinnen oder edle Damen in eleganten Kleidern.
Das berühmteste war das Porträt einer jungen Frau, die von Wissenschaftlern "Pariserin" genannt wurde. Wir sehen vor uns ein Profilbild (gemäß der damaligen Kunsttradition) einer jungen Frau, sehr kokett und ohne Make-up, wie ihre dunkelumrandeten Augen und bunt geschminkten Lippen beweisen.
Die Künstler, die Freskoporträts ihrer Zeitgenossen schufen, vertieften sich nicht in die Eigenschaften der Modelle, und die äußere Ähnlichkeit dieser Bilder ist sehr relativ.

"Bildnis eines jungen Römers", frühes 3. Jh. n. Chr

Im antiken Griechenland und im antiken Rom gab es keine Staffeleimalerei, daher drückte sich die Kunst der Porträtmalerei hauptsächlich in der Skulptur aus. Alte Meister schufen plastische Bilder von Dichtern, Philosophen, Militärführern und Politikern. Diese Arbeiten sind von Idealisierung geprägt, gleichzeitig finden sich darunter auch Bilder, die in ihren psychologischen Eigenschaften sehr genau sind.
Von großem Interesse sind die malerischen Porträts, die im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. in Ägypten entstanden sind. Nach dem Fundort (die Gräber von Khavara nördlich von Kairo und die Nekropole der Oase Fayum, die unter den Ptolemäern Arsinoe hieß) heißen sie Fayum. Diese Bilder erfüllten rituelle und magische Funktionen. Sie erschienen in der hellenistischen Ära, als das alte Ägypten von den Römern erobert wurde. Diese auf Holzbrettern oder auf Leinwand gefertigten Porträtbilder wurden zusammen mit der Mumie in das Grab des Verstorbenen gelegt.
In den Fayum-Porträts sehen wir Ägypter, Syrer, Nubier, Juden, Griechen und Römer, die im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. in Ägypten lebten. Aus antikes Rom Im 18. Jahrhundert kam der Brauch nach Ägypten, auf Holztafeln gemalte Porträts der Besitzer sowie skulpturale Masken verstorbener Verwandter im Haus aufzubewahren.

Porträt einer Fayum-Mumie

Fayum-Porträts wurden in der für frühere Bilder besonders charakteristischen Tempera- oder Enkaustik-Technik erstellt. Enkaustik ist das Malen mit Farben, wobei das Hauptglied Wachs war. Die Künstler verwendeten geschmolzene Wachsfarben (Spuren solcher Farben blieben auf vielen Tafeln mit Porträtbildern erhalten). Eine solche Technik erforderte spezielle Techniken. Im Bereich der Wangen, des Kinns und der Nase wurde die Farbe in dichten Schichten aufgetragen, der Rest des Gesichts und der Haare wurde mit flüssigerer Farbe bemalt. Meister verwendeten für Porträts dünne Bretter aus Bergahorn (Maulbeerfeigenbaum) und libanesischer Zeder.

G. Bellini. Spenderportrait. Fragment

Zu den bekanntesten Encaustic-Porträts zählen das „Bildnis eines Mannes“ (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts n. Chr.) und das „Bildnis eines älteren Mannes“ (Ende des 1. Jahrhunderts n. Chr.), die Lebensbilder sind. In diesen Arbeiten fallen die gekonnte Licht- und Schattenmodellierung und die Verwendung von Farbreflexen auf. Wahrscheinlich durchliefen die uns unbekannten Meister, die die Porträts malten, die hellenistische Malschule. Zwei weitere Gemälde wurden auf die gleiche Weise ausgeführt - "Porträt eines Nubiers" und ein schönes Frauenbild, das sogenannte. "Dame Alina" (2. Jahrhundert n. Chr.). Das letzte Porträt wird mit Pinsel und flüssiger Tempera auf Leinwand gemalt.
Im Mittelalter, als die Kunst der Kirche untergeordnet war, entstanden in der Malerei vor allem religiöse Bilder. Aber auch zu dieser Zeit malten einige Künstler psychologisch korrekte Porträts. Weit verbreitet waren Bilder von Spendern (Spendern, Kunden), die am häufigsten im Profil mit Blick auf Gott, die Madonna oder einen Heiligen gezeigt wurden. Die Bilder der Spender hatten zweifellos eine äußerliche Ähnlichkeit mit den Originalen, gingen jedoch nicht über die ikonografischen Kanone hinaus und spielten in der Komposition eine untergeordnete Rolle. Die von der Ikone ausgehenden Profilbilder behielten ihre dominierende Stellung, auch als das Porträt anfing, eigenständige Bedeutung zu erlangen.
Die Blütezeit des Porträtgenres begann in der Renaissance, als der Hauptwert der Welt eine aktive und zielstrebige Person war, die in der Lage war, diese Welt zu verändern und sich gegen alle Widrigkeiten zu stellen. Im 15. Jahrhundert begannen Künstler, eigenständige Porträts zu schaffen, die Modelle vor dem Hintergrund majestätischer Panoramalandschaften zeigten. So ist das „Portrait of a Boy“ von B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. "Bildnis eines Knaben", Kunsthalle, Dresden

Das Vorhandensein von Naturfragmenten in den Porträts schafft jedoch keine Integrität, Einheit einer Person und der Welt um sie herum, die Person, die porträtiert wird, scheint die natürliche Landschaft zu verdecken. Nur in Porträts des 16. Jahrhunderts taucht Harmonie auf, eine Art Mikrokosmos.

Viele berühmte Meister der Renaissance wandten sich der Porträtmalerei zu, darunter Botticelli, Raffael und Leonardo da Vinci. Das größte Werk der Weltkunst war Leonardos berühmtes Meisterwerk – das Porträt „Mona Lisa“ („La Gioconda“, um 1503), in dem viele Porträtmaler nachfolgender Generationen ein Vorbild sahen.
Eine große Rolle bei der Entwicklung des europäischen Porträtgenres spielte Tizian, der eine ganze Bildergalerie seiner Zeitgenossen schuf: Dichter, Wissenschaftler, Geistliche, Herrscher. In diesen Werken fungierte der große italienische Meister als subtiler Psychologe und ausgezeichneter Kenner der menschlichen Seele.

Tizian: Kaiserin Isabella von Portugal.

Während der Renaissance wandten sich viele Künstler, die Altar- und mythologische Kompositionen schufen, dem Porträtgenre zu. Die psychologischen Porträts des niederländischen Malers Jan van Eyck („Timotheus“, 1432; „Der Mann im roten Turban“, 1433) zeichnen sich durch ein tiefes Eindringen in die Innenwelt des Modells aus. Der anerkannte Meister der Porträtgattung war der deutsche Künstler Albrecht Dürer, dessen Selbstporträts noch heute das Publikum begeistern und Künstlern als Vorbild dienen.

Albrecht Dürer, Selbstbildnis

Während der Renaissance tauchten in der europäischen Malerei verschiedene Formen der Porträtmalerei auf. Das Büstenporträt war damals sehr beliebt, obwohl auch Halbfiguren, Generationenbilder und Ganzkörperporträts auftauchten. Adelige Ehepaare bestellten Paarporträts, bei denen die Modelle auf verschiedenen Leinwänden dargestellt wurden, aber beide Kompositionen durch ein gemeinsames Konzept, eine gemeinsame Farbe und einen Landschaftshintergrund vereint waren. Ein anschauliches Beispiel für gepaarte Porträts sind die Bilder des Herzogs und der Herzogin von Urbino (Federigo da Montefeltro und Battista Sforza, 1465), die vom italienischen Maler Piero della Francesca geschaffen wurden.
Auch Gruppenporträts waren weit verbreitet, wenn der Künstler mehrere Modelle auf einer Leinwand zeigte. Ein Beispiel für ein solches Werk ist „Portrait of Pope Paul III with Alessandro and Ottavio Farnese“ (1545-1546) von Tizian.

Entsprechend der Art des Bildes wurden Porträts in zeremonielle und intime unterteilt. Die ersten wurden mit dem Ziel geschaffen, die auf ihnen dargestellten Menschen zu erheben und zu verherrlichen. Zeremonielle Porträts wurden von den regierenden Personen und ihren Familienangehörigen, Höflingen und Geistlichen, die die oberen Sprossen der hierarchischen Leiter besetzten, bei berühmten Künstlern bestellt.
Die Maler schufen zeremonielle Porträts und porträtierten Männer in reichen, mit Gold bestickten Uniformen. Die Damen, die für den Künstler posierten, trugen die luxuriösesten Kleider und schmückten sich mit Juwelen. Der Hintergrund spielte bei solchen Portraits eine besondere Rolle. Die Meister malten ihre Modelle vor dem Hintergrund der Landschaft, architektonischen Elementen (Bögen, Säulen) und üppigen Vorhängen.
Der größte Meister des zeremoniellen Porträts war der Fleming P.P. Rubens, der an den Königshöfen vieler Staaten arbeitete. Seine edlen und wohlhabenden Zeitgenossen träumten davon, dass der Maler sie auf seinen Leinwänden festhalten würde. Rubens' maßgefertigte Porträts, die durch ihren Farbenreichtum und ihre zeichnerische Virtuosität auffallen, sind etwas idealisiert und kalt. Die Bilder von Verwandten und Freunden, die der Künstler für sich selbst geschaffen hat, sind voller warmer und aufrichtiger Gefühle, sie haben nicht den Wunsch, dem Modell zu schmeicheln, wie bei formellen Porträts für wohlhabende Kunden.

Rubens Schüler und Nachfolger war der talentierte flämische Maler A. van Dyck, der eine Galerie mit Porträtbildern seiner Zeitgenossen schuf: Wissenschaftler, Anwälte, Ärzte, Künstler, Kaufleute, Militärführer, Geistliche, Höflinge. Diese realistischen Bilder vermitteln auf subtile Weise die individuelle Einzigartigkeit der Modelle.
Die Porträts van Dycks aus der Spätzeit, als der Künstler am Hofe des englischen Königs Charles arbeitete, sind künstlerisch weniger perfekt, weil Der Meister, der viele Aufträge erhielt, konnte sie nicht bewältigen und vertraute die Abbildung einiger Details seinen Assistenten an. Aber auch zu dieser Zeit malte van Dyck eine Reihe recht erfolgreicher Gemälde (Louvre-Porträt Karls I., um 1635; Drei Kinder Karls I., 1635).

A. van Dyck. "Die drei Kinder Karls I.", 1635, Königliche Sammlung, Schloss Windsor

Im 17. Jahrhundert nahm ein intimes (Kammer-)Porträt einen wichtigen Platz in der europäischen Malerei ein, dessen Zweck es ist, den Geisteszustand einer Person, ihre Gefühle und Emotionen zu zeigen. Der anerkannte Meister dieser Art von Porträts war der niederländische Künstler Rembrandt, der viele herzliche Bilder malte. „Bildnis einer alten Frau“ (1654), „Bildnis des Sohnes des lesenden Titus“ (1657), „Hendrikje Stoffels am Fenster“ (Bildnis der zweiten Frau des Künstlers, um 1659) sind von aufrichtiger Empfindung durchdrungen. Diese Werke präsentieren dem Betrachter gewöhnliche Menschen, die weder adelige Vorfahren noch Reichtum haben. Aber für Rembrandt, der eine neue Seite in der Geschichte des Porträtgenres aufgeschlagen hat, war es wichtig, die Freundlichkeit seines Modells, ihre wahrhaft menschlichen Qualitäten, zu vermitteln.

Unbekannter Künstler. Parsuna "Souverän von ganz Russland Ivan IV der Schreckliche", Ende des 17. Jahrhunderts.

Rembrandts Meisterschaft manifestierte sich auch in seinen großformatigen Gruppenporträts (Nachtwache, 1642; Sindics, 1662), die unterschiedliche Temperamente und lebendige menschliche Persönlichkeiten vermitteln.
Einer der bemerkenswertesten europäischen Porträtmaler des 17. Jahrhunderts war der spanische Künstler D. Velasquez, der nicht nur viele zeremonielle Porträts der spanischen Könige, ihrer Frauen und Kinder malte, sondern auch eine Reihe von Kammerbildern einfacher Leute. An die besten Sinne des Betrachters gerichtet tragische Bilder Hofzwerge - weise und zurückhaltend oder verbittert, aber immer mit Menschenwürde ("Porträt des Narren Sebastiano Mora", um 1648).

Die Porträtgattung wurde im 18. Jahrhundert weiterentwickelt. Das Porträt verschaffte den Künstlern im Gegensatz zur Landschaft ein gutes Einkommen. Viele Maler, die an der Erstellung zeremonieller Porträts beteiligt waren und versuchten, einem reichen und edlen Kunden zu schmeicheln, versuchten, die attraktivsten Merkmale seines Aussehens hervorzuheben und die Mängel zu verschleiern.
Aber die kühnsten und talentiertesten Handwerker hatten keine Angst vor dem Zorn der Herrscher und zeigten die Menschen so, wie sie wirklich waren, ohne ihre körperlichen und moralischen Mängel zu verbergen. In diesem Sinne ist das berühmte „Bildnis der Familie von König Karl IV.“ (1801) des berühmten spanischen Malers und Grafikers F. Goya interessant. Die National School of Portraiture hat ihren Ursprung in England. Seine größten Vertreter sind die im 18. Jahrhundert tätigen Künstler J. Reynolds und T. Gainsborough. Ihre Traditionen wurden von jüngeren englischen Meistern geerbt: J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Einen wichtigen Platz nahm das Porträt in der Kunst Frankreichs ein. Einer der talentiertesten Künstler der zweiten Hälfte des 18. – des ersten Viertels des 19. Jahrhunderts war J.L. David, der neben Gemälden des antiken und historischen Genres viele schöne Porträts geschaffen hat. Zu den Meisterwerken des Meisters zählen ein ungewöhnlich ausdrucksstarkes Bildnis der Madame Recamier (1800) und ein romantisch erhabenes Porträt von Napoleon Bonaparte am St. Bernhard-Pass (1800).

Ein unübertroffener Meister des Porträtgenres war J.O.D. Ingres, der seinen Namen mit zeremoniellen Porträts verherrlichte, die sich durch klangvolle Farben und anmutige Linien auszeichneten.
Schöne Beispiele eines romantischen Porträts wurden der Welt von französischen Künstlern wie T. Gericault und E. Delacroix präsentiert.
Französische Realisten (J.F. Millet, C. Corot, G. Courbet), Impressionisten (E. Degas, O. Renoir) und Postimpressionisten (P. Cezanne, V. van Gogh) drückten ihr Lebens- und Kunstgefühl in Porträts aus.
Auch Vertreter der im 20. Jahrhundert aufkommenden modernistischen Strömungen wandten sich dem Genre des Porträts zu. Viele Porträts hat uns der berühmte französische Künstler Pablo Picasso hinterlassen. An diesen Werken kann man nachvollziehen, wie sich das Werk des Meisters aus den sog. blaue Periode bis zum Kubismus.

In seiner „Blauen Periode“ (1901-1904) schafft er Porträts und Genretypen, in denen er das Thema der Einsamkeit, der Trauer, des Untergangs eines Menschen entwickelt und in die geistige Welt des Helden und seine feindselige Umgebung eindringt. So ist das Porträt des Freundes des Künstlers - des Dichters X. Sabartes (1901, Moskau, Puschkin-Museum).

Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der russischen Porträtmalerei leistete der talentierte Künstler der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts, I.N. Nikitin, der mit dem Geschick eines Psychologen in seinem „Portrait of a Outdoor Hetman“ (1720er) ein komplexes, facettenreiches Bild eines Mannes der Petrine-Ära zeigte.

Die Malerei der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ist mit den Namen so berühmter Porträtmaler wie F.S. Rokotov, der viele vergeistigte Bilder seiner Zeitgenossen schuf (Porträt von V.I. Maikov, um 1765), D.G. Levitsky, der Autor schöner Zeremonien- und Kammerporträts, die die Integrität der Natur der Modelle vermitteln (Porträts von Schülern des Smolny-Instituts, ca. 1773-1776), V.L. Borovikovsky, dessen verblüffend lyrische Frauenporträts die Zuschauer noch heute begeistern.

Borovikovsky, Vladimir Lukich: Porträt von Elena Alexandrovna Naryshkina.

Die 1860er-1870er Jahre waren die Zeit der Realismusbildung in der russischen Malerei, die sich am deutlichsten in der Arbeit der Wanderers manifestierte. In dieser Zeit erfreute sich der Porträttypus im Porträtgenre großer Beliebtheit in der demokratisch gesinnten Öffentlichkeit, in der das Modell nicht nur eine psychologische Einschätzung erhielt, sondern auch unter dem Gesichtspunkt ihrer Stellung in der Gesellschaft betrachtet wurde. Dabei achteten die Autoren gleichermaßen auf die individuellen wie auf die typischen Merkmale der dargestellten Sujets.
Ein Beispiel für einen solchen Porträttyp wurde 1867 von dem Künstler N.N. Ge-Porträt von A.I. Herzen. Wenn man sich die Fotografien des demokratischen Schriftstellers ansieht, kann man verstehen, wie genau der Meister die äußere Ähnlichkeit erfasst hat. Aber der Maler hörte hier nicht auf, er hielt auf der Leinwand das spirituelle Leben eines Menschen fest, der danach strebt, im Kampf Glück für sein Volk zu erreichen. Im Bild von Herzen zeigte Ge den kollektiven Typus der besten Menschen seiner Zeit.

N.N. Ge-Porträt von A.I. Herzen

Die Traditionen von Ges Porträtmalerei wurden von Meistern wie V.G. Perov (Porträt von F.M. Dostojewski, 1872), I.N. Kramskoi (Porträt von L. N. Tolstoi, 1873). Diese Künstler schufen eine ganze Galerie von Bildern ihrer herausragenden Zeitgenossen.
Bemerkenswerte Typporträts wurden von I.E. Repin, der es geschafft hat, die einzigartige Individualität jeder Person sehr genau zu vermitteln. Mit Hilfe richtig wahrgenommener Gesten, Körperhaltungen, Mimik gibt der Meister eine soziale und spirituelle Beschreibung des Porträtierten. Eine bedeutende und willensstarke Person erscheint im Porträt von N.I. Pirogow. Das tiefe künstlerische Talent und die Leidenschaft der Natur sieht der Betrachter auf seiner Leinwand, die die Schauspielerin P.A. Strepetow (1882).

Porträt der Schauspielerin Pelageya Antipovna Strepetova als Elizabeth. 1881

Glasunow_ Porträt von Ilya Reznik, 1999

Einen großen Beitrag zur Entwicklung der russischen Porträtmalerei leistete A.M. Shilov ("Porträt des Akademikers I. L. Knunyants", 1974; "Porträt von Olya", 1974).

BIN. Schilow. "Porträt von Olja", 1974

Materialien, die bei der Herstellung des Materials verwendet werden