Jakie są cechy starożytnej rzeźby greckiej? Rzeźba Grecji epoki klasyków Główne etapy rozwoju starożytnej rzeźby greckiej

Jakie są cechy starożytnej rzeźby greckiej?

W obliczu sztuki greckiej wiele wybitnych umysłów wyrażało prawdziwy podziw. Jeden z najsłynniejszych badaczy sztuki starożytnej Grecji, Johann Winckelmann (1717-1768) tak mówi o rzeźbie greckiej: „Koneserzy i naśladowcy dzieł greckich odnajdują w swoich mistrzowskich dziełach nie tylko najpiękniejszą przyrodę, ale także coś więcej niż przyrodę, mianowicie jakieś idealne jej piękno, które… powstaje z obrazów naszkicowanych przez umysł. Każdy, kto pisze o sztuce greckiej, zauważa w niej niesamowite połączenie naiwnej bezpośredniości i głębi, rzeczywistości i fikcji. W nim, zwłaszcza w rzeźbie, ucieleśnia się ideał człowieka. Jaka jest natura ideału? W jaki sposób fascynował ludzi tak bardzo, że sędziwy Goethe płakał w Luwrze przed rzeźbą Afrodyty?

Grecy zawsze wierzyli, że tylko w pięknym ciele może żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała, zewnętrzna doskonałość jest niezbędnym warunkiem i podstawą idealnej osoby. Grecki ideał określa się terminem kalokagatiya(gr. kalo- śliczne + Agatos uprzejmy). Ponieważ kalokagatiya obejmuje doskonałość zarówno cielesnej konstytucji, jak i duchowego i moralnego magazynu, to wraz z pięknem i siłą, ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i rozsądek. To właśnie sprawia, że ​​greccy bogowie, wyrzeźbieni przez starożytnych rzeźbiarzy, są wyjątkowo piękni.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_001.shtml Najlepsze zabytki rzeźby antycznej Grecji powstały w V wieku. PNE. Ale przyszło do nas więcej wczesne prace. Posągi z VII-VI wieku BC są symetryczne: jedna połowa ciała jest lustrzanym odbiciem drugiej. Skrępowane postawy, wyciągnięte ramiona przyciśnięte do muskularnego ciała. Nie najmniejsze przechylenie czy obrót głowy, ale usta są rozchylone w uśmiechu. Uśmiech jakby od środka rozświetla rzeźbę wyrazem radości życia.

Później, w okresie klasycyzmu, posągi nabierają większej różnorodności form.

Próbowano algebraicznie pojąć harmonię. Pierwsze naukowe badanie tego, czym jest harmonia, podjął Pitagoras. Założona przez niego szkoła zajmowała się zagadnieniami natury filozoficznej i matematycznej, stosując obliczenia matematyczne do wszystkich aspektów rzeczywistości. Ani harmonia muzyczna, ani harmonia ludzkiego ciała, ani struktury architektonicznej nie były wyjątkiem. Szkoła pitagorejska uważała liczbę za podstawę i początek świata.

Co teoria liczb ma wspólnego ze sztuką grecką? Okazuje się, że jest najbardziej bezpośredni, ponieważ harmonię sfer Wszechświata i harmonię całego świata wyrażają te same stosunki liczb, z których głównymi są stosunki 2/1, 3/2 i 4 /3 (w muzyce są to odpowiednio oktawa, kwinta i kwarta). Ponadto harmonia implikuje możliwość obliczenia dowolnej korelacji części każdego obiektu, w tym rzeźby, zgodnie z następującą proporcją: a / b \u003d b / c, gdzie a to dowolna mniejsza część obiektu, b to dowolna duża część , c to całość. Na tej podstawie wielki grecki rzeźbiarz Polikleitos (V wiek p.n.e.) stworzył rzeźbę młodzieńca dzierżącego włócznię (V wiek p.n.e.), którą nazwał „Dorifor” („Włócznik”) lub „Kanon” – przez imię i nazwisko rzeźbiarza, gdzie omawiając teorię sztuki, rozważa prawa wizerunku osoby doskonałej. Uważa się, że rozumowanie artysty można przypisać jego rzeźbie.

Posągi Polikleta są pełne intensywnego życia. Polikleitos lubił przedstawiać sportowców w spoczynku. Weź tego samego "Włócznika". Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczna reszta starożytnych egipskich posągów. Jak człowiek, który umiejętnie i łatwo kontroluje swoje ciało, włócznik lekko zgiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy – ucieleśnienie ideałów greckich.

W przeciwieństwie do swoich współczesnych Polikleitów, Myron lubił przedstawiać swoje posągi w ruchu. Oto na przykład posąg „Discobolus” (V wiek pne; Thermae Museum Rome). Jej autor, wielki rzeźbiarz Miron, przedstawił pięknego młodzieńca w chwili, gdy wymachiwał ciężkim dyskiem. Jego uchwycone w ruchu ciało jest zgięte i napięte jak sprężyna, która ma się rozwinąć. Wytrenowane mięśnie wybrzuszyły się pod elastyczną skórą odciągniętego ramienia. Palce, tworzące niezawodną podporę, głęboko wciśnięte w piasek. Posągi Myrona i Polikleta zostały odlane z brązu, ale dotarły do ​​nas jedynie marmurowe kopie starożytnych greckich oryginałów wykonane przez Rzymian.

Grecy uważali Fidiasza za największego rzeźbiarza swoich czasów, który ozdobił Partenon marmurową rzeźbą. Jego rzeźby szczególnie odzwierciedlają to, że bogowie w Grecji są niczym innym jak wizerunkami idealnej osoby. Najlepiej zachowana marmurowa wstęga płaskorzeźby fryzu ma długość 160 m. Przedstawia procesję zmierzającą do świątyni bogini Ateny - Partenonu.

Rzeźba Partenonu została poważnie uszkodzona. A „Atena Partenos” zmarła w czasach starożytnych. Stała w świątyni i była niewypowiedzianie piękna. Głowę bogini o niskim, gładkim czole i zaokrąglonym podbródku, szyi i ramionach wykonano z kości słoniowej, a jej włosy, ubrania, tarczę i hełm wybito ze złotych tafli. Bogini w postaci pięknej kobiety jest uosobieniem Aten.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_007.shtmlZ tą rzeźbą związanych jest wiele historii. Stworzone arcydzieło było tak wielkie i sławne, że jego autor od razu miał wielu zazdrosnych ludzi. Próbowali w każdy możliwy sposób zastraszyć rzeźbiarza i szukali różnych powodów, dla których mogliby go o coś oskarżyć. Mówi się, że Fidiasz został oskarżony o ukrycie części złota podanego jako materiał do dekoracji bogini. Na dowód swojej niewinności Fidiasz usunął z rzeźby wszystkie złote przedmioty i zważył je. Waga dokładnie odpowiadała wadze złota nadanego rzeźbie. Następnie Fidiasz został oskarżony o bezbożność. Powodem tego była tarcza Ateny. Przedstawiał fabułę bitwy między Grekami a Amazonkami. Wśród Greków Fidiasz przedstawiał siebie i swojego ukochanego Peryklesa. Obraz Fidiasza na tarczy stał się przyczyną konfliktu. Pomimo wszystkich osiągnięć Fidiasza grecka opinia publiczna była w stanie zwrócić się przeciwko niemu. Życie wielkiego rzeźbiarza zakończyło się okrutną egzekucją.

Osiągnięcia Fidiasza w Partenonie nie były wyczerpujące dla jego pracy. Rzeźbiarz stworzył wiele innych dzieł, z których najlepsze były kolosalna brązowa figura Ateny Promachos, wzniesiona na Akropolu ok. 460 p.n.e. oraz równie wielka figura Zeusa w kości słoniowej i złocie dla świątyni w Olimpii. Niestety nie ma już autentycznych dzieł i nie możemy zobaczyć na własne oczy wspaniałych dzieł sztuki starożytnej Grecji. Pozostały tylko ich opisy i kopie. Pod wieloma względami było to spowodowane fanatycznym niszczeniem posągów przez wierzących chrześcijan.

Tak można opisać posąg Zeusa do świątyni w Olimpii: na złotym tronie siedział ogromny czternastometrowy bóg i wydawało się, że gdyby wstał, wyprostował szerokie ramiona, zrobiłby się stłoczony w bezkresnym hala i sufit byłby niski. Głowę Zeusa ozdobiono wieńcem z gałązek oliwnych - znakiem spokoju budzącego grozę boga. Twarz, ramiona, ramiona, klatka piersiowa zostały wykonane z kości słoniowej, a pelerynę narzucono na lewe ramię. Korona, broda Zeusa były z błyszczącego złota.

Fidiasz obdarzył Zeusa ludzką szlachetnością. Jego przystojna twarz, obramowana kędzierzawą brodą i kręconymi włosami, była nie tylko surowa, ale i miła, postawa była poważna, majestatyczna i spokojna. Połączenie piękna ciała i dobroci duszy podkreślało jego boską idealność. Posąg wywarł takie wrażenie, że według starożytnego autora ludzie przygnębieni żalem szukali ukojenia w kontemplacji stworzenia Fidiasza. Plotka ogłosiła posąg Zeusa jednym z „siedmiu cudów świata”.

Prace wszystkich trzech rzeźbiarzy były podobne w tym, że wszystkie przedstawiały harmonię zawartego w nim pięknego ciała i życzliwej duszy. To był główny trend tamtych czasów.

Oczywiście normy i postawy w sztuce greckiej zmieniały się na przestrzeni dziejów. Sztuka archaiczna była prostsza, brakowało jej pełnego głębokiego znaczenia powściągliwości, która zachwyca ludzkość w okresie klasyków greckich. W epoce hellenizmu, kiedy człowiek tracił poczucie stabilności świata, sztuka traciła dawne ideały. Zaczął odzwierciedlać uczucia niepewności co do przyszłości, które panowały w ówczesnych nurtach społecznych.

Jedno łączyło wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: to, jak pisze M. Alpatov, jest szczególnym upodobaniem do sztuk plastycznych, do sztuk przestrzennych. Takie upodobanie jest zrozumiałe: ogromne zapasy różnorodnego koloru, szlachetnego i idealnego materiału - marmuru - dawały szerokie możliwości jego realizacji. Chociaż większość greckich rzeźb wykonano z brązu, ponieważ marmur był kruchy, to właśnie faktura marmuru, jej barwa i efekt dekoracyjny, pozwoliła z największą wyrazistością oddać piękno ludzkiego ciała. Dlatego najczęściej „ciało ludzkie, jego budowa i giętkość, jego harmonia i elastyczność przyciągały uwagę Greków, chętnie przedstawiali ludzkie ciało zarówno nagie, jak i w jasnych, przezroczystych ubraniach”.

„Sztuka starożytnej Grecji” – Himacjusz. Chiton. Hydria. Dekoracje. Ozdoby. Malowanie czarnofigurowe. Czapki damskie. Amfory. Kratery. Chlamyda. Sztuka starożytnej Grecji. Wieśniacy nosili w większości krótki, swobodnie lejący się chiton z wełny z jednym paskiem na prawym ramieniu - egzomis.Niewolnicy byli zadowoleni z jednej przepaski na biodra.

"Antyczne malarstwo wazonowe" - Antyczne wazony. Style malowania. Przygotowanie szkicu. Włosy. Grecka ceramika. Malowanie historii. Esencja starożytnej sztuki greckiej. Amfora. Pelik. Kilika. Studium ornamentu. Lekitos. Piksyda. Skyfos. Zapytać się. Styl dywanu. Malarstwo ozdobne. Ateny. Odzież starożytnych Greków. Powstanie malarstwa wazowego z czarną postacią.

„Teatr grecki” – teatr grecki. Jednym z najsłynniejszych komediopisarzy był Arystofanes „Świat”. Twórcami są Ajschylos, tragedia „Persowie” i Eurypides, tragedia „Medea”. Fabuła to mity, legendy i ważne wydarzenia historyczne. Tematy dyskusji. Czym jest komedia. Pojawienie się spektakli teatralnych. Czym jest tragedia. Aktorzy byli tylko mężczyznami.

„Architektura starożytnej Grecji” - Fidiasz. Kolumny świątyni Artemidy w Efezie. Mirona. „Atena i Marsjasz”. Posąg Ateny Partenos. Rozkazy greckie. Posąg Zeusa Gromowładcy. Miron „Dyskobol”. Polikleto. „Dorifor”. Świątynia Posejdona w Paestum. Wielki świt. Sanktuarium Ateny Pronaius w Delfach. Architektura i rzeźba starożytnej Grecji. Świątynia Hefajstosa w Atenach.

„Historia teatru starożytnej Grecji” - Pod gołym niebem. Coturny. Struktura sztuki. Szanowni Goście. Urodziny teatru. Pytania do testu. Dytyramby. Każde miasto miało swój teatr. Gatunek muzyczny. Satyr. Aktorzy byli tylko mężczyznami. Uzupełnij utracone informacje. Fabuła. Komedia. Teatr nowoczesny. list na bilecie. Teatr. Teatr starożytnej Grecji.

„Sztuka Grecji” – Rzeźba. Myśliciele różnych epok i kierunków zbiegają się w wysokiej ocenie cywilizacji starożytnej. Starożytni Grecy rozwinęli swoje pismo w oparciu o fenicki. Posejdon. Literatura i sztuka starożytnej Grecji dały impuls do rozwoju kultury europejskiej. Afrodyta. Demostenes /384-322 pne/. Z greki wywodził się także alfabet słowiański.

Łącznie w temacie jest 19 prezentacji

1.1 Rzeźba w starożytnej Grecji. Warunki jej rozwoju

Wśród wszystkich sztuk wizualnych starożytnych cywilizacji, sztuka starożytnej Grecji, w szczególności jej rzeźba, zajmuje bardzo szczególne miejsce. Żywe ciało, zdolne do jakiejkolwiek pracy mięśniowej, Grecy stawiali przede wszystkim. Brak ubrań nikogo nie szokował. Wszystko było traktowane zbyt prosto, by się czegokolwiek wstydzić. A jednocześnie, oczywiście, czystość na tym nie straciła.

1.2 Rzeźba Grecji w epoce archaicznej

Okres archaiczny to okres formowania się starożytnej rzeźby greckiej. Pragnienie rzeźbiarza, aby przekazać piękno idealnego ludzkiego ciała, które w pełni zamanifestowało się w pracach późniejszej epoki, jest już jasne, ale wciąż zbyt trudno było artyście odejść od formy kamiennego bloku , a liczby z tego okresu są zawsze statyczne.

Pierwsze zabytki starożytnej rzeźby greckiej epoki archaicznej determinuje styl geometryczny (VIII wiek). Są to schematyczne figurki znalezione w Atenach, Olimpia , w Beocji. Archaiczna era rzeźby starożytnej Grecji przypada na VII-VI wiek. (wczesny archaiczny - około 650 - 580 pne; wysoki - 580 - 530; późno - 530-500/480). Początek rzeźby monumentalnej w Grecji sięga połowy VII wieku. pne mi. i charakteryzuje się orientalizacją style, z których najważniejszy był dedal, związany z imieniem półmitycznego rzeźbiarza Dedala . Krąg rzeźby „Dedalian” obejmuje posąg Artemidy z Delos i rzeźbę kobiecą z kreteńskiej pracy, przechowywaną w Luwrze („Pani Oxer”). Połowa VII wieku pne mi. datowany i pierwszy kuros . Z tego samego okresu pochodzi pierwsza rzeźbiarska dekoracja świątyni. - płaskorzeźby i posągi z Prinia na Krecie. W przyszłości dekoracja rzeźbiarska swoim projektem – frontonami wypełnia pola wydzielone w świątyni i metopa wŚwiątynia dorycka, ciągły fryz (zophor) - w jońskim. Najwcześniejsze kompozycje frontonów w starożytnej rzeźbie greckiej pochodzą z ateńskiego Akropolu. oraz ze Świątyni Artemidy na wyspie Kerkyra (Korfu). Nagrobki, dedykacje i posągi kultowe są reprezentowane w archaizmie przez rodzaj kouros i kory . Archaiczne płaskorzeźby zdobią podstawy posągów, frontony i metopy świątyń (później okrągła rzeźba zastąpiła płaskorzeźby w frontonach), stele nagrobne . Wśród słynnych zabytków archaicznej rzeźby okrągłej znajduje się głowa Hery, odnaleziona w pobliżu jej świątyni w Olimpii, posąg Kleobisa i Beaton z Delf, Moskhofor („Byk”) z ateńskiego Akropolu, Hera z Samos , posągi z Didymy, Nikka Arherma i inni Ostatni posąg przedstawia archaiczny schemat tzw. W rzeźbie archaicznej przyjmuje się szereg innych konwencji – np. tzw. „uśmiech archaiczny” na twarzach rzeźb archaicznych.

W rzeźbie epoki archaicznej dominują posągi szczupłych, nagich młodzieńców i udrapowanych młodych dziewcząt - kuros i kora. Ani dzieciństwo, ani starość nie przyciągały wówczas uwagi artystów, bo tylko w dojrzałej młodości siły witalne są w rozkwicie i równowadze. Wczesna sztuka grecka tworzy obrazy mężczyzn i kobiet w ich idealnej formie. W tamtej epoce horyzonty duchowe rozszerzyły się niezwykle, człowiek niejako czuł, że stoi twarzą w twarz ze wszechświatem i chce zrozumieć jego harmonię, tajemnicę jego integralności. Szczegóły umknęły, wyobrażenia o specyficznym „mechanizmie” wszechświata były najbardziej fantastyczne, ale patos całości, świadomość uniwersalnego powiązania – na tym polegała siła filozofii, poezji i sztuki archaicznej Grecji*. Tak jak filozofia, wówczas jeszcze bliska poezji, sprytnie odgadła ogólne zasady rozwoju, a poezja - istota ludzkich namiętności, tak plastyka stworzyła uogólniony ludzki wygląd. Spójrzmy na kouros lub, jak się je czasem nazywa, „archaiczne Apollos”. Nie jest tak ważne, czy artysta rzeczywiście zamierzał przedstawić Apollina, czy bohatera, czy sportowca.Mężczyzna jest młody, nagi, a jego czysta nagość nie potrzebuje wstydliwych okładek. Zawsze stoi prosto, jego ciało przesiąknięte jest gotowością do ruchu. Z największą wyrazistością pokazana i podkreślona jest budowa ciała; od razu widać, że długie, umięśnione nogi mogą zginać się w kolanach i biegać, mięśnie brzucha mogą się napinać, klatka piersiowa może puchnąć przy głębokim oddychaniu. Twarz nie wyraża żadnego konkretnego doświadczenia ani indywidualnych cech charakteru, ale kryją się w niej możliwości różnych przeżyć. A warunkowy „uśmiech” – lekko uniesione kąciki ust – to tylko możliwość uśmiechu, nuta radości bycia, tkwiąca w tym, jakby nowo stworzona osoba.

Posągi Kouros powstawały głównie na terenach, gdzie dominował styl dorycki, czyli na terenie Grecji kontynentalnej; posągi kobiece - kora - głównie w Azji Mniejszej i miastach wyspiarskich, ośrodkach stylu jońskiego. Piękne postacie kobiece odnaleziono podczas wykopalisk archaicznego ateńskiego Akropolu, zbudowanego w VI wieku p.n.e. e., kiedy rządził tam Pisistratus i został zniszczony podczas wojny z Persami. Przez dwadzieścia pięć wieków marmurowe skorupy grzebano w „perskich śmieciach”; w końcu zabrano ich stamtąd, na wpół rozbitych, nie tracąc jednak swego niezwykłego uroku. Być może niektóre z nich wykonali mistrzowie jońscy zaproszeni przez Peisistratusa do Aten; ich sztuka wpłynęła na rzeźbę attycką, która teraz łączy cechy doryckiej surowości z jońskim wdziękiem. W korze ateńskiego Akropolu ideał kobiecości wyraża się w jego nieskazitelnej czystości. Uśmiech jest promienny, spojrzenie ufne i jakby radośnie zdumione spektaklem świata, postać jest skromnie udrapowana peplo - welon lub lekka szata - chiton (w epoce archaicznej kobieca postacie, w przeciwieństwie do męskich, nie były jeszcze przedstawiane nago), włosy spływające na ramiona z kręconymi pasmami. Te kora stały na postumentach przed świątynią Ateny, trzymając w dłoni jabłko lub kwiat.

Rzeźby archaiczne (podobnie zresztą jak te klasyczne) nie były tak jednolicie białe, jak je teraz sobie wyobrażamy. Wiele ma ślady farby. Marmurowe włosy dziewcząt były złote, policzki różowe, oczy niebieskie. Na tle bezchmurnego nieba Hellady wszystko to powinno wyglądać bardzo odświętnie, ale jednocześnie surowo, dzięki wyrazistości, opanowaniu i konstruktywności form i sylwetek. Nie było nadmiernej ekstrawagancji i różnorodności. Poszukiwanie racjonalnych podstaw piękna, harmonii opartej na mierze i liczbie, to bardzo ważny moment w estetyce Greków. Filozofowie pitagorejscy starali się uchwycić naturalne relacje liczbowe w muzycznych współbrzmieniach i w układzie ciał niebieskich, wierząc, że harmonia muzyczna odpowiada naturze rzeczy, porządkowi kosmicznemu, „harmonii sfer”. Artyści poszukiwali matematycznie dopasowanych proporcji ciała ludzkiego i „ciała" architektury. Pod tym względem wczesna sztuka grecka różni się zasadniczo od sztuki kreteńsko-mykeńskiej, która jest obca wszelkiej matematyce.

Bardzo żywa scena rodzajowa: Tak więc w epoce archaicznej położono podwaliny starożytnej rzeźby greckiej, kierunki i opcje jej rozwoju. Już wtedy główne cele rzeźby, ideały estetyczne i aspiracje starożytnych Greków były jasne. W późniejszych okresach następuje rozwój i doskonalenie tych ideałów oraz umiejętności starożytnych rzeźbiarzy.

1.3 Klasyczna rzeźba grecka

Okres klasyczny starożytnej rzeźby greckiej przypada na V-IV wiek p.n.e. (wczesny klasyczny lub "ścisły styl" - 500/490 - 460/450 pne; wysoki - 450 - 430/420 pne; "bogaty styl" - 420 - 400/390 pne, późny klasyk - 400/390 - OK. 320 AD pne mi.). Na przełomie dwóch epok - archaicznej i klasycznej - znajduje się dekoracja rzeźbiarska świątyni Ateny Aphaia na wyspie Egina . Rzeźby frontonu zachodniego pochodzą z czasów fundacji świątyni (510 - 500 lat pne pne), rzeźby drugiej wschodniej, w miejsce dawnych, - do wczesnego okresu klasycznego (490 - 480 p.n.e.). Centralnym zabytkiem starożytnej greckiej rzeźby wczesnych klasyków są frontony i metopy świątyni Zeusa w Olimpii (ok. 468 - 456 pne mi.). Kolejne ważne dzieło wczesnych klasyków - tzw. „Tron Ludovisi”, ozdobiony płaskorzeźbami. Z tego okresu pochodzi również wiele oryginałów z brązu - woźnica delficka, posąg Posejdona z Cape Artemisium, brązy z Riace . Najwięksi rzeźbiarze wczesnych klasyków - Pitagoras Rhegian, Calamis i Myron . Twórczość słynnych greckich rzeźbiarzy oceniamy głównie na podstawie świadectw literackich i późniejszych kopii ich dzieł. Wysoka klasyka jest reprezentowana przez imiona Fidiasza i Polikleta . Jej krótkotrwały rozkwit wiąże się z pracami na ateńskim Akropolu, czyli z rzeźbiarską dekoracją Partenonu. (przyszły frontony, metopy i zofory, 447 - 432 pne). Najwyraźniej szczytem starożytnej greckiej rzeźby była chrysoelephantine posągi Ateny Partenos i Zeus Olympus autorstwa Phidiasa (oba nie zachowały się). „Bogaty styl” jest charakterystyczny dla dzieł Kallimacha, Alkamena, Agoracritus i inni rzeźbiarze V wieku. pne e.. Jej charakterystycznymi zabytkami są płaskorzeźby balustrady małej świątyni Nike Apteros na ateńskim Akropolu (ok. 410 pne) oraz szereg stel nagrobnych, wśród których najbardziej znana jest stela Gegeso . Najważniejsze dzieła starożytnej rzeźby greckiej późnej klasyki to dekoracja świątyni Asklepiosa w Epidauros (około 400 - 375 pne), świątynia Ateny Alei w Tegea (ok. 370 - 350 p.n.e.), Świątynia Artemidy w Efezie (ok. 355 - 330 p.n.e.) i Mauzoleum w Halikarnasie (ok. 350 pne), nad dekoracją rzeźbiarską, nad którą pracowali Skopas, Briaxides, Tymoteusz i Leohar . Temu drugiemu przypisuje się również posągi Apolla Belvedere. i Diana z Wersalu . Istnieje również wiele oryginałów z brązu z IV wieku p.n.e. pne mi. Najwięksi rzeźbiarze późnej klasyki to Praxitel, Skopas i Lysippus, w dużej mierze antycypując kolejną erę hellenizmu.

Rzeźba grecka zachowała się częściowo we fragmentach i fragmentach. Większość posągów jest nam znana z kopii rzymskich, które zostały wykonane w wielu, ale nie oddają piękna oryginałów. Kopiści rzymscy spulchniali je i suszyli, a wyroby z brązu zamieniając w marmur, szpecili niezdarnymi rekwizytami. Wielkie postacie Ateny, Afrodyty, Hermesa, Satyra, które teraz widzimy w salach Ermitażu, to tylko blade przeróbki greckich arcydzieł. Mijasz je prawie obojętnie i nagle zatrzymujesz się przed jakąś głową ze złamanym nosem, z uszkodzonym okiem: to grecki oryginał! I niesamowita moc życia nagle unosi się z tego fragmentu; sam marmur jest inny niż w rzymskich posągach - nie martwo biały, ale żółtawy, przezroczysty, świetlisty (Grecy nadal nacierali go woskiem, co nadało marmurowi ciepły odcień). Tak łagodne są rozpływające się przejścia światłocienia, tak szlachetne jest miękkie modelowanie twarzy, że mimowolnie przywołuje się uroki greckich poetów: te rzeźby naprawdę oddychają, naprawdę żyją*. W rzeźbie z pierwszej połowy wieku, kiedy toczyły się wojny z Persami, panował odważny, surowy styl. Powstała wówczas rzeźbiarska grupa tyranobójczych: dojrzały mąż i młody mężczyzna, stojąc obok siebie, wykonują impulsywny ruch do przodu, młodszy unosi miecz, starszy osłania go płaszczem. To pomnik postaci historycznych – Harmodiusa i Arystogeitona, którzy kilka dekad wcześniej zabili ateńskiego tyrana Hipparcha – pierwszy polityczny pomnik w sztuce greckiej. Jest jednocześnie wyrazem heroicznego ducha oporu i umiłowania wolności, które rozgorzało w dobie wojen grecko-perskich. „Nie są niewolnikami śmiertelników, nie podlegają nikomu”, mówią Ateńczycy w tragedii Ajschylosa „Persów”. Bitwy, potyczki, wyczyny bohaterów... Sztuka wczesnych klasyków pełna jest tych wojowniczych wątków. Na frontonach świątyni Ateny na Eginie - walka Greków z Trojanami. Na zachodnim frontonie świątyni Zeusa w Olimpii - walka Lapitów z centaurami, na metopach - wszystkie dwanaście prac Herkulesa. Innym ulubionym zespołem motywów są zawody gimnastyczne; w tamtych odległych czasach sprawność fizyczna, opanowanie ruchów ciała miały decydujące znaczenie dla wyniku bitew, więc gry sportowe nie były tylko rozrywką. Tematyka walk wręcz, zawodów jeździeckich, zawodów biegowych, rzutów dyskiem nauczyła rzeźbiarzy dynamicznego przedstawiania ludzkiego ciała. Przezwyciężono archaiczną sztywność postaci. Teraz działają, poruszają się; pojawiają się złożone pozy, odważne kąty i zamaszyste gesty. Najzdolniejszym innowatorem był rzeźbiarz ze strychu Myron. Głównym zadaniem Mirona było jak najpełniejsze i najmocniejsze wyrażenie ruchu. Metal nie pozwala na tak precyzyjną i precyzyjną pracę jak marmur i być może dlatego zwrócił się do znalezienia rytmu ruchu. Równowaga, majestatyczny „etos”, zachowany jest w klasycznej rzeźbie o surowym stylu. Ruch postaci nie jest ani chaotyczny, ani nadmiernie podekscytowany, ani zbyt szybki. Nawet w dynamicznych motywach walki, biegu, upadku, poczucia „olimpijskiego spokoju”, integralnej plastycznej kompletności, samoizolacji nie ginie.

Atena, którą wykonał na zlecenie Platajów i która drogo kosztowała to miasto, umocniła sławę młodego rzeźbiarza. Zamówiono dla niego na Akropol kolosalny posąg patronki Ateny. Osiągał 60 stóp wysokości i przekraczał wszystkie sąsiednie budynki; z daleka, od morza świeciła jak złota gwiazda i panowała nad całym miastem. Nie był akrolityczny (kompozytowy), jak Plataean, ale cały odlany z brązu. Inny posąg Akropolu, Ateny Dziewicy, wykonany dla Partenonu, składał się ze złota i kości słoniowej. Atena została przedstawiona w stroju bojowym, w złotym hełmie z płaskorzeźbionym sfinksem i sępami po bokach. W jednej ręce trzymała włócznię, w drugiej figurę zwycięstwa. U jej stóp znajdował się wąż, strażnik Akropolu. Ten posąg jest uważany za najlepszą pewność Fidiasza po jego Zeusie. Służył jako oryginał dla niezliczonych kopii. Ale szczytem doskonałości wszystkich dzieł Fidiasza jest jego olimpijski Zeus. Było to największe dzieło jego życia: sami Grecy dali mu palmę. Wywarł nieodparte wrażenie na współczesnych.

Zeus został przedstawiony na tronie. W jednej ręce trzymał berło, w drugiej - obraz zwycięstwa. Ciało wykonano z kości słoniowej, włosy były złote, płaszcz złoty, emaliowany. Skład tronu obejmował heban, kość i kamienie szlachetne. Ściany między nogami pomalował kuzyn Fidiasza, Panen; stopa tronu była cudem rzeźby. Podziw Greków dla piękna i mądrej budowy żywego ciała był tak wielki, że myśleli o nim estetycznie jedynie w posągowej pełni i pełni, pozwalającej docenić majestat postawy, harmonię ruchów ciała. Jednak ekspresja była nie tyle w mimice, co w ruchach ciała. Patrząc na tajemniczo pogodną moirę Partenonu, na szybką, rozbrykaną Nikę odwiązującą sandał, prawie zapominamy, że odcięto im głowy - tak wymownie jest plastyczność ich postaci.

Rzeczywiście, ciała greckich posągów są niezwykle inspirowane. Francuski rzeźbiarz Rodin powiedział o jednym z nich: „Ten młody tors bez głowy uśmiecha się radośniej do światła i wiosny, niż mogłyby to zrobić oczy i usta”. Ruchy i postawy są w większości przypadków proste, naturalne i niekoniecznie kojarzą się z czymś wzniosłym. Głowy posągów greckich są z reguły bezosobowe, to znaczy mało zindywidualizowane, doprowadzone do kilku odmian ogólnego typu, ale ten ogólny typ ma wysokie zdolności duchowe. W greckim typie twarzy triumfuje idea „ludzkiego” ideał. Twarz podzielona jest na trzy części o równej długości: czoło, nos i dolną część. Prawidłowy, delikatny owal. Prosta linia nosa kontynuuje linię czoła i tworzy prostopadłą do linii poprowadzonej od początku nosa do ujścia ucha (kąt prosty twarzy). Podłużny odcinek dość głęboko osadzonych oczu. Małe usta, pełne wypukłe usta, górna warga jest cieńsza niż dolna i ma piękny gładki dekolt jak łuk kupidyna. Broda jest duża i okrągła. Pofalowane włosy miękko i ciasno dopasowują się do głowy, nie ingerując w zaokrąglony kształt czaszki. To klasyczne piękno może wydawać się monotonne, ale będąc wyrazistym „naturalnym obrazem ducha”, poddaje się wariacji i jest w stanie ucieleśnić różne typy starożytnego ideału. Nieco więcej energii w magazynie ust, w wystającym podbródku - przed nami surowa dziewica Atena. Więcej miękkości w konturach policzków, lekko rozchylone usta, cieniowane oczodoły – mamy przed sobą zmysłową twarz Afrodyty. Owal twarzy jest zbliżony do kwadratu, szyja jest grubsza, usta są większe - to już wizerunek młodego sportowca. A podstawą pozostaje ten sam ściśle proporcjonalny klasyczny wygląd.

Po wojnie... Zmienia się charakterystyczna postawa stojącej postaci. W epoce archaicznej posągi stały całkowicie prosto, frontalnie. Dojrzała klasyka ożywia je i ożywia wyważonymi, płynnymi ruchami, utrzymując równowagę i stabilność. A posągi Praksytelesa – odpoczywającego Satyra, Apolla Sauroktona – opierają się z leniwą gracją na filarach, bez nich musiałyby upaść. Biodro z jednej strony jest bardzo mocno wysklepione, a ramię opuszczone nisko w kierunku bioder – Rodin porównuje tę pozycję ciała z harmonijką, kiedy miechy są ściśnięte z jednej strony i rozsuwane z drugiej. Dla równowagi potrzebne jest wsparcie zewnętrzne. To jest poza rozmarzonym relaksem. Praksyteles podąża za tradycjami Polikleta, wykorzystuje odnalezione przez niego motywy ruchów, ale rozwija je w taki sposób, że przebija się w nich już inna treść wewnętrzna. „Zraniona Amazonka” Polikletai również opiera się o półkolumnę, ale bez niej mogła stać, jej silne, energetyczne ciało, nawet cierpiące na ranę, stoi twardo na ziemi. Apollo z Praksyteles nie trafia strzałą, on sam celuje w jaszczurkę biegnącą po pniu drzewa - akcja, jak się wydaje, wymaga opanowania o silnej woli, jednak jego ciało jest niestabilne, jak kołysząca się łodyga. I nie jest to przypadkowy szczegół, nie kaprys rzeźbiarza, ale rodzaj nowego kanonu, w którym wyraża się zmienione spojrzenie na świat. Jednak w rzeźbie z IV wieku p.n.e. zmienił się nie tylko charakter ruchów i postaw. mi. Krąg ulubionych tematów Praksytelesa ulega zmianie, od heroicznych wątków odchodzi w „światło światła Afrodyty i Erosa”. Wyrzeźbił słynny posąg Afrodyty z Knidos. Praksyteles i artyści z jego kręgu nie lubili przedstawiać muskularnych torsów sportowców, pociągało ich delikatne piękno kobiecego ciała o miękkich płynących objętościach. Preferowali typ młodości, wyróżniający się „pierwszą młodością o zniewieściałej urodzie”. Praksyteles słynął ze szczególnej miękkości modelowania i umiejętności obróbki materiału, zdolności oddania ciepła żywego ciała w zimnym marmurze2.

Jedynym zachowanym oryginałem Praksytelesa jest marmurowy posąg Hermesa z Dionizosem, znaleziony w Olimpii. Nagi Hermes, wsparty o pień drzewa, gdzie niedbale rzucono jego płaszcz, na jednym zgiętym ramieniu trzyma małego Dionizosa, aw drugim kiść winogron, do której sięga dziecko (zagubiona ręka trzymająca winogrona). Cały urok malarskiej obróbki marmuru tkwi w tym posągu, zwłaszcza w głowie Hermesa: przejścia światła i cienia, najsubtelniejsze „sfumato” (mgiełka), które wiele wieków później osiągnął w malarstwie Leonardo da Vinci. Wszystkie inne dzieła mistrza znane są jedynie z odniesień do starożytnych autorów i późniejszych kopii. Ale duch sztuki Praksytelesa unosi się w IV wieku p.n.e. e., a co najlepsze, można to wyczuć nie w rzymskich kopiach, ale w małym greckim plastiku, w glinianych figurkach Tanagra. Produkowano je pod koniec wieku w dużych ilościach, była to swego rodzaju produkcja masowa z głównym ośrodkiem w Tanagrze. (Bardzo dobra ich kolekcja znajduje się w Pustelni Leningradzkiej.) Niektóre figurki odtwarzają dobrze znane duże posągi, inne po prostu dają różne swobodne wariacje udrapowanej kobiecej postaci. Żywa gracja tych postaci, rozmarzona, zamyślona, ​​figlarna, jest echem sztuki Praksytelesa.

1.4 Rzeźba hellenistycznej Grecji

Samo pojęcie „hellenizmu” zawiera pośrednie wskazanie zwycięstwa zasady helleńskiej. Nawet w odległych rejonach świata hellenistycznego, w Baktrii i Partii (dzisiejsza Azja Środkowa), starożytne formy sztuki pojawiają się w szczególny sposób. A Egipt jest trudny do rozpoznania, jego nowe miasto Aleksandria jest już prawdziwym oświeconym ośrodkiem kultury antycznej, w którym rozkwitają nauki ścisłe, humanistyczne i filozoficzne wywodzące się z Pitagorasa i Platona. Hellenistyczna Aleksandria dała światu wielkiego matematyka i fizyka Archimedesa, geometra Euklidesa, Arystarcha z Samos, który osiemnaście wieków przed Kopernikiem udowodnił, że Ziemia krąży wokół Słońca. słynne szafki Biblioteka Aleksandryjska, oznaczone greckimi literami, od alfy do omegi, przechowywały setki tysięcy zwojów - „pism, które lśniły we wszystkich dziedzinach wiedzy”. Stała tam wspaniała latarnia morska Pharos, zaliczana do siedmiu cudów świata; Powstał tam Museyon, pałac muz – pierwowzór wszystkich przyszłych muzeów. W porównaniu z tym bogatym i bogatym miastem portowym, stolicą ptolemejskiego Egiptu, miastem greckiej metropolii, nawet Ateny musiały wyglądać skromnie. Ale te skromne, małe miasta były głównym źródłem skarbów kulturowych, które Aleksandria utrzymywała i szanowała, tych tradycji, które nadal były przestrzegane. Jeśli nauka hellenistyczna wiele zawdzięczała dziedzictwu starożytnego Wschodu, to sztuki plastyczne zachowały głównie grecki charakter.

Główne zasady formacyjne pochodziły z klasyków greckich, treść stała się inna. Nastąpiło zdecydowane rozgraniczenie życia publicznego i prywatnego. W monarchiach hellenistycznych panuje kult jedynego władcy, utożsamiany z bóstwem, podobnie jak w starożytnych wschodnich despotyzmach. Ale podobieństwo jest względne: „osoba prywatna”, której burze polityczne nie dotykają lub dotykają tylko nieznacznie, nie jest tak bezosobowa, jak w starożytnych państwach wschodnich. Ma swoje życie: jest kupcem, jest przedsiębiorcą, jest urzędnikiem, jest naukowcem. Ponadto często ma greckie pochodzenie – po podbojach Aleksandra rozpoczęła się masowa migracja Greków na wschód – nie są mu obce koncepcje godności ludzkiej, wychowane przez kulturę grecką. Niech zostanie odsunięty od władzy i spraw publicznych – jego wyizolowany prywatny świat wymaga i znajduje dla siebie wyraz artystyczny, którego podstawą są tradycje późnej klasyki greckiej, przerobione w duchu większej intymności i gatunku. A w sztuce „państwowej”, oficjalnej, w dużych budynkach użyteczności publicznej i pomnikach, te same tradycje są przetwarzane, wręcz przeciwnie, w kierunku pompatyczności.

Pompy i intymność to cechy przeciwstawne; Sztuka hellenistyczna pełna jest kontrastów – gigantycznych i miniaturowych, ceremonialnych i domowych, alegorycznych i naturalnych. Świat stał się bardziej złożony, bardziej zróżnicowane wymagania estetyczne. Głównym nurtem jest odejście od uogólnionego typu ludzkiego do rozumienia osoby jako konkretnej, indywidualnej istoty, a co za tym idzie coraz większa dbałość o jego psychologię, zainteresowanie wydarzeniami i nowa czujność na znaki narodowe, wiekowe, społeczne i inne. osobowości. Ale ponieważ wszystko to zostało wyrażone w języku odziedziczonym po klasykach, który nie stawiał sobie takich zadań, w innowacyjnych dziełach epoki hellenistycznej wyczuwalny jest pewien nieorganizm, nie osiągają one integralności i harmonii swoich wielkich poprzedników. Portretowa głowa bohaterskiego posągu diadocha nie pasuje do jego nagiego torsu, co przypomina typ klasycznego atlety. Dramatowi wielopostaciowej grupy rzeźbiarskiej „Farnese Bull” przeczy „klasyczna” reprezentatywność postaci, ich pozy i ruchy są zbyt piękne i gładkie, aby można było uwierzyć w prawdziwość ich doświadczeń. W licznych rzeźbach parkowych i kameralnych tradycje Praksytelesa stają się mniejsze: Eros, „wielki i potężny bóg”, zamienia się w figlarnego, figlarnego Kupidyna; Apollo - w zalotnie dopieszczonym Apollono; wzmocnienie gatunku nie będzie na ich korzyść. A dobrze znanym hellenistycznym posągom starych kobiet niosących żywność, starej pijanej kobiety, starego rybaka o zwiotczałym ciele brakuje mocy symbolicznego uogólnienia; sztuka opanowuje te typy, nowe dla niej, zewnętrznie, bez wnikania w głąb - w końcu klasyczne dziedzictwo nie dało im klucza. Posąg Afrodyty, tradycyjnie nazywany Wenus z Milo, został znaleziony w 1820 roku na wyspie Melos i od razu zyskał światową sławę jako doskonałe dzieło sztuki greckiej. Tej wysokiej oceny nie zachwiało wiele późniejszych znalezisk greckich oryginałów – wśród nich szczególne miejsce zajmuje Afrodyta z Milos. Wykonany podobno w II wieku p.n.e. mi. (rzeźbiarza Agesandera lub Aleksandra, jak głosi na wpół wymazany napis na cokole), niewiele przypomina jej współczesne posągi przedstawiające boginię miłości. Hellenistyczne Afrodyty najczęściej wstępowały do ​​typu Afrodyty z Cnidus Praxiteles, czyniąc ją zmysłowo uwodzicielską, a nawet nieco słodką; taką jest na przykład dobrze znana Afrodyta z Medicei. Afrodyta z Milos, tylko półnaga, udrapowana do bioder, jest surowa i niezwykle spokojna. Uosabia nie tyle ideał kobiecego piękna, co ideał osoby w sensie ogólnym i wyższym. Rosyjski pisarz Gleb Uspieński znalazł dobry wyraz: ideał „człowieka wyprostowanego”. Posąg jest dobrze zachowany, ale ma odłamane ramiona. Wiele spekulowano na temat tego, co robiły te ręce: czy bogini trzymała jabłko? czy lustro? czy trzymała krawędź swojej szaty? Nie znaleziono przekonującej rekonstrukcji, właściwie nie ma takiej potrzeby. „Bezrękojeść” Afrodyty z Milo z czasem stała się niejako jej atrybutem, w niczym nie ingeruje w jej urodę, a nawet potęguje wrażenie majestatu postaci. A ponieważ nie zachował się ani jeden nietknięty grecki posąg, to właśnie w tym częściowo uszkodzonym stanie pojawia się przed nami Afrodyta, niczym „marmurowa zagadka”, wymyślona przez starożytność, jako symbol odległej Hellady.

Innym niezwykłym pomnikiem hellenizmu (tych, którzy do nas przyszli, a ilu zniknęło!) jest ołtarz Zeusa w Pergamonie. Szkoła pergamońska bardziej niż inne skłaniała się ku patosowi i dramatowi, kontynuując tradycje Skopasa. Jej artyści nie zawsze sięgali do tematów mitologicznych, jak miało to miejsce w epoce klasycznej. Na placu pergamońskiego Akropolu znajdowały się rzeźbiarskie grupy, które uwieczniły prawdziwe wydarzenie historyczne – zwycięstwo nad „barbarzyńcami”, plemionami galijskimi, które oblegały Królestwo Pergamonu. Pełne ekspresji i dynamiki zespoły te wyróżniają się również tym, że artyści oddają hołd pokonanym, ukazując im zarówno waleczność, jak i cierpienie. Przedstawiają Gala zabijającego swoją żonę i siebie, aby uniknąć niewoli i niewoli; przedstawcie śmiertelnie rannego Galę, leżącego na ziemi z nisko pochyloną głową. Z jego twarzy i postaci od razu widać, że jest „barbarzyńcą”, obcokrajowcem, ale umiera heroiczną śmiercią i to widać. W swojej sztuce Grecy nie poniżali się do upokorzenia swoich przeciwników; ta cecha humanizmu etycznego ujawnia się szczególnie wyraźnie, gdy przeciwnicy – ​​Galowie – są przedstawieni realistycznie. Ogólnie rzecz biorąc, po kampaniach Aleksandra wiele się zmieniło w stosunku do obcokrajowców. Jak pisze Plutarch, Aleksander uważał się za pojednawcę wszechświata, „sprawiając, że wszyscy piją… z tego samego kubka przyjaźni i mieszając ze sobą życie, moralność, małżeństwa i formy życia”. Moralność i formy życia, a także formy religii, naprawdę zaczęły się mieszać w epoce hellenizmu, ale przyjaźń nie zapanowała i pokój nie nadszedł, niezgoda i wojna nie ustały. Wojny Pergamonu z Galami to tylko jeden z epizodów. Kiedy ostatecznie odniesiono zwycięstwo nad Galami, na jej cześć wzniesiono ołtarz Zeusa, ukończony w 180 roku p.n.e. mi. Tym razem wieloletnia wojna z „barbarzyńcami” okazała się gigantomachią – walką bogów olimpijskich z gigantami. Według starożytnego mitu giganci - giganci żyjący daleko na zachodzie, synowie Gai (Ziemia) i Urana (Niebo) - zbuntowali się przeciwko Olimpijczykom, ale zostali przez nich pokonani po zaciętej bitwie i pogrzebani pod wulkanami, w głębokie trzewia matki ziemi, stamtąd przypominają o erupcjach wulkanów i trzęsieniach ziemi. Podstawę ołtarza otaczał okazały fryz marmurowy o długości około 120 metrów, wykonany w technice płaskorzeźby. Pozostałości tej konstrukcji odkopano w latach 70. XIX wieku; dzięki żmudnej pracy konserwatorów udało się połączyć tysiące fragmentów i uzyskać w miarę pełny obraz ogólnej kompozycji fryzu. Potężne ciała piętrzą się, splatają, jak kula węży, pokonanych olbrzymów dręczą lwy o kudłatych grzywach, psy wgryzają się w zęby, konie depczą nogami, ale giganci walczą zaciekle, ich przywódca Porfirion nie cofa się przed Zeusem Gromowładnym. Matka olbrzymów, Gaja, błaga o litość dla swoich synów, ale nikt jej nie słucha. Bitwa jest straszna. W napiętych kątach ciał, w ich tytanicznej mocy i tragicznym patosie jest coś zapowiadającego Michała Anioła. Chociaż bitwy i potyczki były częstym tematem w starożytnych płaskorzeźbach od czasów archaicznych, nigdy nie były przedstawiane w taki sposób, w jaki są na pergamońskim ołtarzu - z tak drżącym poczuciem kataklizmu, bitew na śmierć i życie, gdzie wszystkie siły kosmiczne , wszystkie demony są zaangażowane, ziemia i niebo. Zmieniła się struktura kompozycji, straciła swoją klasyczną klarowność, stała się zawirowana, zagmatwana. Przypomnijmy postacie Skopasa na płaskorzeźbie Mauzoleum w Halikarnasie. Z całą swoją dynamiką znajdują się na tej samej płaszczyźnie przestrzennej, są rozdzielone rytmicznymi interwałami, każda figura ma pewną niezależność, masy i przestrzeń są zrównoważone. Inny jest fryz pergamoński – ci, którzy tu walczą blisko, masa stłumiła przestrzeń, a wszystkie postacie są tak splecione, że tworzą burzliwy bałagan ciał. A ciała są nadal klasycznie piękne, „czasami promienne, czasem groźne, żywe, martwe, triumfujące, ginące postacie”, jak powiedział o nich I. S. Turgieniew *. Piękni olimpijczycy, piękni i ich wrogowie. Ale harmonia ducha zmienia się. Wykrzywione cierpieniem twarze, głębokie cienie w oczodołach, wężowate włosy... Olimpijczycy wciąż triumfują nad siłami podziemnych żywiołów, ale to zwycięstwo nie trwa długo - żywioły grożą wysadzeniem w powietrze harmonijnej, harmonijnej świat. Tak jak sztuka archaizmu greckiego nie powinna być oceniana jedynie jako pierwsi prekursorzy klasyków, a Sztuki hellenistycznej jako całości nie można uznać za późne echo klasyków, nie doceniając fundamentalnie nowego, jakie przyniosła. Ta nowość wiązała się z poszerzaniem horyzontów sztuki, z jego dociekliwym zainteresowaniem osobą ludzką i specyficznymi, realnymi warunkami jej życia. Stąd przede wszystkim rozwój portretu, portretu indywidualnego, prawie nieznanego klasykom wysokim, a klasycy późnej tylko na jego obrzeżach. Artyści hellenistyczni, wykonując nawet portrety dawno nie żyjących ludzi, podawali im interpretację psychologiczną i starali się ukazać wyjątkowość zarówno zewnętrznego, jak i wewnętrznego wyglądu. Nie współcześni, ale potomkowie pozostawili nam twarze Sokratesa, Arystotelesa, Eurypidesa, Demostenesa, a nawet legendarnego Homera, natchnionego niewidomego gawędziarza. Zdumiewający w swym realizmie i wyrazie portret nieznanego starego filozofa - ponoć nieprzejednanego namiętnego polemisty, którego pomarszczona twarz o ostrych rysach nie ma nic wspólnego z klasycznym typem. Wcześniej uważano go za portret Seneki, ale słynny stoik żył później niż wyrzeźbiono to popiersie z brązu.

Po raz pierwszy dziecko ze wszystkimi anatomicznymi cechami dzieciństwa iz całym wrodzonym w nim urokiem staje się przedmiotem chirurgii plastycznej. W epoce klasycznej małe dzieci przedstawiano, jeśli w ogóle, jako miniaturowych dorosłych. Nawet u Praksytelesa, w grupie Hermesa z Dionizosem, Dionizos nie przypomina dziecka anatomią i proporcjami. Wygląda na to, że dopiero teraz zauważyli, że dziecko jest bardzo szczególnym stworzeniem, rozbrykanym i przebiegłym, mającym własne szczególne nawyki; zauważony i tak urzeczony przez niego, że sam bóg miłości Eros zaczął być przedstawiany jako dziecko, kładąc podwaliny pod tradycję, która ugruntowała się od wieków. Pucołowate, kręcone dzieci hellenistycznych rzeźbiarzy są zajęte różnymi sztuczkami: jeżdżą na delfinach, bawią się ptakami, a nawet duszą węże (to mały Herkules). Szczególnie popularny był posąg chłopca walczącego z gęsią. Takie posągi umieszczano w parkach, były ozdobą fontann, umieszczano je w sanktuariach boga uzdrawiania Asklepiosa, a niekiedy służyły jako nagrobki.

Wniosek

Badaliśmy rzeźbę starożytnej Grecji przez cały okres jej rozwoju. Widzieliśmy cały proces jej powstawania, rozkwitu i upadku - całe przejście od surowych, statycznych i wyidealizowanych form archaicznych, poprzez wyważoną harmonię rzeźby klasycznej, do dramatycznego psychologizmu posągów hellenistycznych. Rzeźba starożytnej Grecji przez wiele stuleci była słusznie uważana za wzór, ideał, kanon, a teraz nie przestaje być uznawana za arcydzieło światowej klasyki. Nic takiego nie osiągnięto wcześniej ani później. Wszystkie współczesne rzeźby można uznać, w takim czy innym stopniu, za kontynuację tradycji starożytnej Grecji. Rzeźba starożytnej Grecji w swoim rozwoju przeszła trudną ścieżkę, torując drogę do rozwoju sztuki plastycznej kolejnych epok w różnych krajach. W późniejszym czasie tradycje starożytnej rzeźby greckiej zostały wzbogacone o nowe osiągnięcia i osiągnięcia, a starożytne kanony stanowiły niezbędną podstawę, podstawę rozwoju sztuki plastycznej we wszystkich późniejszych epokach.

Rzeźba starożytnej Grecji zajmowała ważne miejsce w sztuce starożytnej Grecji i była najwyższym osiągnięciem w kulturze starożytnego świata.

Starożytna rzeźba grecka we wszystkich swoich przejawach zawsze pozostawała głęboko antropocentryczna, wyrażająca religijność i duchowy świat osoby lub sakralny czyn, który rzeźbiarz starał się uchwycić i przekazać.

Większość rzeźb została wykonana z myślą o ofiarowaniu do sanktuariów lub jako pomniki nagrobne. Osobliwością sztuki greckiej było to, że mistrz, tworząc dzieła, starał się przekazać piękno i doskonałość ludzkiego ciała.

W formach pierwszych posągów podjęto próbę zrównoważenia bóstwa i człowieka w wyrażaniu ich emocji. Rzeźba starożytnej Grecji osiągnęła najwyższy okres rozkwitu w V wieku p.n.e. e, natomiast pochodzenie rzeźby starożytnej Grecji można przypisać XII-VIII wieku pne. mi.

Początkowo greccy rzemieślnicy wykorzystywali w swoich pracach miękkie materiały – drewno i porowaty wapień, później marmur. Odlewy z brązu po raz pierwszy zastosowali mistrzowie wyspy Samos.

Figurki z okresu homeryckiego przedstawiały bogów lub bohaterów, w twórczości mistrzów zainteresowanie plastycznością ciała jest tylko zarysowane.

W okresie archaicznym rzeźba antycznej Grecji, nabiera archaicznego uśmiechu, obracając twarze rzeźb coraz bardziej na obraz człowieka, ciało nabiera harmonijnej równowagi form. Mężczyźni zostali przedstawieni nago, a kobieta była ubrana.

W tym czasie w sztuce rzeźbiarskiej starożytnej Grecji rozpowszechnione były kouros - młodzi chłopcy, którzy byli głównie stworzeni do rytuałów pamięci. Mistrzowie przedstawiali kurosa jako powściągliwego, o dobrej postawie, uśmiechu, z zaciśniętymi pięściami, fryzura kurosa przypominała perukę. Jedną z najsłynniejszych rzeźb Kouros jest „Kouros z Tenei” (κούρος της Τενέας). Rzeźba została znaleziona niedaleko Koryntu, w Tenei, w świątyni Apolla. Teraz jest przechowywany w Muzeum w Monachium.

Młode dziewczęta lub korsy, Grecy przedstawiani w tradycyjnych strojach, w tunikach lub peplos. Kora (κόρη) - specyficzny typ posągu o kobiecych formach z czasów archaicznych, a mianowicie z drugiej połowy VII wieku p.n.e. Bogata fryzura, modna biżuteria i kolorowe ozdoby ubrań - tak przedstawiali je rzeźbiarze starożytnej Grecji.

Epoka klasyczna jest tym, co nazywamy okresem, który rozpoczyna się w 480 r. p.n.e. i kończy się w 323 rpne, czyli od zakończenia wojen grecko-perskich do śmierci Aleksandra Wielkiego. Podczas tego okresu nastąpiły ważne zmiany społeczne i równoległe innowacje w rzeźbie starożytnej Grecji. Starożytni Grecy skupiają swoją uwagę na przekazywaniu ducha i pasji. Artyści studiują mowę ciała, aby ujawnić swoje najskrytsze myśli, pokazać ruch ciała: ułożenie kończyn, głowy i klatki piersiowej.

Pierwszym posągiem, który zasadniczo przedstawia koniec jednej epoki i początek drugiej, jest „Chłopiec z Krytii” (Κριτίου παίς), przechowywany w Muzeum Akropolu. Ten wysoki na 1,67 m posąg nagiego nastolatka jest jednym z najpiękniejszych i najdoskonalszych przykładów sztuki wczesnoklasycznej. Rzeźba łączy w sobie ruch, plastyczność, powagę pojawia się w wyrazie twarzy.

W okresie wczesnego klasyku słynna rzeźba woźnica rydwanu (kierowca rydwanu), przechowywany w Muzeum Delphi. Posąg młodzieńca wykonany jest z brązu, ma wysokość 1,8 m, ubranego w chiton z rękawami, ukazuje muskularne ramię młodzieńca, w ręku trzyma fragmenty wodzy. Draperia fałd na ubraniach, które odpowiadają ruchom, jest dobrze przeniesiona.

Za 450-420 lat. pne mi. okresu klasycznego, rzeźba starożytnej Grecji zostaje zmodyfikowana. Teraz rzeźby mają więcej miękkości, plastyczności i dojrzałości. Fidiasz reprezentował cechy sztuki klasycznej w rzeźbach Partenonu.

W tym czasie pojawiają się inni godni rzeźbiarze: Agoracritos, Alkamen, Kolot, którzy byli ekspertami w wykonywaniu posągów ze złota i kości słoniowej. Kallimach był jednym z wynalazców porządku korynckiego, Policlet, który przedstawiał sportowców, jako pierwszy napisał tekst teoretyczny na temat rzeźby i innych.

W okresie późnego klasycyzmu, w rzeźbie starożytnej Grecji, pojawiają się tendencje do badania ludzkiej postaci w przestrzeni trójwymiarowej, jest więcej zmysłowego piękna i dramatyzmu.

Wielcy rzeźbiarze tamtych czasów to: Kefisodot („Eirene z dzieckiem w ramionach”), Πρaxiteles, który stworzył młodość Maratonu oraz Afrodyta z Knidus, Ephranor, Silanion, Leocharus, Skopas i Lysippus, ostatni rzeźbiarze późnego klasycyzmu okresu, który otworzył drogę do epoki sztuki hellenistycznej.

Epoka hellenistyczna w rzeźbie starożytnej Grecji znalazła odzwierciedlenie w bardziej zróżnicowanej interpretacji form plastycznych, komplikacji kątów i najdrobniejszych szczegółów. Rozwija się rzeźba monumentalna, pojawiają się ogromne płaskorzeźby, pojawiają się wielopostaciowe grupy, reliefy, które są integralną częścią wyrazu sztuki rzeźbiarskiej, małą plastyczność komplikuje żywotność obrazów.

Najsłynniejsze dzieła tego czasu: Nika z Samotraki Pythokrita o wysokości 3,28 m, Wenus z Milo o wysokości 2,02 m, wykonane przez rzeźbiarza Aleksandra z Antiochii, przechowywane są w Luwrze, Laokoona i jego synów przez rzeźbiarzy z Rodos Agesander z Rodos , Polydorus i Atenodorus, znajduje się w Watykanie.

• Etapy rozwoju starożytnej rzeźby greckiej:

• Archaiczny

• Klasyczny

• hellenizm

SZCZEKAĆ(z greckiego kore - dziewczyna),

• SZCZEKAĆ(z greckiego kore - dziewczyna),

• 1) wśród starożytnych Greków kultowe imię bogini Persefony.

• 2) W starożytnej sztuce greckiej posąg wyprostowanej dziewczyny w długich szatach.

• KOUROS- w sztuce starożytnej Grecji archaicznej

• - pomnik młodego sportowca (zwykle nagiego).

Kuros

Rzeźby kouros

• Wysokość posągu do 3 metrów;

• Ucieleśniał ideał męskiej urody,

• siła i zdrowie;

• Postać wyprostowanego młodzieńca z

• noga do przodu, ręce zaciśnięte

• w pięści i rozciągnięte wzdłuż ciała.

• Twarzom brakuje indywidualności;

• Wystawiana w miejscach publicznych

• blisko świątyń;

Szczekać

Rzeźby

• Ucieleśnione wyrafinowanie i wyrafinowanie;

• Pozycje są monotonne i statyczne;

• Chitony i peleryny z pięknymi wzorami od

• równoległe faliste linie i granica wzdłuż

• krawędzie;

• Włosy zwinięte w loki i przechwycone

• diademy.

• Na twarzy tajemniczego uśmiechu

• 1. Hymn o wielkości i duchowej mocy człowieka;

• 2. Ulubiony obraz - smukły młody człowiek o atletycznej sylwetce;

• 3. Duchowy i fizyczny wygląd są harmonijne, nie ma nic zbędnego, „nic ponad miarę”.

Rzeźbiarz Polikleitos. Doryfor (5 wpne)

• skrzyżowanie,

• w obrazowym

• obraz sztuki

• stojący człowiek

• dane liczbowe na podstawie

• jedna noga: w tym przypadku, jeśli

• prawe ramię podniesione

• prawe udo opada i

• nawzajem.

Idealne proporcje ludzkiego ciała:

• Głowa ma 1/7 całkowitej wysokości;

• Twarz i dłonie 1/10 części

• Stopa - 1/6 części

Rzeźbiarz Miron. Miotacz dyskietek. (5 wpne)

• Pierwsza próba greckiej rzeźby przełamania niewoli bezruchu. Ruch przekazywany jest tylko przy rozważaniu sylwetki z przodu. Patrząc z boku, postawa sportowca jest postrzegana jako nieco dziwna, a wyraz ruchu jest odgadywany z wielkim trudem.

IV wiek PNE.

• IV wiek PNE.

• 1. Dążył do przeniesienia energicznego działania;

• 2. Przekazali uczucia i doświadczenia osoby:

• - pasja

• - smutek

• - marzenia

• - zakochiwać się

• - Furia

• - rozpacz

• - cierpienie

• - żałość

Skopas (420-355 pne)

• Skopas.

• Bachantka. IV w. PNE. Skopas.

• Głowa rannego wojownika.

Skopas.

• Skopas.

• Bitwa Greków z Amazonkami .

• Płaskorzeźba z Mauzoleum w Halikarnasie.

Praksyteles (390 -330 pne)

• Wszedł do historii rzeźby jako

• inspirująca piosenkarka urody.

• Według legendy Praksyteles stworzył dwa

• posągi Afrodyty, przedstawiające na jednym

• jeden z nich ubrana bogini, a w drugim -

• nagi. Afrodyta w ubraniach

• nabyte przez mieszkańców wyspy Kos, oraz

• Akt został zamontowany na

• jeden z głównych placów wyspy

• Knidos, skąd ze wszystkich części Grecji

• fani zaczęli się gromadzić

• słynne dzieło rzeźbiarza,

• uwydatniając chwałę miasta.

Lysippos.

• Lysippos.

• Szef Aleksandra

• Macedoński Około 330 p.n.e.

Lysippos.

• Lysippos.

• „Odpoczynek Hermes”.

• II poł. IV w. pne mi.

Leohar

• Leohar.

• „Apollo Belvedere”.

• Poł. IV w. pne mi.

HELLENIZM

• HELLENIZM, okres w dziejach krajów wschodniego basenu Morza Śródziemnego od czasów kampanii Aleksandra Wielkiego (334-323 p.n.e.) do podboju tych krajów przez Rzym, który zakończył się w 30 p.n.e. mi. zniewolenie Egiptu.

• W rzeźbie:

• 1. Podniecenie i napięcie twarzy;

• 2. Wir uczuć i doświadczeń w obrazach;

• 3. Senność obrazów;

• 4. Harmoniczna doskonałość i powaga

Nike z Samotraki. Początek II w. PNE. Luwr, Paryż

• W godzinie mojego nocnego delirium

• Pojawiasz się przed moimi oczami

• Zwycięstwo Samotraki

• Z wyciągniętymi rękami.

• Przerażająca cisza nocy,

• Powoduje zawroty głowy

• Twój skrzydlaty, ślepy,

• Niepowstrzymane pragnienie.

• W twoim szalenie jasnym

• wyglądać

• Coś się śmieje, płonie,

• A nasze cienie pędzą od tyłu

• Nie będąc w stanie ich dogonić.

Agesander. Wenus (Afrodyta) z Milo. 120 pne Marmur.

Agesander. „Śmierć Laokoona i jego synów”. Marmur. Około 50 p.n.e. mi.

Krzyżówka

Poziomo : 1. Osoba stojąca na czele monarchii (ogólna nazwa królów, królów, cesarzy itp.). 2. W mitologii greckiej: tytan trzymający sklepienie nieba na ramionach jako karę za walkę z bogami. 3. Własne imię Greka. 4. Starożytny grecki rzeźbiarz, autor „Głowy Ateny”, posągu Ateny w Partenonie. 5. Rysunek lub wzór wielobarwnych kamyków lub kawałków szkła połączonych ze sobą. 6. W mitologii greckiej: bóg ognia, patron kowali. 7. Rynek w Atenach. 8. W mitologii greckiej: bóg uprawy winorośli i winiarstwa. 9. Starożytny grecki poeta, autor wierszy „Iliada” i „Odyseja”. 10. „Miejsce na spektakle”, gdzie wystawiano tragedie i komedie.

Pionowo : 11. Osoba z darem mówienia. 12. Półwysep na południowym wschodzie Grecji Środkowej, terytorium państwa ateńskiego. 13. W mitologii greckiej: morskie stworzenia w postaci ptaka z kobiecą głową, wabiące śpiewem żeglarzy. 14. Główne dzieło Herodota. 15. W starożytnej mitologii greckiej: jednooki olbrzym. 16. Rysowanie farbami na mokrym tynku. 17. Starożytny grecki bóg handlu. 18. Autor rzeźby „Wenus z Milo”? 19. Autor rzeźby „Apollo Belvedere”.