Quelles sont les caractéristiques de la sculpture grecque antique ? Sculpture de la Grèce de l'ère des classiques Les principales étapes du développement de la sculpture grecque antique

Quelles sont les caractéristiques de la sculpture grecque antique ?

Face à l'art grec, de nombreux esprits éminents ont exprimé une véritable admiration. L'un des chercheurs les plus célèbres de l'art de la Grèce antique, Johann Winckelmann (1717-1768) dit à propos de la sculpture grecque : « Les connaisseurs et les imitateurs des œuvres grecques trouvent dans leurs créations magistrales non seulement la plus belle nature, mais aussi plus que nature, à savoir, une beauté idéale de celui-ci, qui ... est créée à partir d'images esquissées par l'esprit. Tous ceux qui écrivent sur l'art grec y notent une étonnante combinaison d'immédiateté naïve et de profondeur, de réalité et de fiction. En elle, en particulier dans la sculpture, l'idéal de l'homme s'incarne. Quelle est la nature de l'idéal ? Comment a-t-il tant fasciné les gens pour que le vieux Goethe sanglote au Louvre devant la sculpture d'Aphrodite ?

Les Grecs ont toujours cru que ce n'est que dans un beau corps qu'une belle âme peut vivre. Par conséquent, l'harmonie du corps, la perfection extérieure est une condition indispensable et la base d'une personne idéale. L'idéal grec est défini par le terme kalokagatiya(gr. kalos- adorable + agathe gentil). Puisque kalokagatiya inclut la perfection à la fois de la constitution corporelle et de l'entrepôt spirituel et moral, alors, avec la beauté et la force, l'idéal porte la justice, la chasteté, le courage et le caractère raisonnable. C'est ce qui rend les dieux grecs, sculptés par d'anciens sculpteurs, d'une beauté unique.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_001.shtml Les meilleurs monuments de la sculpture grecque antique ont été créés au 5ème siècle. AVANT JC. Mais plus nous sont parvenus premières œuvres. Statues des VIIe-VIe siècles BC sont symétriques : une moitié du corps est une image miroir de l'autre. Postures enchaînées, bras tendus plaqués contre un corps musclé. Pas la moindre inclinaison ou rotation de la tête, mais les lèvres sont entrouvertes dans un sourire. Un sourire, comme de l'intérieur, illumine la sculpture d'une expression de joie de vivre.

Plus tard, pendant la période du classicisme, les statues acquièrent une plus grande variété de formes.

Il y a eu des tentatives pour comprendre l'harmonie algébriquement. La première étude scientifique de ce qu'est l'harmonie a été entreprise par Pythagore. L'école, qu'il a fondée, a examiné des questions de nature philosophique et mathématique, appliquant des calculs mathématiques à tous les aspects de la réalité. Ni l'harmonie musicale, ni l'harmonie du corps humain ou de la structure architecturale n'ont fait exception. L'école pythagoricienne considérait le nombre comme la base et le commencement du monde.

Qu'est-ce que la théorie des nombres a à voir avec l'art grec ? Il s'avère être le plus direct, puisque l'harmonie des sphères de l'Univers et l'harmonie du monde entier s'expriment par les mêmes rapports de nombres, dont les principaux sont les rapports 2/1, 3/2 et 4 /3 (en musique, ce sont respectivement une octave, une quinte et une quarte). De plus, l'harmonie implique la possibilité de calculer toute corrélation de parties de chaque objet, y compris la sculpture, selon la proportion suivante: a / b \u003d b / c, où a est toute petite partie de l'objet, b est toute grande partie , c est le tout. Sur cette base, le grand sculpteur grec Polikleitos (5ème siècle avant JC) a créé une sculpture d'un jeune homme portant une lance (5ème siècle avant JC), qui est appelée "Dorifor" ("Porteur de lance") ou "Canon" - par le nom du travail sculpteur, où il, discutant de la théorie de l'art, considère les lois de l'image d'une personne parfaite. On pense que le raisonnement de l'artiste peut être attribué à sa sculpture.

Les statues de Polykleitos sont pleines de vie intense. Polikleitos aimait représenter des athlètes au repos. Prenez le même "Spearman". Cet homme puissamment construit est plein d'estime de soi. Il se tient immobile devant le spectateur. Mais ce n'est pas le repos statique des statues égyptiennes antiques. Comme un homme qui contrôle habilement et facilement son corps, le lancier a légèrement plié une jambe et a déplacé le poids de son corps sur l'autre. Il semble qu'un moment va passer et il va faire un pas en avant, tourner la tête, fier de sa beauté et de sa force. Devant nous se trouve un homme fort, beau, sans peur, fier, retenu - l'incarnation des idéaux grecs.

Contrairement à ses Polikleitos contemporains, Myron aimait représenter ses statues en mouvement. Ici, par exemple, se trouve la statue "Discobolus" (Ve siècle avant JC; Thermae Museum Rome). Son auteur, le grand sculpteur Miron, a représenté un beau jeune homme au moment où il balançait un lourd disque. Son corps capturé en mouvement est courbé et tendu, comme un ressort sur le point de se déployer. Des muscles entraînés gonflaient sous la peau élastique du bras tiré en arrière. Les orteils, formant un support fiable, profondément enfoncés dans le sable. Les statues de Myron et de Polykleitos ont été coulées en bronze, mais seules des copies en marbre d'originaux grecs anciens réalisées par les Romains nous sont parvenues.

Les Grecs considéraient Phidias comme le plus grand sculpteur de son temps, qui a décoré le Parthénon de sculptures en marbre. Ses sculptures reflètent surtout que les dieux en Grèce ne sont que des images d'une personne idéale. Le ruban de marbre le mieux conservé du relief de la frise mesure 160 m de long et représente une procession se dirigeant vers le temple de la déesse Athéna - le Parthénon.

La sculpture du Parthénon a été gravement endommagée. Et "Athena Parthenos" est morte dans les temps anciens. Elle se tenait à l'intérieur du temple et était d'une beauté indescriptible. La tête de la déesse avec un front bas et lisse et un menton arrondi, le cou et les bras étaient en ivoire, et ses cheveux, ses vêtements, son bouclier et son casque étaient fabriqués à partir de feuilles d'or. La déesse sous la forme d'une belle femme est la personnification d'Athènes.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_007.shtmlDe nombreuses histoires sont associées à cette sculpture. Le chef-d'œuvre créé était si grand et célèbre que son auteur a immédiatement eu beaucoup d'envieux. Ils ont essayé par tous les moyens de menacer le sculpteur et ont cherché diverses raisons pour lesquelles ils pourraient l'accuser de quelque chose. On dit que Phidias était accusé d'avoir caché une partie de l'or donné comme matériau pour la décoration de la déesse. Comme preuve de son innocence, Phidias a retiré tous les objets dorés de la sculpture et les a pesés. Le poids correspondait exactement au poids de l'or donné à la sculpture. Alors Phidias fut accusé d'impiété. La raison en était le bouclier d'Athéna. Il dépeint l'intrigue de la bataille entre les Grecs et les Amazones. Chez les Grecs, Phidias s'est représenté lui-même et son bien-aimé Périclès. L'image de Phidias sur le bouclier est devenue la cause du conflit. Malgré toutes les réalisations de Phidias, le public grec a pu se retourner contre lui. La vie du grand sculpteur s'est terminée par une cruelle exécution.

Les réalisations de Phidias au Parthénon n'étaient pas exhaustives pour son œuvre. Le sculpteur a créé de nombreuses autres œuvres, dont les meilleures étaient la figure colossale en bronze d'Athéna Promachos, érigée sur l'Acropole vers 460 avant JC, et la figure tout aussi énorme de Zeus en ivoire et or pour le temple d'Olympie. Malheureusement, il n'y a plus d'œuvres authentiques, et nous ne pouvons pas voir de nos propres yeux les magnifiques œuvres d'art de la Grèce antique. Seules leurs descriptions et copies sont restées. À bien des égards, cela était dû à la destruction fanatique des statues par les chrétiens croyants.

Voici comment vous pouvez décrire la statue de Zeus pour le temple d'Olympie : un énorme dieu de quatorze mètres était assis sur un trône d'or, et il semblait que s'il se levait, redressait ses larges épaules, il deviendrait encombré dans le vaste hall et le plafond serait bas. La tête de Zeus était décorée d'une couronne de branches d'olivier - signe de la tranquillité du dieu redoutable. Le visage, les épaules, les bras, la poitrine étaient en ivoire et le manteau était jeté sur l'épaule gauche. La couronne, la barbe de Zeus étaient d'or étincelant.

Phidias a doté Zeus de la noblesse humaine. Son beau visage, encadré d'une barbe bouclée et de cheveux bouclés, était non seulement sévère, mais aussi gentil, la posture était solennelle, majestueuse et calme. La combinaison de la beauté corporelle et de la bonté de l'âme soulignait son idéalité divine. La statue a fait une telle impression que, selon l'auteur ancien, les gens, abattus par le chagrin, ont cherché du réconfort en contemplant la création de Phidias. La rumeur a déclaré la statue de Zeus l'une des "sept merveilles du monde".

Les œuvres des trois sculpteurs étaient similaires en ce sens qu'elles dépeignaient toutes l'harmonie d'un beau corps et d'une âme bienveillante qu'il contenait. C'était la grande tendance de l'époque.

Bien sûr, les normes et les attitudes dans l'art grec ont changé au cours de l'histoire. L'art de l'archaïque était plus simple, il lui manquait le sens profond de la réticence qui ravit l'humanité à l'époque des classiques grecs. À l'ère de l'hellénisme, lorsqu'une personne perdait le sens de la stabilité du monde, l'art perdait ses anciens idéaux. Il a commencé à refléter les sentiments d'incertitude quant à l'avenir qui régnaient dans les courants sociaux de cette époque.

Une chose unit toutes les époques du développement de la société et de l'art grecs : c'est, comme l'écrit M. Alpatov, une prédilection particulière pour les arts plastiques, pour les arts de l'espace. Une telle prédilection est compréhensible: d'énormes stocks de matériaux de couleurs diverses, nobles et idéaux - le marbre - offraient de nombreuses possibilités pour sa mise en œuvre. Si la majorité des sculptures grecques étaient réalisées en bronze, le marbre étant fragile, c'est la texture du marbre, avec sa couleur et son effet décoratif, qui permettait de reproduire la beauté du corps humain avec la plus grande expressivité. Par conséquent, le plus souvent "le corps humain, sa structure et sa souplesse, son harmonie et sa flexibilité ont attiré l'attention des Grecs, ils ont volontiers représenté le corps humain à la fois nu et dans des vêtements transparents légers".

"L'art de la Grèce antique" - Himatius. Chiton. Hydrie. Décorations. Ornements. Peinture à figures noires. Chapeaux pour femmes. Amphores. Cratères. Chlamyda. Art de la Grèce antique. Les villageois portaient pour la plupart un chiton court et fluide en laine avec une bretelle sur l'épaule droite - l'exomis.Les esclaves se contentaient d'un seul pagne.

"Peinture vase antique" - Vases antiques. Styles de peinture. Préparation du croquis. Cheveux. poterie grecque. Peinture d'histoire. L'essence de l'art grec ancien. Amphore. Pélik. Kilik. L'étude de l'ornement. Lécythe. Pyxide. Skyphos. Interroger. Façon tapis. Peinture ornementale. Athènes. Vêtements des anciens Grecs. L'essor de la peinture sur vase à figures noires.

"Théâtre grec" - Théâtre grec. L'un des auteurs de comédie les plus célèbres était Aristophane, "Le Monde". Les créateurs sont Eschyle, la tragédie "Perses" et Euripide, la tragédie "Médée". L'intrigue est des mythes, des légendes et des événements historiques importants. Sujets de discussion. Qu'est-ce que la comédie. L'émergence des représentations théâtrales. Qu'est-ce que la tragédie. Les acteurs n'étaient que des hommes.

"Architecture de la Grèce antique" - Phidias. Colonnes du temple d'Artémis à Éphèse. Miron. "Athéna et Marsyas". Statue d'Athéna Parthénos. commandes grecques. Statue de Zeus le Tonnerre. Miron "Discobole". Polyclète. « Dorifor ». Temple de Poséidon à Paestum. Grande aube. Sanctuaire d'Athéna Pronaius à Delphes. Architecture et sculpture de la Grèce antique. Temple d'Héphaïstos à Athènes.

"Histoire du théâtre de la Grèce antique" - A ciel ouvert. Coturny. La structure du jeu. Invités distingués. Anniversaire du théâtre. Questions pour le test. Dithyrambes. Chaque ville avait son propre théâtre. Genre. Satyre. Les acteurs n'étaient que des hommes. Reconstituer les informations perdues. Histoire. La comédie. Théâtre moderne. lettre sur le billet. Théâtre. Théâtre de la Grèce antique.

"L'Art de la Grèce" - Sculpture. Les penseurs d'époques et de directions différentes convergent vers une haute appréciation de la civilisation ancienne. Les anciens Grecs ont développé leur écriture basée sur le phénicien. Poséidon. La littérature et l'art de la Grèce antique ont donné une impulsion au développement de la culture européenne. Aphrodite. Démosthène /384-322 av. J.-C./. L'alphabet slave est également originaire du grec.

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1.1 Sculpture dans la Grèce antique. Prérequis à son développement

Parmi tous les arts visuels des civilisations antiques, l'art de la Grèce antique, en particulier sa sculpture, occupe une place toute particulière. Le corps vivant, capable de tout travail musculaire, les Grecs le mettaient avant tout. Le manque de vêtements n'a choqué personne. Tout était traité trop simplement pour avoir honte de quoi que ce soit. Et en même temps, bien sûr, la chasteté n'y a pas perdu.

1.2 Sculpture de la Grèce à l'époque archaïque

La période archaïque est la période de formation de la sculpture grecque antique. Le désir du sculpteur de transmettre la beauté du corps humain idéal, qui s'est pleinement manifesté dans les œuvres d'une époque ultérieure, est déjà clair, mais il était encore trop difficile pour l'artiste de s'éloigner de la forme d'un bloc de pierre. , et les chiffres de cette période sont toujours statiques.

Les premiers monuments de la sculpture grecque antique de l'époque archaïque sont déterminés par le style géométrique (VIIIe siècle). Ce sont des figurines schématiques trouvées à Athènes, Olympie , en Béotie. L'ère archaïque de la sculpture grecque antique tombe sur les 7e - 6e siècles. (ancien archaïque - environ 650 - 580 av. J.-C. ; haut - 580 - 530 ; en retard - 530 - 500/480). Le début de la sculpture monumentale en Grèce remonte au milieu du VIIe siècle. avant JC e. et se caractérise par l'orientalisation styles, dont le plus important était Daedalian, associé au nom du sculpteur semi-mythique Daedalus . Le cercle de sculpture « dédalienne » comprend une statue d'Artémis de Délos et une statue féminine d'œuvre crétoise, conservées au Louvre (« Dame d'Oxer »). Le milieu du VIIe siècle avant JC e. daté et le premier kuros . La première décoration sculpturale du temple remonte à la même époque. - reliefs et des statues de Prinia en Crète. À l'avenir, la décoration sculpturale remplit les champs attribués dans le temple par sa conception même - les frontons et métopes dans Temple dorique, frise continue (zophore) - en ionique. Les premières compositions de fronton de la sculpture grecque antique proviennent de l'Acropole d'Athènes. et du temple d'Artémis sur l'île de Kerkyra (Corfou). Les statues de pierre tombale, de dédicace et de culte sont représentées dans l'archaïque par le type de kouros et d'écorce . Des reliefs archaïques ornent les bases des statues, les frontons et les métopes des temples (plus tard la sculpture ronde a remplacé les reliefs des frontons), les stèles funéraires . Parmi les monuments célèbres de la sculpture ronde archaïque figure la tête d'Héra, retrouvée près de son temple à Olympie, la statue de Cléobis et Beaton de Delphi, Moskhofor ("Taureau") de l'Acropole d'Athènes, Héra de Samos , statues de Didyme, Nikka Arherma et autres La dernière statue montre un schéma archaïque de la soi-disant "course à genoux", utilisée pour représenter une figure volante ou courant. Dans la sculpture archaïque, un certain nombre d'autres conventions sont adoptées - par exemple, le soi-disant "sourire archaïque" sur les visages des sculptures archaïques.

La sculpture de l'époque archaïque est dominée par des statues de jeunes nus élancés et de jeunes filles drapées - kouros et écorce. Ni l'enfance ni la vieillesse n'ont alors attiré l'attention des artistes, car ce n'est que dans la jeunesse mûre que les forces vitales sont à leur apogée et en équilibre. L'art grec ancien crée des images d'hommes et de femmes dans leur forme idéale. À cette époque, les horizons spirituels se sont élargis extraordinairement, une personne, pour ainsi dire, se sentait face à face avec l'univers et voulait comprendre son harmonie, le secret de son intégrité. Les détails éludés, les idées sur le "mécanisme" spécifique de l'univers étaient les plus fantastiques, mais le pathos de l'ensemble, la conscience de l'interconnexion universelle - c'était ce qui constituait la force de la philosophie, de la poésie et de l'art de la Grèce archaïque *. De même que la philosophie, alors encore proche de la poésie, devinait astucieusement les principes généraux du développement, et la poésie, essence des passions humaines, les beaux-arts ont créé une apparence humaine généralisée. Regardons les kouros, ou, comme on les appelle parfois, les "Apollos archaïques". Peu importe que l'artiste ait vraiment voulu représenter Apollon, ou un héros, ou un athlète : l'homme est jeune, nu, et sa chaste nudité n'a pas besoin de couvertures pudiques. Il se tient toujours droit, son corps est imprégné d'empressement à bouger. La construction du corps est montrée et soulignée avec la plus grande clarté ; il est immédiatement clair que de longues jambes musclées peuvent se plier au niveau des genoux et courir, les muscles abdominaux peuvent se tendre, la poitrine peut gonfler en respirant profondément. Le visage n'exprime aucune expérience spécifique ou traits de caractère individuels, mais les possibilités d'expériences diverses y sont cachées. Et le «sourire» conditionnel - coins légèrement surélevés de la bouche - n'est que la possibilité d'un sourire, un soupçon de joie d'être, inhérent à cela, comme si une personne nouvellement créée.

Les statues de Kouros ont été créées principalement dans les zones où le style dorien dominait, c'est-à-dire sur le territoire de la Grèce continentale ; statues féminines - kora - principalement en Asie Mineure et dans les villes insulaires, centres du style ionien. De belles figures féminines ont été découvertes lors des fouilles de l'archaïque Acropole athénienne, construite au VIe siècle av. e., lorsque Pisistrate y régnait, et détruit pendant la guerre avec les Perses. Pendant vingt-cinq siècles, des croûtes de marbre ont été enfouies dans les "déchets persans" ; enfin ils en furent sortis, à moitié brisés, mais n'ayant pas perdu leur charme extraordinaire. Peut-être que certains d'entre eux ont été exécutés par des maîtres ioniques invités par Pisistrate à Athènes; leur art a influencé la sculpture attique, qui combine désormais les caractéristiques de l'austérité dorique avec la grâce ionienne. Dans l'écorce de l'Acropole d'Athènes, l'idéal de la féminité s'exprime dans sa pureté immaculée. Le sourire est éclatant, le regard est confiant et, pour ainsi dire, joyeusement émerveillé par le spectacle du monde, la figure est chastement drapée d'un peplo - un voile, ou un vêtement léger - un chiton (à l'époque archaïque, femme les personnages, contrairement aux hommes, n'étaient pas encore représentés nus), les cheveux coulant sur les épaules avec des mèches bouclées. Ces kora se tenaient sur des plinthes devant le temple d'Athéna, tenant une pomme ou une fleur à la main.

Les sculptures archaïques (ainsi que les classiques, d'ailleurs) n'étaient pas aussi uniformément blanches qu'on les imagine maintenant. Beaucoup ont des traces de peinture. Les cheveux des filles de marbre étaient dorés, leurs joues roses, leurs yeux bleus. Dans le contexte du ciel sans nuages ​​​​de Hellas, tout cela aurait dû paraître très festif, mais en même temps strict, grâce à la clarté, au calme et à la construction des formes et des silhouettes. Il n'y avait pas de flamboyance excessive ni de panachure. La recherche des fondements rationnels de la beauté, l'harmonie basée sur la mesure et le nombre, est un moment très important dans l'esthétique des Grecs. Les philosophes pythagoriciens ont cherché à saisir les relations numériques naturelles dans les consonances musicales et dans l'arrangement des corps célestes, estimant que l'harmonie musicale correspond à la nature des choses, l'ordre cosmique, "l'harmonie des sphères". Les artistes recherchaient des proportions mathématiquement ajustées du corps humain et du "corps" de l'architecture.En cela, l'art grec ancien est fondamentalement différent de l'art crétois-mycénien, étranger à toute mathématique.

Scène de genre très animée : Ainsi, à l'ère de l'archaïque, les fondations de la sculpture grecque antique, les orientations et les options de son développement ont été posées. Même alors, les principaux objectifs de la sculpture, les idéaux esthétiques et les aspirations des anciens Grecs étaient clairs. Dans les périodes ultérieures, le développement et l'amélioration de ces idéaux et de l'habileté des sculpteurs anciens ont lieu.

1.3 Sculpture grecque classique

La période classique de la sculpture grecque antique tombe sur les 5e - 4e siècles avant JC. (premier classique ou "style strict" - 500/490 - 460/450 avant JC; haut - 450 - 430/420 avant JC; "style riche" - 420 - 400/390 avant JC, classique tardif - 400/390 - D'ACCORD. 320 après JC avant JC e.). Au tournant de deux époques - archaïque et classique - il y a une décoration sculpturale du temple d'Athéna Aphaia sur l'île d'Egine . Les sculptures du fronton occidental datent de l'époque de la fondation du temple (510 - 500 ans avant JC J.-C.), sculptures du second oriental, remplaçant les anciennes, - au début de l'époque classique (490 - 480 av. J.-C.). Le monument central de la sculpture grecque antique des premiers classiques est les frontons et les métopes du temple de Zeus à Olympie (environ 468 - 456 avant JC e.). Une autre œuvre importante des premiers classiques - le soi-disant "Trône de Ludovisi", décoré de reliefs. Un certain nombre d'originaux en bronze sont également venus de cette époque - le Delphic Charioteer, statue de Poséidon du Cap Artémisium, Bronzes de Riace . Les plus grands sculpteurs des premiers classiques - Pythagore Rhegian, Calamis et Myron . Nous jugeons le travail des célèbres sculpteurs grecs principalement par des preuves littéraires et des copies ultérieures de leurs œuvres. Les grands classiques sont représentés par les noms de Phidias et Polykleitos . Son apogée à court terme est associée aux travaux sur l'Acropole athénienne, c'est-à-dire à la décoration sculpturale du Parthénon. (les frontons, métopes et zophores sont venus, 447 - 432 avant JC). Le summum de la sculpture grecque antique était, apparemment, le chrysoéléphantin statues d'Athéna Parthénos et Zeus Olympus de Phidias (les deux n'ont pas été conservés). Le "style riche" est caractéristique des œuvres de Callimaque, Alkamen, Agoracritus et autres sculpteurs du Ve siècle. avant JC e .. Ses monuments caractéristiques sont les reliefs de la balustrade du petit temple de Nike Apteros sur l'Acropole d'Athènes (environ 410 avant JC) et un certain nombre de stèles funéraires, parmi lesquelles la stèle Gegeso est la plus célèbre . Les œuvres les plus importantes de la sculpture grecque antique des classiques tardifs sont la décoration du temple d'Asclépios à Épidaure (environ 400 - 375 av. J.-C.), le temple d'Athéna Alei à Tegea (environ 370 - 350 avant JC), le temple d'Artémis à Ephèse (environ 355 - 330 avant JC) et le mausolée à Halicarnasse (vers 350 avant JC), sur la décoration sculpturale dont Skopas, Briaxides, Timothy ont travaillé et Léohar . Les statues d'Apollon du Belvédère sont également attribuées à ce dernier. et Diane de Versailles . Il existe également un certain nombre d'originaux en bronze du 4ème siècle avant JC. avant JC e. Les plus grands sculpteurs des classiques tardifs sont Praxitel, Skopas et Lysippus, anticipant largement l'ère suivante de l'hellénisme.

La sculpture grecque a partiellement survécu en fragments et fragments. La plupart des statues nous sont connues à partir de copies romaines, qui ont été exécutées dans de nombreux, mais n'ont pas transmis la beauté des originaux. Les copistes romains les ont grossis et séchés, et transformant les produits en bronze en marbre, les ont défigurés avec des accessoires maladroits. Les grandes figures d'Athéna, d'Aphrodite, d'Hermès, de Satyre, que l'on voit maintenant dans les salles de l'Ermitage, ne sont que de pâles ressassements de chefs-d'œuvre grecs. Vous les dépassez presque indifféremment et vous vous arrêtez soudain devant une tête au nez cassé, à l'œil abîmé : c'est un original grec ! Et l'étonnante puissance de la vie émane soudain de ce fragment ; le marbre lui-même est différent de celui des statues romaines - pas blanc mort, mais jaunâtre, transparent, lumineux (les Grecs le frottaient encore avec de la cire, ce qui donnait au marbre un ton chaud). Si douces sont les transitions fondantes du clair-obscur, si noble est le doux modelé du visage, qu'on rappelle involontairement les délices des poètes grecs : ces sculptures respirent vraiment, elles sont vraiment vivantes*. Dans la sculpture de la première moitié du siècle, quand il y avait des guerres avec les Perses, un style courageux et strict prévalait. Puis un groupe statuaire de tyrannicides a été créé : un mari mûr et un jeune homme, debout côte à côte, font un mouvement impulsif vers l'avant, le plus jeune lève l'épée, le plus âgé la protège d'un manteau. Il s'agit d'un monument aux personnages historiques - Harmodius et Aristogeiton, qui ont tué le tyran athénien Hipparque quelques décennies plus tôt - le premier monument politique de l'art grec. En même temps, il exprime l'esprit héroïque de résistance et d'amour de la liberté qui a éclaté à l'époque des guerres gréco-perses. "Ils ne sont pas esclaves des mortels, ils ne sont soumis à personne", disent les Athéniens dans la tragédie d'Eschyle "Perses". Batailles, escarmouches, exploits de héros... L'art des premiers classiques regorge de ces intrigues guerrières. Sur les frontons du temple d'Athéna à Égine - la lutte des Grecs avec les Troyens. Sur le fronton ouest du temple de Zeus à Olympie - la lutte des Lapithes avec les centaures, sur les métopes - les douze travaux d'Hercule. Un autre complexe de motifs préféré est les compétitions de gymnastique; en ces temps lointains, la forme physique, la maîtrise des mouvements du corps étaient d'une importance décisive pour l'issue des combats, de sorte que les jeux sportifs étaient loin d'être un simple divertissement. Les thèmes du corps à corps, des compétitions équestres, des compétitions de course à pied, du lancer du disque ont appris aux sculpteurs à représenter le corps humain en dynamique. La raideur archaïque des figures est surmontée. Maintenant, ils agissent, bougent ; des poses complexes, des angles audacieux et des gestes rapides apparaissent. L'innovateur le plus brillant était le sculpteur attique Myron. La tâche principale de Miron était d'exprimer le mouvement aussi complètement et fortement que possible. Le métal ne permet pas un travail aussi précis et fin que le marbre, et c'est peut-être pour cela qu'il s'est tourné vers la recherche du rythme du mouvement. L'équilibre, le majestueux « ethos », est conservé dans la sculpture classique d'un style strict. Le mouvement des personnages n'est ni chaotique, ni trop excité, ni trop rapide. Même dans les motifs dynamiques d'un combat, courir, tomber, le sentiment de "calme olympique", la complétude plastique intégrale, l'auto-isolement n'est pas perdu.

Athéna, qu'il fit sur ordre de Platées et qui coûta très cher à cette ville, renforça la renommée du jeune sculpteur. Une statue colossale de la patronne Athéna lui a été commandée pour l'Acropole. Il atteignait 60 pieds de hauteur et dépassait tous les édifices voisins ; de loin, de la mer, elle brillait comme une étoile d'or et régnait sur toute la ville. Il n'était pas acrolithique (composite), comme Platéen, mais tout coulé en bronze. Une autre statue de l'Acropole, Athéna la Vierge, réalisée pour le Parthénon, était composée d'or et d'ivoire. Athéna était représentée en costume de combat, dans un casque doré avec un sphinx en haut-relief et des vautours sur les côtés. Dans une main, elle tenait une lance, dans l'autre une figure de victoire. A ses pieds se trouvait un serpent, le gardien de l'Acropole. Cette statue est considérée comme la meilleure assurance de Phidias après son Zeus. Il a servi d'original pour d'innombrables copies. Mais le sommet de la perfection de toutes les œuvres de Phidias est considéré comme son Zeus olympien. Ce fut la plus grande œuvre de sa vie : les Grecs eux-mêmes lui donnèrent la palme. Il a fait une impression irrésistible sur ses contemporains.

Zeus était représenté sur un trône. Dans une main, il tenait un sceptre, dans l'autre - l'image de la victoire. Le corps était en ivoire, les cheveux étaient dorés, le manteau était doré, émaillé. La composition du trône comprenait de l'ébène, des os et des pierres précieuses. Les murs entre les jambes ont été peints par le cousin de Phidias, Panen ; le pied du trône était une merveille de sculpture. L'admiration des Grecs pour la beauté et la sage structure du corps vivant était si grande qu'ils n'y pensaient esthétiquement que dans la complétude et l'exhaustivité statuaires, permettant d'apprécier la majesté de la posture, l'harmonie des mouvements du corps. Mais encore, l'expressivité n'était pas tant dans les expressions faciales que dans les mouvements du corps. En regardant la moira mystérieusement sereine du Parthénon, la rapide et fringante Nika dénouant sa sandale, on oublie presque que leurs têtes ont été abattues tant la plasticité de leurs figures est si éloquente.

En effet, les corps des statues grecques sont exceptionnellement inspirés. Le sculpteur français Rodin a dit de l'un d'eux : "Ce jeune torse sans tête sourit plus joyeusement à la lumière et au printemps que les yeux et les lèvres ne pourraient le faire." Les mouvements et postures sont dans la plupart des cas simples, naturels et pas forcément associés à quelque chose de sublime. Les têtes des statues grecques sont, en règle générale, impersonnelles, c'est-à-dire peu individualisées, ramenées à quelques variantes du type général, mais ce type général a une grande capacité spirituelle. Dans le type de visage grec, l'idée d '"humain" triomphe dans sa idéal. Le visage est divisé en trois parties de longueur égale : le front, le nez et la partie inférieure. Ovale correct et doux. La ligne droite du nez prolonge la ligne du front et forme une perpendiculaire à la ligne tracée du début du nez à l'ouverture de l'oreille (angle facial droit). Section oblongue des yeux assez enfoncés. Une petite bouche, des lèvres pleines et bombées, la lèvre supérieure est plus fine que l'inférieure et présente un beau décolleté lisse en arc de cupidon. Le menton est large et rond. Les cheveux ondulés s'adaptent doucement et étroitement à la tête, sans interférer avec la forme arrondie du crâne. Cette beauté classique peut sembler monotone, mais, étant une "image naturelle expressive de l'esprit", elle se prête à la variation et est capable d'incarner divers types de l'idéal ancien. Un peu plus d'énergie dans l'entrepôt des lèvres, dans le menton saillant - nous avons devant nous une Athéna vierge stricte. Il y a plus de douceur dans les contours des joues, les lèvres sont légèrement entrouvertes, les orbites sont ombrées - nous avons devant nous le visage sensuel d'Aphrodite. L'ovale du visage est plus proche d'un carré, le cou est plus épais, les lèvres sont plus grandes - c'est déjà l'image d'un jeune athlète. Et la base reste le même look classique strictement proportionnel.

Après la guerre .... La posture caractéristique d'un personnage debout change. À l'époque archaïque, les statues se tenaient complètement droites, de face. Un classique mature les revitalise et les anime avec des mouvements équilibrés et fluides, en maintenant l'équilibre et la stabilité. Et les statues de Praxitèle - le satyre au repos, Apollon Saurokton - s'appuient avec une grâce paresseuse sur des piliers, sans elles elles devraient tomber. La hanche d'un côté est très fortement cambrée, et l'épaule est abaissée vers la hanche - Rodin compare cette position du corps à celle d'un harmonica, lorsque le soufflet est comprimé d'un côté et écarté de l'autre. Pour l'équilibre, un support externe est nécessaire. C'est la pose de la relaxation rêveuse. Praxitèle suit les traditions de Polykleitos, utilise les motifs de mouvements trouvés par lui, mais les développe de telle manière qu'un contenu intérieur différent transparaît déjà en eux. "L'Amazone blessée" Polikletai s'appuie également sur une demi-colonne, mais elle pourrait se tenir debout sans elle, son corps fort et énergique, même souffrant d'une blessure, se tient fermement sur le sol. Apollon de Praxitèle n'est pas frappé par une flèche, il vise lui-même un lézard courant le long d'un tronc d'arbre - l'action, semble-t-il, nécessite un sang-froid volontaire, néanmoins, son corps est instable, comme une tige qui se balance. Et ce n'est pas un détail accidentel, pas un caprice du sculpteur, mais une sorte de nouveau canon dans lequel s'exprime la vision modifiée du monde. Cependant, non seulement la nature des mouvements et des postures a changé dans la sculpture du 4ème siècle avant JC. e. Le cercle des sujets de prédilection de Praxitèle devient différent, il s'éloigne des intrigues héroïques dans le "monde de lumière d'Aphrodite et d'Eros". Il a sculpté la célèbre statue d'Aphrodite de Cnide. Praxitèle et les artistes de son entourage n'aiment pas représenter les torses musclés des athlètes, ils sont attirés par la beauté délicate du corps féminin aux volumes souples et fluides. Ils ont préféré le type de jeunesse, - se distinguant par "la première jeunesse à la beauté efféminée". Praxitèle était célèbre pour la douceur particulière du modelage et l'habileté du traitement du matériau, la capacité de transmettre la chaleur d'un corps vivant dans le marbre froid2.

Le seul original survivant de Praxitèle est la statue en marbre d'Hermès avec Dionysos, trouvée à Olympie. Hermès nu, appuyé sur un tronc d'arbre, où son manteau a été jeté avec désinvolture, tient le petit Dionysos sur un bras plié, et dans l'autre une grappe de raisin, à laquelle un enfant tend la main (la main tenant les raisins est perdue). Tout le charme du traitement pictural du marbre est dans cette statue, en particulier dans la tête d'Hermès : les transitions de la lumière et de l'ombre, le « sfumato » (brume) le plus subtil, que, bien des siècles plus tard, Léonard de Vinci réalise en peinture. Toutes les autres œuvres du maître ne sont connues que par des références à des auteurs anciens et des copies ultérieures. Mais l'esprit de l'art de Praxitèle flotte au cours du 4ème siècle avant JC. e., et surtout, cela ne se fait pas sentir dans des copies romaines, mais dans de petits plastiques grecs, dans des figurines en argile de Tanagra. Ils étaient produits à la fin du siècle en grande quantité, c'était une sorte de production de masse avec le centre principal à Tanagra. (Une très bonne collection d'entre eux est conservée à l'Ermitage de Leningrad.) Certaines figurines reproduisent les grandes statues bien connues, d'autres donnent simplement diverses variations libres de la figure féminine drapée. La grâce vivante de ces figures, rêveuses, réfléchies, ludiques, fait écho à l'art de Praxitèle.

1.4 Sculpture de la Grèce hellénistique

Le concept même d'« hellénisme » contient une indication indirecte de la victoire du principe hellénique. Même dans les régions reculées du monde hellénistique, en Bactriane et en Parthie (l'actuelle Asie centrale), des formes d'art antiques apparaissent d'une manière particulière. Et l'Egypte est difficilement reconnaissable, sa ville nouvelle d'Alexandrie est déjà un véritable foyer éclairé de la culture antique, où fleurissent les sciences exactes, les humanités et les écoles philosophiques, issues de Pythagore et de Platon. L'Alexandrie hellénistique a donné au monde le grand mathématicien et physicien Archimède, le géomètre Euclide, Aristarque de Samos, qui, dix-huit siècles avant Copernic, a prouvé que la Terre tourne autour du Soleil. célèbres armoires Bibliothèque d'Alexandrie, marqué de lettres grecques, de l'alpha à l'oméga, a conservé des centaines de milliers de rouleaux - "des écrits qui ont brillé dans tous les domaines de la connaissance". Là s'élevait le phare grandiose de Pharos, classé parmi les sept merveilles du monde ; Museyon y a été créé, le palais des muses - le prototype de tous les futurs musées. Comparée à cette ville portuaire riche et opulente, capitale de l'Égypte ptolémaïque, ville de la métropole grecque, même Athènes devait paraître modeste. Mais ces petites villes modestes étaient les principales sources des trésors culturels qu'Alexandrie gardait et vénérait, ces traditions qui continuaient d'être suivies. Si la science hellénistique doit beaucoup à l'héritage de l'Orient ancien, les arts plastiques ont conservé un caractère majoritairement grec.

Les grands principes de formation sont venus des classiques grecs, le contenu est devenu différent. Il y avait une démarcation décisive de la vie publique et privée. Dans les monarchies hellénistiques, le culte du souverain unique, assimilé à une divinité, est établi, à l'instar de ce qu'il était dans les anciens despotismes orientaux. Mais la ressemblance est relative : la « personne privée », que les orages politiques n'atteignent pas ou peu, est loin d'être aussi impersonnelle que dans les anciens États orientaux. Il a sa propre vie : c'est un commerçant, c'est un entrepreneur, c'est un fonctionnaire, c'est un scientifique. De plus, il est souvent d'origine grecque - après les conquêtes d'Alexandre, la migration massive des Grecs vers l'est a commencé - il n'est pas étranger aux concepts de dignité humaine, évoqués par la culture grecque. Qu'il soit éloigné du pouvoir et des affaires publiques - son monde privé isolé exige et trouve pour lui-même une expression artistique, dont la base sont les traditions des classiques grecs tardifs, retravaillées dans l'esprit d'une plus grande intimité et genre. Et dans l'art de «l'État», officiel, dans les grands bâtiments et monuments publics, les mêmes traditions sont traitées, au contraire, dans le sens de la pompe.

Le faste et l'intimité sont des traits opposés ; L'art hellénistique est plein de contrastes - gigantesque et miniature, cérémoniel et domestique, allégorique et naturel. Le monde est devenu plus complexe, les exigences esthétiques plus diversifiées. La tendance principale est un départ d'un type humain généralisé vers une compréhension de la personne comme un être concret et individuel, et donc l'attention croissante à sa psychologie, l'intérêt pour les événements et une nouvelle vigilance aux signes nationaux, d'âge, sociaux et autres. de personnalité. Mais puisque tout cela a été exprimé dans un langage hérité des classiques, qui ne s'est pas fixé de telles tâches, un certain inorganisme se fait sentir dans les œuvres novatrices de l'époque hellénistique, elles n'atteignent pas l'intégrité et l'harmonie de leurs grands précurseurs. La tête de portrait de la statue héroïsée du Diadoque ne correspond pas à son torse nu, qui répète le type d'un athlète classique. Le drame du groupe sculptural à plusieurs figures "Farnese Bull" est contredit par la représentativité "classique" des personnages, leurs poses et leurs mouvements sont trop beaux et lisses pour être crus à la vérité de leurs expériences. Dans de nombreuses sculptures de parc et de chambre, les traditions de Praxitèle se réduisent : Eros, « le dieu grand et puissant », se transforme en Cupidon enjoué et espiègle ; Apollo - dans Apollono coquettement choyé; renforcer le genre ne va pas à leur avantage. Et les fameuses statues hellénistiques de vieilles femmes portant des provisions, de vieille femme ivre, de vieux pêcheur au corps flasque n'ont pas le pouvoir de généralisation figurative ; l'art maîtrise ces types, nouveaux pour lui, extérieurement, sans pénétrer dans les profondeurs - après tout, l'héritage classique ne leur a pas donné de clé. La statue d'Aphrodite, traditionnellement appelée la Vénus de Milo, a été découverte en 1820 sur l'île de Melos et a immédiatement acquis une renommée mondiale en tant que création parfaite de l'art grec. Cette haute appréciation n'a pas été ébranlée par de nombreuses découvertes ultérieures d'originaux grecs - Aphrodite de Milos occupe une place particulière parmi eux. Exécuté, apparemment, au IIe siècle av. e. (du sculpteur Agésandre ou Alexandre, comme le dit l'inscription à demi effacée sur le socle), elle ressemble peu à ses statues contemporaines représentant la déesse de l'amour. Les Aphrodites hellénistiques montaient le plus souvent au type d'Aphrodite de Cnide Praxitèle, la rendant sensuellement séduisante, voire légèrement mièvre; telle est, par exemple, la célèbre Aphrodite de Médicée. Aphrodite de Milos, seulement à moitié nue, drapée jusqu'aux hanches, est stricte et sublimement calme. Elle n'incarne pas tant l'idéal de la beauté féminine, mais l'idéal d'une personne dans un sens général et supérieur. L'écrivain russe Gleb Uspensky a trouvé une bonne expression : l'idéal d'un « homme redressé ». La statue est bien conservée, mais ses bras sont cassés. Beaucoup de spéculations ont été faites sur ce que faisaient ces mains : la déesse tenait-elle une pomme ? ou un miroir? ou a-t-elle tenu le bord de son vêtement ? Une reconstruction convaincante n'a pas été trouvée, en fait, il n'y en a pas besoin. La "manipulation" d'Aphrodite de Milo est devenue au fil du temps, pour ainsi dire, son attribut, elle n'interfère en rien avec sa beauté et renforce même l'impression de majesté de la figure. Et comme pas une seule statue grecque intacte n'a été conservée, c'est dans cet état partiellement endommagé qu'Aphrodite nous apparaît, telle une « énigme de marbre », conçue par l'Antiquité, comme un symbole de la lointaine Hellas.

Un autre monument remarquable de l'hellénisme (parmi ceux qui nous sont parvenus, et combien ont disparu !) est l'autel de Zeus à Pergame. L'école de Pergame plus que d'autres gravitait autour du pathétique et du drame, poursuivant les traditions de Scopas. Ses artistes n'ont pas toujours eu recours à des sujets mythologiques, comme c'était le cas à l'époque classique. Sur la place de l'Acropole de Pergame, il y avait des groupes sculpturaux qui ont immortalisé un véritable événement historique - la victoire sur les "barbares", les tribus gauloises qui ont assiégé le royaume de Pergame. Pleins d'expression et de dynamisme, ces groupes se distinguent aussi par le fait que les artistes rendent hommage aux vaincus, les montrant à la fois vaillants et souffrants. Ils représentent un Gaulois tuant sa femme et lui-même pour éviter la captivité et l'esclavage ; représentent un Gaulois mortellement blessé, allongé sur le sol, la tête basse. Il ressort immédiatement de son visage et de sa silhouette qu'il est un "barbare", un étranger, mais il meurt d'une mort héroïque, et cela se voit. Dans leur art, les Grecs n'allaient pas jusqu'à humilier leurs adversaires ; cette caractéristique de l'humanisme éthique apparaît avec une clarté particulière lorsque les adversaires - les Gaulois - sont représentés de manière réaliste. Après les campagnes d'Alexandre, en général, beaucoup de choses ont changé par rapport aux étrangers. Comme l'écrit Plutarque, Alexandre se considérait comme le réconciliateur de l'univers, "faisant boire tout le monde... à la même coupe d'amitié et mêlant vies, morales, mariages et formes de vie". La morale et les formes de vie, ainsi que les formes de religion, ont vraiment commencé à se mélanger à l'ère de l'hellénisme, mais l'amitié n'a pas régné et la paix n'est pas venue, la discorde et la guerre n'ont pas cessé. Les guerres de Pergame avec les Gaules n'en sont qu'un des épisodes. Quand enfin la victoire sur les Gaulois fut enfin remportée, en son honneur, l'autel de Zeus fut érigé, achevé en 180 av. e. Cette fois, la guerre à long terme avec les "barbares" est apparue comme une gigantomachie - la lutte des dieux olympiques avec les géants. Selon un mythe ancien, des géants - des géants qui vivaient loin à l'ouest, les fils de Gaïa (Terre) et d'Uranus (Ciel) - se sont rebellés contre les Olympiens, mais ont été vaincus par eux après une bataille féroce et enterrés sous des volcans, dans le entrailles profondes de la terre mère, de là, ils se rappellent les éruptions volcaniques et les tremblements de terre. Une grandiose frise de marbre, d'environ 120 mètres de long, réalisée dans la technique du haut-relief, ceinturait la base de l'autel. Les vestiges de cette structure ont été fouillés dans les années 1870; grâce au travail minutieux des restaurateurs, il a été possible de relier des milliers de fragments et d'obtenir une image assez complète de la composition globale de la frise. Des corps puissants s'entassent, s'entremêlent, comme une boule de serpents, des géants vaincus sont tourmentés par des lions à crinière hirsute, des chiens se creusent les dents, des chevaux piétinent, mais les géants se battent avec acharnement, leur chef Porfirion ne recule pas devant Zeus le Tonnerre. La mère des géants, Gaia, demande grâce à ses fils, mais elle n'est pas écoutée. La bataille est terrible. Il y a quelque chose qui préfigure Michel-Ange dans les angles tendus des corps, dans leur puissance titanesque et leur pathos tragique. Bien que les batailles et les escarmouches aient été un thème fréquent dans les anciens reliefs depuis l'archaïque, ils n'ont jamais été représentés tels qu'ils sont sur l'autel de Pergame - avec un sens aussi frissonnant de cataclysme, de batailles de vie ou de mort, où toutes les forces cosmiques , tous les démons sont impliqués, la terre et le ciel. La structure de la composition a changé, elle a perdu sa clarté classique, elle est devenue tourbillonnante, déroutante. Rappelons-nous les figures de Scopas sur le relief du mausolée d'Halicarnasse. Ils, avec tout leur dynamisme, sont situés dans le même plan spatial, ils sont séparés par des intervalles rythmiques, chaque figure a une certaine indépendance, les masses et l'espace sont équilibrés. La frise de Pergame est différente - ceux qui se battent étroitement ici, la masse a supprimé l'espace, et toutes les figures sont tellement entrelacées qu'elles forment un désordre turbulent de corps. Et les corps sont toujours d'une beauté classique, «des figures parfois radieuses, parfois formidables, vivantes, mortes, triomphantes, périssantes», comme l'a dit à leur sujet I. S. Tourgueniev *. Beaux Olympiens, beaux et leurs ennemis. Mais l'harmonie de l'esprit fluctue. Visages déformés par la souffrance, ombres profondes dans les orbites des yeux, cheveux serpentins... Les Olympiens triomphent encore des forces des éléments souterrains, mais cette victoire n'est pas pour longtemps - les principes élémentaires menacent de faire exploser un harmonieux, harmonieux monde. De même que l'art de l'archaïque grec ne doit pas être évalué seulement comme les premiers précurseurs des classiques, et L'art hellénistique dans son ensemble ne peut être considéré comme un écho tardif des classiques, sous-estimant le fondamentalement nouveau qu'il apportait. Cette nouveauté était associée à l'élargissement des horizons de l'art et à son intérêt curieux pour la personne humaine et les conditions spécifiques et réelles de sa vie. D'où, tout d'abord, le développement du portrait, du portrait individuel, qui était presque inconnu des grands classiques, et les classiques tardifs n'en étaient qu'à la périphérie. Les artistes hellénistiques, réalisant même des portraits de personnes disparues depuis longtemps, leur ont donné une interprétation psychologique et ont cherché à révéler le caractère unique de l'apparence extérieure et intérieure. Pas des contemporains, mais des descendants nous ont laissé les visages de Socrate, d'Aristote, d'Euripide, de Démosthène et même du légendaire Homère, un conteur aveugle inspiré. Le portrait d'un vieux philosophe inconnu est étonnant par son réalisme et son expression - apparemment, un polémiste passionné irréconciliable, dont le visage ridé aux traits pointus n'a rien à voir avec le type classique. Auparavant, il était considéré comme un portrait de Sénèque, mais le célèbre stoïcien a vécu plus tard que ce buste en bronze a été sculpté.

Pour la première fois, un enfant avec toutes les caractéristiques anatomiques de l'enfance et avec tout le charme qui lui est inhérent devient le sujet de la chirurgie plastique. À l'époque classique, les jeunes enfants étaient représentés, voire pas du tout, comme des adultes miniatures. Même à Praxitèle, dans le groupe Hermès avec Dionysos, Dionysos ressemble peu à un bébé dans son anatomie et ses proportions. Il semble que ce n'est que maintenant qu'ils ont remarqué que l'enfant est une créature très spéciale, fringante et rusée, avec ses propres habitudes particulières ; remarqué et tellement captivé par lui que le dieu même de l'amour Eros a commencé à être représenté comme un enfant, jetant les bases d'une tradition qui s'est établie pendant des siècles. Les enfants potelés et bouclés des sculpteurs hellénistiques sont occupés à toutes sortes de tours: ils chevauchent un dauphin, jouent du violon avec des oiseaux, voire étranglent des serpents (c'est le petit Hercule). La statue d'un garçon combattant une oie était particulièrement populaire. De telles statues étaient placées dans des parcs, constituaient la décoration de fontaines, étaient placées dans les sanctuaires d'Asclépios, le dieu de la guérison, et étaient parfois utilisées pour les pierres tombales.

Conclusion

Nous avons examiné la sculpture de la Grèce antique pendant toute la période de son développement. Nous avons vu tout le processus de sa formation, de son épanouissement et de son déclin - toute la transition des formes archaïques strictes, statiques et idéalisées à travers l'harmonie équilibrée de la sculpture classique au psychologisme dramatique des statues hellénistiques. La sculpture de la Grèce antique a été à juste titre considérée comme un modèle, un idéal, un canon pendant de nombreux siècles, et maintenant elle ne cesse d'être reconnue comme un chef-d'œuvre des classiques mondiaux. Rien de tel n'a été réalisé avant ou depuis. Toute sculpture moderne peut être considérée, à un degré ou à un autre, comme une continuation des traditions de la Grèce antique. La sculpture de la Grèce antique dans son développement a emprunté un chemin difficile, ouvrant la voie au développement de l'art plastique des époques ultérieures dans divers pays. Plus tard, les traditions de la sculpture grecque antique se sont enrichies de nouveaux développements et réalisations, tandis que les anciens canons ont servi de base nécessaire, de base au développement de l'art plastique à toutes les époques ultérieures.

La sculpture de la Grèce antique occupait une place importante dans l'art grec ancien et était la plus haute réalisation de la culture du monde antique.

La sculpture grecque antique dans toutes ses manifestations est toujours restée profondément anthropocentrique, exprimant la religiosité et le monde spirituel d'une personne ou d'un acte sacré que le sculpteur tentait de capturer et de transmettre.

La plupart des sculptures ont été réalisées pour être offertes à des sanctuaires ou comme monuments funéraires. La particularité de l'art grec était que le maître, créant des œuvres, essayait de transmettre la beauté et la perfection du corps humain.

Dans les formes des premières statues, on tente d'équilibrer la divinité et l'homme, dans l'expression de leurs émotions. La sculpture de la Grèce antique a atteint sa plus haute floraison au 5ème siècle avant JC. e, tandis que l'origine de la sculpture de la Grèce antique peut être attribuée aux XII-VIII siècles av. e.

Au départ, les artisans grecs utilisaient des matériaux souples dans leur travail - bois et calcaire poreux, puis marbre. La fonte du bronze fut la première à être utilisée par les maîtres de l'île de Samos.

Les figurines de l'époque homérique représentaient des dieux ou des héros ; chez les maîtres, l'intérêt pour la plasticité du corps n'est qu'ébauché.

Pendant la période archaïque sculpture de la Grèce antique, acquiert un sourire archaïque, tournant de plus en plus les visages des sculptures pour prendre l'image d'une personne, le corps acquiert un équilibre harmonieux des formes. Les hommes étaient représentés nus, tandis que la femme était vêtue.

A cette époque, dans l'art sculptural de la Grèce antique, les kouros étaient très répandus - les jeunes garçons, principalement destinés aux rituels commémoratifs. Les maîtres ont dépeint les kuros comme retenus, avec une bonne posture, un sourire, les poings serrés, la coiffure kuros ressemblait à une perruque. L'une des sculptures de kouros les plus célèbres est "Kouros de Tenea" (κούρος της Τενέας). La sculpture a été trouvée près de Corinthe, à Tenea, dans le temple d'Apollon. Maintenant, il est conservé au Musée de Munich.

Jeunes filles ou kors, les Grecs représentés en habits traditionnels, en tunique ou peplos. Kora (κόρη) - un type spécifique de statue avec des formes féminines de l'époque archaïque, à savoir de la seconde moitié du 7ème siècle avant JC. Une coiffure riche, des bijoux à la mode et des ornements colorés de vêtements - c'est ainsi que les sculpteurs de la Grèce antique les ont représentés.

L'âge classique est ce que nous appelons la période qui commence en 480 av. et se termine en 323 av. J.-C., c'est-à-dire de la fin des guerres gréco-perses à la mort d'Alexandre le Grand. Au cours de cette période il y a eu d'importants changements sociaux et des innovations parallèles dans la sculpture de la Grèce antique. Les anciens Grecs concentrent leur attention sur la transmission de l'esprit et de la passion. Les artistes étudient le langage corporel pour révéler leurs pensées les plus intimes, pour montrer le mouvement du corps : le placement des membres, de la tête et de la poitrine.

La première statue, qui représente essentiellement la fin d'une époque et le début d'une autre, est le "Garçon de Critias" (Κριτίου παίς), conservé au Musée de l'Acropole. Cette statue d'un adolescent nu de 1,67 m de haut est l'un des exemples les plus beaux et les plus parfaits de l'art classique ancien. La sculpture allie mouvement, plasticité, la gravité apparaît dans l'expression du visage.

Au début de la période classique, sculpture célèbre conducteur de char (conducteur de char), conservé au musée de Delphes. La statue d'un jeune homme est en bronze, a une hauteur de 1,8 m, vêtu d'un chiton à manches, montre le bras musclé du jeune homme, dans sa main il tient des fragments des rênes. Le drapé des plis sur les vêtements, qui correspondent aux mouvements, est bien transmis.

Dans 450-420 ans. avant JC e. période classique, la sculpture de la Grèce antique est modifiée. Maintenant les sculptures ont plus de douceur, de plasticité et de maturité. Les caractéristiques de l'art classique étaient représentées par Phidias dans les sculptures du Parthénon.

A cette époque, d'autres sculpteurs de valeur apparaissent : Agoracritos, Alkamen, Kolot, qui étaient experts dans la fabrication de statues d'or et d'ivoire. Callimaque, fut l'un des inventeurs de l'ordre corinthien, Policlet, qui représentait des athlètes, fut le premier à écrire un texte théorique sur la sculpture, et d'autres.

À la fin de la période classique, dans la sculpture de la Grèce antique, il y a des tendances dans l'étude de la forme humaine dans l'espace tridimensionnel, il y a plus de beauté sensuelle et de drame.

Les grands sculpteurs de cette époque sont : Kefisodot (« Eirène avec un bébé dans les bras »), Πρaxiteles, qui créa la jeunesse de Marathon et Aphrodite de Cnide, Ephranor, Silanion, Leocharus, Skopas et Lysippus, les derniers sculpteurs du classique tardif. période qui a ouvert la voie à l'ère de l'art hellénistique.

L'époque hellénistique dans la sculpture de la Grèce antique s'est traduite par une interprétation plus différenciée des formes plastiques, la complication des angles et des moindres détails. La sculpture monumentale se développe, d'immenses compositions en relief, des groupes multifigurés, des reliefs apparaissent, qui font partie intégrante de l'expression de l'art sculptural, la petite plasticité est compliquée par la vitalité des images.

Les œuvres les plus célèbres de cette époque : Nika de Samothrace de Pythokrit, haute de 3,28 m, Vénus de Milo, haute de 2,02 m, réalisée par le sculpteur Alexandre d'Antioche, est conservée au Louvre, Laocoon et ses fils par les sculpteurs rhodes Agesander de Rhodes , Polydore et Athénodore, est situé au Vatican.

• Étapes de développement de la sculpture grecque antique:

• Archaïque

• Classique

• Hellénisme

ÉCORCE(du grec kore - fille),

• ÉCORCE(du grec kore - fille),

• 1) chez les anciens Grecs, le nom culte de la déesse Perséphone.

• 2) Dans l'art grec ancien, une statue d'une jeune fille debout vêtue de longues robes.

• KOUROS- dans l'art du grec ancien archaïque

• - une statue d'un jeune athlète (généralement nu).

Kouros

Sculptures de kouros

• La hauteur de la statue peut atteindre 3 mètres;

• Incarnait l'idéal de la beauté masculine,

• force et santé;

• La figure d'un jeune homme debout avec

• jambe en avant, mains jointes

• en poings et étendus le long du corps.

• Les visages manquent d'individualité ;

• Exposés dans des lieux publics

• près des temples;

Écorce

Sculptures kor

• Sophistication et sophistication incarnées ;

• Les postures sont monotones et statiques ;

• Chitons et capes aux beaux motifs de

• des lignes ondulées parallèles et une bordure le long

• bords;

• Cheveux bouclés en boucles et interceptés

• diadèmes.

• Sur le visage d'un mystérieux sourire

• 1. Un hymne à la grandeur et à la puissance spirituelle de l'Homme ;

• 2. Image préférée - un jeune homme élancé au physique athlétique;

• 3. Les apparences spirituelles et physiques sont harmonieuses, il n'y a rien de superflu, "rien de démesuré".

Sculpteur Polikleitos. Doryphore (Ve siècle av. J.-C.)

• chiasme,

• en image

• image artistique

• homme debout

• chiffres basés sur

• une jambe : dans ce cas, si

• épaule droite relevée

• la cuisse droite est tombante, et

• vice versa.

Proportions idéales du corps humain :

• La tête fait 1/7 de la hauteur totale ;

• Visage et mains 1/10 partie

• Pied - 1/6 partie

Sculpteur Miron. Lanceur de disque. (Ve siècle av. J.-C.)

• La première tentative de la sculpture grecque pour briser la captivité de l'immobilité. Le mouvement n'est transmis que lorsque l'on considère la figure de face. Vue de côté, la posture de l'athlète est perçue comme quelque peu étrange et l'expression du mouvement est très difficilement devinée.

4ème siècle AVANT JC.

• 4ème siècle AVANT JC.

• 1. Efforcé pour le transfert de l'action vigoureuse ;

• 2. Ils ont transmis les sentiments et les expériences d'une personne :

• - la passion

• - tristesse

• - rêverie

• - tomber amoureux

• - fureur

• - désespoir

• - Souffrance

• - douleur

Scopas (420-355 av. J.-C.)

• Scopas.

• Ménade. 4e s. AVANT JC. Scopas.

• Tête d'un guerrier blessé.

Scopas.

• Scopas.

• Bataille des Grecs contre les Amazones .

• Détail du relief du mausolée d'Halicarnasse.

Praxitèle (390 -330 av. J.-C.)

• Entré dans l'histoire de la sculpture comme

• chanteuse de beauté inspirante.

• Selon la légende, Praxitèle aurait créé deux

• statues d'Aphrodite, représentant sur une

• l'un d'eux une déesse habillée, et dans l'autre -

• nu. Aphrodite en vêtements

• acquis par les habitants de l'île de Kos, et

• Nu a été monté sur

• l'une des places principales de l'île

• Cnide, d'où de toutes les parties de la Grèce

• les fans ont commencé à affluer

• la célèbre œuvre du sculpteur,

• rehaussant la gloire de la ville.

Lysippe.

• Lysippe.

• Tête d'Alexandre

• Macédonien Vers 330 av.

Lysippe.

• Lysippe.

• "Hermès au repos".

• 2e moitié du IVe s. avant JC e.

Léohar

• Léohar.

• "Apollon du Belvédère".

• Milieu IVe s. avant JC e.

HELLENISME

• HELLENISME, une période de l'histoire des pays de la Méditerranée orientale depuis les campagnes d'Alexandre le Grand (334-323 av. J.-C.) jusqu'à la conquête de ces pays par Rome, qui se termina en 30 av. e. assujettissement de l'Égypte.

• En sculpture :

• 1. Excitation et tension des visages ;

• 2. Un tourbillon de sensations et d'expériences en images ;

• 3. Rêverie des images ;

• 4. Perfection harmonique et solennité

Nike de Samothrace. Début du IIe s. AVANT JC. Louvre, Paris

• A l'heure de mon délire nocturne

• Tu apparais devant mes yeux

• Victoire de Samothrace

• Avec les mains tendues.

• Effrayant le silence de la nuit,

• Donne des vertiges

• Tu es ailé, aveugle,

• Désir irrésistible.

• Dans votre incroyablement lumineux

• voir

• Quelque chose rit, flambe,

• Et nos ombres se précipitent par derrière

• Ne pas pouvoir les rattraper.

Agésandre. Vénus (Aphrodite) de Milo. 120 avant JC Marbre.

Agésandre. « La mort de Laocoon et ses fils ». Marbre. Vers 50 avant JC e.

Mots croisés

Horizontalement : 1. La personne à la tête de la monarchie (nom général des rois, rois, empereurs, etc.). 2. Dans la mythologie grecque : un titan tenant la voûte céleste sur ses épaules en guise de punition pour avoir combattu les dieux. 3. Nom propre du grec. 4. Sculpteur grec ancien, auteur de la "Tête d'Athéna", la statue d'Athéna dans le Parthénon. 5. Dessin ou motif de cailloux multicolores ou de morceaux de verre attachés ensemble. 6. Dans la mythologie grecque : dieu du feu, patron des forgerons. 7. Place du Marché à Athènes. 8. Dans la mythologie grecque : le dieu de la viticulture et de la vinification. 9. Poète grec ancien, auteur des poèmes "Iliade" et "Odyssée". 10. « Un lieu de spectacles », où des tragédies et des comédies ont été mises en scène.

Verticalement : 11. Une personne qui a le don de parler. 12. Péninsule au sud-est de la Grèce centrale, territoire de l'État athénien. 13. Dans la mythologie grecque : créatures marines sous la forme d'un oiseau à tête féminine, attirant les marins en chantant. 14. L'œuvre principale d'Hérodote. 15. Dans la mythologie grecque antique : un géant borgne. 16. Dessiner sur du plâtre humide avec des peintures. 17. Ancien dieu grec du commerce. 18. Auteur de la sculpture "Vénus de Milo" ? 19. Auteur de la sculpture "Apollo Belvedere".