Dramaturge Ionesco. Eugène Ionesco est un rhinocéros. Romans, nouvelles et nouvelles

Ionesco est né le 26 novembre 1909 à Slatina (Roumanie). Ses parents l'ont emmené à Paris dans son enfance et le français est devenu sa première langue. La famille est retournée en Roumanie alors que le fils était déjà adolescent. Il entre à l'Université de Bucarest, se préparant à devenir professeur de français. Au début de son activité littéraire, Ionesco a écrit de la poésie en français et en roumain, et a également composé un pamphlet audacieux intitulé "Non!" Le pamphlet était soutenu dans l'esprit nihiliste des dadaïstes et, démontrant l'unité des contraires, condamnait d'abord puis exaltait les trois écrivains roumains.

Dans la "tragédie du langage" "La cantatrice chauve" (1950), première pièce de Ionesco, un monde devenu fou, "l'effondrement de la réalité" est dépeint. Cette pièce fut suivie de La Leçon (La leçon, 1951), Les chaises (Les chaises, 1952), Le nouveau locataire (Le nouveau locataire, 1953), L'avenir dans les œufs (L'Avenir est dans les œufs, 1957), " Le tueur désintéressé » (Tueur sans gages, 1959), « Rhinoceros » (Rhinoceros, 1959), « Air Pedestrian » (Le pieton de l'air, 1962), « The King Dies » (Le roi se meurt, 1962 ), "Thirst and Hunger" (La soif et la faim, 1964), "Macbett" (Macbett, 1973), "L'homme aux valises" (1975) et "Voyage parmi les morts" (Le voyage chez les morts, 1980). Ionesco a également écrit le roman "The Lonely" (La solitaire, 1974) et plusieurs séries de livres pour enfants.

Création

Credo

Les situations, les personnages et les dialogues de ses pièces suivent les images et les associations d'un rêve plutôt que la réalité quotidienne. La langue, à l'aide d'amusants paradoxes, clichés, dictons et autres jeux de mots, s'affranchit des sens et associations habituels. Les pièces de Ionesco proviennent du théâtre de rue, de la commedia dell "arte, des clowns de cirque, des films de Ch. Chaplin, B. Keaton, des Marx Brothers, de la comédie ancienne et de la farce médiévale - vous pouvez trouver les origines de sa dramaturgie dans de nombreux genres, et pas seulement ceux de la scène - ils se trouvent, par exemple, dans les limericks et les "shanding", dans les "Proverbes" de Brueghel et les images paradoxales de Hogarth. Une technique typique est un tas d'objets qui menacent de dévorer les acteurs ; les choses prennent vie, et les gens se transforment en objets inanimés.« Cirque Ionesco » est un terme assez souvent appliqué à son drame de jeunesse.

Eugene Ionesco insiste sur le fait qu'avec son travail, il exprime une vision du monde extrêmement tragique. Ses pièces mettent en garde contre les dangers d'une société où les individus risquent de devenir membres de la famille des équidés (Rhino, 1965), d'une société où rôdent des tueurs anonymes (Le Tueur désintéressé, 1960), où chacun est constamment entouré des dangers de le monde réel et transcendant (« Air Pedestrian », 1963). « Eschatologie » du dramaturge - caractéristique dans la vision du monde des "pentecôtistes effrayés", représentants de la partie intellectuelle et créative de la société, qui se remettent enfin des épreuves et des bouleversements de la guerre mondiale. Le sentiment de confusion, de désunion, l'indifférence nourrie environnante et l'adhésion alarmée aux dogmes de l'opportunisme humaniste rationnel, ont fait naître la nécessité de faire sortir le profane de cet état d'indifférence soumise, contraint de prévoir de nouveaux troubles. Une telle perspective, dit Schwob-Felich, naît dans les périodes de transition, "lorsque le sens de la vie est ébranlé". L'expression d'anxiété qui apparaît dans les pièces d'E. Ionesco n'est perçue que comme un caprice, un jeu de fantaisie délirante et un puzzle extravagant et scandaleux de l'original qui tombe dans une panique réflexive. Les œuvres d'Ionesco ont été retirées du répertoire. Cependant, les deux premières comédies - "The Bald Singer" (1948, anti-play) et "The Lesson" (1950) - ont ensuite repris sur scène, et depuis 1957, elles sont diffusées tous les soirs depuis de nombreuses années dans l'un des les plus petites salles de Paris - La Huchette. Au fil du temps, ce genre a trouvé la compréhension, non seulement en dépit de son caractère inhabituel, mais aussi grâce à l'intégrité convaincante de la métaphore scénique.

E. Ionesco proclame : « Le réalisme, socialiste ou non, reste en dehors de la réalité. Il le rétrécit, le décolore, le déforme... Dépeint une personne dans une perspective réduite et aliénée. La vérité est dans nos rêves, dans l'imaginaire… L'être véritable n'est que dans le mythe… ».

Il propose de se tourner vers les origines de l'art théâtral. Les plus acceptables pour lui sont les performances de l'ancien Théâtre de marionnettes, qui crée des images invraisemblables et grossièrement caricaturales afin de souligner la grossièreté, le grotesque de la réalité elle-même. Le dramaturge voit la seule voie possible pour le développement du théâtre le plus récent en tant que genre spécifique, distinct de la littérature, précisément dans l'utilisation exagérée des moyens du grotesque primitif. à porter les techniques de l'exagération conditionnellement théâtrale à des formes extrêmes, "cruelles", "insupportables", dans le "paroxysme" du comique et du tragique. Il vise à créer un théâtre « féroce, débridé » - « théâtre du cri », comme le caractérisent certains critiques. Il convient de noter en même temps que E. Ionesco s'est immédiatement montré comme un écrivain et un connaisseur de la scène d'un talent exceptionnel. Il est doué d'un talent indéniable pour rendre « visibles », « tangibles » toutes les situations théâtrales, d'un extraordinaire pouvoir d'imagination, tantôt sombre, tantôt capable d'évoquer avec humour le rire homérique.

Le représentant du théâtre du paradoxe, Eugène Ionesco, comme Beckett, ne détruit pas la langue - leur expérience est réduite à des jeux de mots, ils ne mettent pas en danger la structure même de la langue. Jouer avec les mots ("l'équilibre verbal") n'est pas le seul objectif. Le discours de leurs pièces est intelligible, "organiquement modulé", mais la pensée des personnages apparaît incohérente (discrète). La logique de la santé mentale quotidienne est parodiée par des moyens de composition. Dans ces pièces, il y a beaucoup d'allusions, d'associations qui permettent une liberté d'interprétation. La pièce diffuse une perception multidimensionnelle de la situation, permet son interprétation subjective. Certains critiques arrivent à peu près à de telles conclusions, mais il y en a des presque polaires, qui sont argumentées par des arguments assez convaincants, en tout cas, ce qui a été dit ci-dessus contredit clairement ce qui est observé dans la première pièce. Ce n'est pas un hasard si Ionesco lui donne le sous-titre "tragédie de la langue", faisant allusion, évidemment, à une tentative de détruire toutes ses normes ici : les phrases abstruses sur les chiens, les puces, les œufs, la cire et les lunettes dans la scène finale sont interrompues par le marmonnement de mots individuels, de lettres et de combinaisons de sons sans signification. « A, e, et, o, y, a, e, et, o, a, e, et, y », crie un héros ; "B, s, d, f, f, l, m, n, p, r, s, t ..." - l'héroïne lui fait écho. Cette fonction destructrice du spectacle par rapport au langage est également vue par J.-P. Sartre (voir ci-dessous). Mais Ionesco lui-même est loin de résoudre des problèmes aussi étroits et particuliers - c'est plutôt l'un des trucs, une exception «de départ» à la règle, comme s'il démontrait le «bord», la frontière de l'expérience, confirmant le principe conçu pour contribuer au « démantèlement » du théâtre conservateur. Le dramaturge s'efforce de créer, selon ses mots, « du théâtre abstrait, du drame pur. Anti-thématique, anti-idéologique, réaliste anti-socialiste, anti-bourgeois… Trouvez un nouveau théâtre libre. C'est-à-dire un théâtre libéré des idées préconçues, le seul capable d'être sincère, devenant un instrument de recherche, découvrant le sens caché des phénomènes.

Premières pièces

Les héros de The Bald Singer (1948, première mise en scène du Théâtre Noktambuhl - 1950) sont des conformistes exemplaires. Leur conscience, conditionnée par les stéréotypes, imite la spontanéité des jugements, parfois elle est scientifique, mais intérieurement elle est désorientée, ils sont dépourvus de communications. Le dogmatisme, l'ensemble phraséologique standard de leurs dialogues n'a pas de sens. Leurs arguments ne sont que formellement soumis à la logique, un ensemble de mots fait ressembler leur discours à un bachotage ennuyeux et monotone de ceux qui étudient une langue étrangère. Ionesco a été incité à écrire la pièce, selon lui, en étudiant l'anglais. « J'ai consciencieusement réécrit les phrases tirées de mon manuel. En les relisant attentivement, je n'ai pas appris l'anglais, mais des vérités étonnantes : qu'il y a sept jours dans une semaine, par exemple. C'est ce que je savais avant. Ou: "le sol est en dessous, le plafond est au-dessus", que je connaissais aussi, mais que je n'y avais probablement jamais sérieusement pensé ou peut-être oublié, mais cela me semblait tout aussi indiscutable que le reste, et tout aussi vrai ... " . Ces gens sont du matériel de manipulation, ils sont prêts à la résonance d'une foule agressive, d'un troupeau. Les Smith et les Martin sont les rhinocéros des nouvelles expériences dramatiques d'Ionesco.

Cependant, E. Ionesco lui-même s'insurge contre les « savants critiques » qui considèrent « The Bald Singer » comme une banale « satire anti-bourgeoise ». Son idée est plus "universelle". A ses yeux, les « petits bourgeois » sont tous ceux qui « se dissolvent dans le milieu social », « se soumettent au mécanisme de la vie quotidienne », « vivent avec des idées toutes faites ». Les héros de la pièce sont une humanité conformiste, quelle que soit la classe et la société à laquelle ils appartiennent.

La logique du paradoxe d'E. Ionesco se transforme en logique de l'absurde. Perçu initialement comme un jeu divertissant, il pourrait ressembler au jeu inoffensif de M. Cervantès "Two Talkers", si l'action sans compromis, avec tout son développement, n'entraînait le spectateur dans l'espace déformé d'Ultima Thule, un système de catégories brisé. et un flot de jugements contradictoires, une vie complètement dépourvue de vecteur spirituel. A celui à qui s'adresse la fantasmagorie qui se déploie, il ne reste plus, sous le signe de l'ironie, qu'à garder en réserve les repères de la « conscience de soi habituelle ».

Dans Victims of Duty (1952), les personnages qui exécutent humblement tous les ordres de ceux qui sont au pouvoir, le système d'application de la loi, sont des citoyens loyaux et respectables. Par la volonté de l'auteur, elles subissent des métamorphoses, leurs masques changent ; l'un des héros est voué à une recherche sans fin par son parent, policier et épouse, qui fait de lui une «victime du devoir» - la recherche de l'orthographe correcte du nom d'une personne recherchée imaginaire ... Remplir tout devoir envers n'importe quel sorte de « loi » de la vie sociale humilie une personne, mortifie son cerveau, primitivise ses sentiments, transforme un être pensant en automate, en robot, en semi-animal.

Atteindre le maximum d'effet d'influence, Eugène Ionesco "attaque" la logique habituelle de la pensée, conduit le spectateur dans un état d'extase par l'absence du développement attendu. Ici, comme s'il suivait les préceptes du théâtre de rue, il exige non seulement l'improvisation des acteurs, mais rend également le spectateur perplexe pour regarder le développement de ce qui se passe sur et hors scène. Des problèmes qui étaient autrefois perçus comme une autre expérience non figurative commencent à acquérir des qualités de pertinence.

Le concept de « victimes de la dette » n'est pas accidentel. Cette pièce est le manifeste d'un écrivain. Il couvre à la fois les œuvres anciennes et tardives d'E. Ionesco et est confirmé par tout le parcours de la pensée théorique du dramaturge dans les années 50 et 60.

Les personnages reproductibles, dotés de toutes les qualités "réalistes", sont volontairement caricaturés par l'absence de toute fiabilité empirique. Les acteurs transforment constamment leurs personnages, changeant de manière imprévisible leur manière et leur dynamique de performance, passant instantanément d'un état à un autre. Semiramis dans la pièce "Chairs" (1951) agit soit comme l'épouse du vieil homme, soit comme sa mère. "Je suis ta femme, donc ta mère l'est maintenant", dit-elle à son mari, et le vieil homme ("homme, soldat, maréchal de cette maison") monte sur ses genoux en gémissant : "Je suis orpheline, un orphelin ...". "Mon bébé, mon orphelin, orphelin, orphelin", répond Semiramida en le caressant. Dans le programme théâtral de "Chairs", l'auteur a formulé l'idée de la pièce comme suit : "Le monde me semble parfois dépourvu de sens, de réalité - irréel. C'est ce sentiment d'irréalité… que j'ai voulu transmettre avec l'aide de mes personnages, qui errent dans le chaos, n'ayant que peur, remords… et la conscience du vide absolu de leur vie….

De telles "transformations" sont caractéristiques de la dramaturgie d'E. Ionesco. Désormais Madeleine, l'héroïne de La Victime du devoir, est perçue comme une femme âgée marchant dans la rue avec un enfant, puis elle participe à la recherche de Mallo dans les labyrinthes de la conscience de son mari Schubert, le présentant comme un guide et en même temps l'étudie en spectateur extérieur, bourré de critiques de critiques de théâtre parisiens, flagellant Ionesco.

Le policier qui est venu à Schuber lui fait chercher Malo, puisque Schuber a précisé qu'il connaissait bien ce (ou un autre) Malo. Le même policier est associé au père de Schuber, qui personnifie la conscience. Le héros "monte" dans ses souvenirs, escaladant une pyramide de chaises sur la table, tombe; en pantomime, il descend dans les profondeurs de sa mémoire, et pour en « boucher » les trous, il mastique d'innombrables tranches de pain...

Il existe diverses interprétations de ce clown extravagant. Serge Dubrowski, et après lui Esslin, voient la pièce comme une formule mixte de freudisme et d'existentialisme, et l'histoire de Schubert comme une thèse « universelle » abstraite : l'homme n'est rien ; toujours à la recherche de lui-même, subissant des transformations sans fin, il n'atteint jamais la véritable existence réelle. D'autres voient dans Victims of Duty une parodie vicieuse de théâtre réaliste et psychologique. D'autres encore recommandent de ne pas prendre du tout au sérieux les pensées d'Ionesco, car il peut parodier à la fois Freud et Sartre et lui-même ici.

Dans une des lettres de 1957, le dramaturge raconte son parcours vers la gloire : « Sept ans se sont écoulés depuis que ma première pièce a été jouée à Paris. Ce fut un succès modeste, un scandale médiocre. Ma deuxième pièce a eu un échec un peu plus gros, un scandale un peu plus gros. Ce n'est qu'en 1952, à propos des « Chaires », que les événements prennent une tournure plus large. Chaque soir, il y avait huit personnes dans le théâtre qui étaient très mécontentes de la pièce, mais le bruit qu'elle provoquait était entendu par un nombre nettement plus important de personnes à Paris, dans toute la France, il atteignait la frontière allemande même. Et après l'apparition de mes troisième, quatrième, cinquième ... huitième pièces, la rumeur de leurs échecs a commencé à se répandre à pas de géant. L'indignation a traversé la Manche ... Elle a traversé l'Espagne, l'Italie, s'est propagée en Allemagne, s'est déplacée sur des navires en Angleterre ... Je pense que si l'échec se propage de cette manière, il se transformera en triomphe.

Souvent, les héros d'Eugène Ionesco sont victimes d'idées généralisées et illusoires, captifs d'un devoir humble et respectueux des lois, d'une machine bureaucratique, exécutant des fonctions conformes. Leur conscience est mutilée par l'éducation, les idées pédagogiques standard, le mercantilisme et la morale moralisatrice. Ils s'isolent de la réalité avec le bien-être illusoire de la norme de consommation.

, France

Biographie

Théâtre de la Huchette

Eugene Ionesco insiste sur le fait qu'avec son travail, il exprime une vision du monde extrêmement tragique. Ses pièces mettent en garde contre les dangers d'une société où les individus risquent de devenir membres de la famille des équidés (Rhinocéros, 1965), d'une société où rôdent des tueurs anonymes (Le Tueur désintéressé, 1960), où chacun est constamment entouré des dangers de la monde réel et transcendant (« Air Pedestrian », 1963). L'"eschatologie" du dramaturge est un trait caractéristique de la vision du monde des "pentecôtistes effrayés", représentants de la partie intellectuelle et créative de la société, qui s'est enfin remise des épreuves et des bouleversements de la guerre mondiale. Le sentiment de confusion, de désunion, l'indifférence nourrie environnante et l'adhésion alarmée aux dogmes de l'opportunisme humaniste rationnel, ont fait naître la nécessité de faire sortir le profane de cet état d'indifférence soumise, contraint de prévoir de nouveaux troubles. Une telle perspective, dit Schwob-Felich, naît dans les périodes de transition, "lorsque le sens de la vie est ébranlé". L'expression d'anxiété qui apparaît dans les pièces d'E. Ionesco n'est perçue que comme un caprice, un jeu de fantaisie délirante et un puzzle extravagant et scandaleux de l'original qui tombe dans une panique réflexive. Les œuvres d'Ionesco ont été retirées du répertoire. Cependant, les deux premières comédies - "The Bald Singer" (1948, anti-play) et "The Lesson" (1950) - ont ensuite repris sur scène, et depuis 1957, elles sont diffusées tous les soirs depuis de nombreuses années dans l'un des les plus petites salles de Paris - La Huchette. Au fil du temps, ce genre a trouvé la compréhension, non seulement en dépit de son caractère inhabituel, mais aussi grâce à l'intégrité convaincante de la métaphore scénique.

Il propose de se tourner vers les origines de l'art théâtral. Les plus acceptables pour lui sont les performances de l'ancien théâtre de marionnettes, qui crée des images invraisemblables et grossièrement caricaturales afin de souligner la grossièreté, le grotesque de la réalité elle-même. Le dramaturge voit la seule voie possible pour le développement du théâtre le plus récent en tant que genre spécifique, différent de la littérature, précisément dans l'utilisation hypertrophiée des moyens du grotesque primitif, en amenant les méthodes d'exagération théâtrale conditionnelle à l'extrême, "cruelle" , des formes "insupportables", au "paroxysme" du comique et du tragique. Il vise à créer un théâtre « féroce, débridé » - « théâtre du cri », comme le caractérisent certains critiques. Il convient de noter en même temps que E. Ionesco s'est immédiatement montré comme un écrivain et un connaisseur de la scène d'un talent exceptionnel. Il est doué d'un talent indéniable pour rendre « visibles », « tangibles » toutes les situations théâtrales, d'un extraordinaire pouvoir d'imagination, tantôt sombre, tantôt capable d'évoquer avec humour le rire homérique.

Chanteur chauve, Noctambule, 1950

Premières pièces

La logique du paradoxe d'E. Ionesco se transforme en logique de l'absurde. Perçu initialement comme un jeu divertissant, il pourrait ressembler au jeu inoffensif de M. Cervantès "Two Talkers", si l'action sans compromis, avec tout son développement, n'entraînait le spectateur dans l'espace déformé d'Ultima Thule, un système de catégories brisé. et un flot de jugements contradictoires, une vie totalement dépourvue de vecteur spirituel. Pour ceux à qui s'adresse la fantasmagorie qui se déploie, il ne reste plus qu'à garder en réserve, sous le signe de l'ironie, les repères de la « conscience de soi habituelle ».

Le critique français Michel Corvin écrit :

Ionesco bat et détruit pour mesurer ce qui sonne vide, faire du langage le sujet du théâtre, presque un personnage, le faire rire, faire office de mécanisme, c'est-à-dire insuffler la folie dans les relations les plus banales, détruire les fondements de la société bourgeoise.

Les personnages reproductibles, dotés de toutes les qualités "réalistes", sont volontairement caricaturés par l'absence de toute fiabilité empirique. Les acteurs transforment constamment leurs personnages, changeant de manière imprévisible leur manière et leur dynamique de performance, passant instantanément d'un état à un autre. Semiramis dans la pièce "Chairs" (1951) agit soit comme l'épouse du vieil homme, soit comme sa mère. "Je suis ta femme, donc ta mère l'est maintenant", dit-elle à son mari, et le vieil homme ("homme, soldat, maréchal de cette maison") monte sur ses genoux en gémissant : "Je suis orpheline, un orphelin ...". "Mon bébé, mon orphelin, orphelin, orphelin", répond Semiramida en le caressant. Dans le programme théâtral de "Chairs", l'auteur a formulé l'idée de la pièce comme suit : "Le monde me semble parfois dépourvu de sens, de réalité - irréel. C'était ce sentiment d'irréalité... que je voulais transmettre avec l'aide de mes personnages qui errent dans le chaos, n'ayant dans l'âme que la peur, le remords... et la conscience du vide absolu de leur vie..." .

Jean-Paul Sartre caractérise ainsi l'œuvre d'Eugène Ionesco :

Né hors de France, Ionesco considère notre langue comme à distance. Il expose en lui les lieux communs, la routine. Si on part de The Bald Singer, alors il y a une idée très pointue de l'absurdité du langage, à tel point qu'on n'a plus envie de parler. Ses personnages ne parlent pas, mais imitent le mécanisme du jargon de façon grotesque, Ionesco "de l'intérieur" ravage la langue française, n'y laissant que des exclamations, des interjections, des malédictions. Son théâtre est un rêve de langage.

Dans une des lettres de 1957, le dramaturge raconte son parcours vers la gloire : « Sept ans se sont écoulés depuis que ma première pièce a été jouée à Paris. Ce fut un succès modeste, un scandale médiocre. Ma deuxième pièce a eu un échec un peu plus gros, un scandale un peu plus gros. Ce n'est qu'en 1952, à propos des « Chaires », que les événements prennent une tournure plus large. Chaque soir, il y avait huit personnes dans le théâtre qui étaient très mécontentes de la pièce, mais le bruit qu'elle provoquait était entendu par un nombre nettement plus important de personnes à Paris, dans toute la France, il atteignait la frontière allemande même. Et après l'apparition de mes troisième, quatrième, cinquième ... huitième pièces, la rumeur de leurs échecs a commencé à se répandre à pas de géant. L'indignation a traversé la Manche... Elle est passée en Espagne, en Italie, s'est propagée en Allemagne, s'est déplacée sur des navires vers l'Angleterre... Je pense que si l'échec se propage de cette façon, il se transformera en triomphe "

La littérature et le théâtre peuvent-ils vraiment saisir l'incroyable complexité de la vie réelle... Nous vivons un cauchemar sauvage : la littérature n'a jamais été aussi puissante, poignante, intense que la vie ; et encore plus aujourd'hui. Pour rendre la cruauté de la vie, la littérature doit être mille fois plus cruelle, plus terrible.
Plus d'une fois dans ma vie, j'ai été frappé par un changement soudain… Très souvent, les gens commencent à professer une nouvelle foi… Philosophes et journalistes… commencent à parler d'un « moment vraiment historique ». En même temps, vous assistez à la mutation progressive de la pensée. Quand les gens ne partagent plus votre avis, quand il n'est plus possible d'être d'accord avec eux, il semble que vous vous tourniez vers des monstres...

Liste des oeuvres

Pièces

Le chanteur chauve (La Cantatrice chauve), 1950
Les salutations, 1950
"Leçon" (La Leçon), 1951
"Chaises" (Les Chaises), 1952
Le Maître, 1953
Victimes du devoir, 1953
La Jeune fille à marier, 1953
Amédée ou Comment s'en débarrasser, 1954
Jacques ou la Soumission, 1955
"Le nouveau locataire" (Le Nouveau Locataire), 1955
Le Tableau, 1955
L'Impromptu de l'Alma, 1956
L'avenir est dans les oeufs (L'avenir est dans les oeufs), 1957
"Le tueur désintéressé" (Tueur sans gages), 1959
"Étude pour quatre" (Scène à quatre), 1959
Apprendre à marcher, 1960
"Rhinocéros" (Rhinocéros), 1960
Délire ensemble (Délire à deux), 1962
Le roi meurt (Le roi se meurt), 1962
Piéton aérien (Le Piéton de l'air), 1963
Soif et faim (La Soif et la Faim), 1965
"Gap" (La Lacune), 1966
Jeux de massacre, 1970
"Macbett" (Macbett), 1972
"Voyage parmi les morts" (Le voyage chez les morts), 1980
L'homme aux valises, 1975
Voyage chez les morts, 1980

Essai, Journal

Nu, 1934
Hugoliade, 1935
La Tragédie du langage, 1958
Expérience du théâtre, 1958
Discours sur l'avant-garde, 1959
Notes et contre-notes, 1962
Journal en miettes, 1967
Découvertes, 1969
Antidotes, 1977

Paroles

Elegii pentru fiinţe mici, 1931

Romans, nouvelles et nouvelles

Le Vase, 1956
Les Rhinocéros, 1957
Le Piéton de l'air, 1961
"Photographie du Colonel" (La Photo du colonel), 1962
Le Solitaire, 1973

Des articles

Le théâtre de l'absurde a-t-il un avenir ? // Théâtre de l'absurde. Assis. articles et publications. SPb., 2005. S. 191-195.

Remarques

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Eugène Ionesco (né le 26 novembre 1909 à Slatina, Roumanie - mort le 28 mars 1994 à Paris), dramaturge français, l'un des fondateurs du mouvement esthétique de l'absurde (théâtre de l'absurde). Membre de l'Académie française (1970).

Ionesco est d'origine roumaine. Né le 26 novembre 1909 dans la ville roumaine de Slatine. Ses parents l'ont emmené en France dès son plus jeune âge, jusqu'à l'âge de 11 ans, il a vécu dans le village français de La Chapelle-Anthenaise, puis à Paris. Plus tard, il a déclaré que les impressions d'enfance sur la vie du village se reflétaient largement dans son travail - comme des souvenirs d'un paradis perdu. À l'âge de 13 ans, il retourne en Roumanie, à Bucarest, et y vit jusqu'à l'âge de 26 ans. En 1938, il retourna à Paris, où il vécut le reste de sa vie.

Les gens qui ont perdu la faculté de contempler, qui ne s'étonnent pas d'exister, de vivre, sont des infirmes spirituels.

Ionesco Eugène

La formation de sa personnalité s'est déroulée sous le signe de deux cultures - française et roumaine. La relation avec la langue était particulièrement intéressante. Passer au roumain en adolescence(il a écrit ses premiers poèmes en roumain), il a commencé à oublier le français - à savoir, littéraire, et non familier; appris à écrire dessus. Plus tard à Paris, il a fallu réapprendre le français au niveau de la littérature professionnelle. Plus tard, J.-P. Sartre note que c'est cette expérience qui permet à Ionesco de considérer la langue française comme à distance, ce qui lui donne l'occasion des expériences lexicales les plus audacieuses.

Il a étudié à l'Université de Bucarest, a étudié la littérature et la langue françaises. Ionesco a rappelé que l'essentiel de sa période bucarestoise était le sentiment de conflit avec l'environnement, la prise de conscience qu'il n'était pas à sa place. Au début des années 1930, les idées nazies ont également fleuri au sein de l'intelligentsia roumaine - selon Ionesco, il était à la mode à cette époque d'appartenir à la droite. La protestation interne contre l'idéologie "à la mode" a formé ses principes de vision du monde. Il considérait sa résistance au fascisme non pas comme un problème politique ou social, mais comme un problème existentiel, le problème du rapport entre l'individualité humaine et l'idéologie de masse. Le fascisme en tant que mouvement politique n'y a joué qu'un rôle particulier de «déclencheur», de point de départ: Ionesco détestait toute pression idéologique massive, le diktat du collectivisme, le désir de contrôler les émotions et les actions d'une personne.

Ionesco a porté sa haine pour les régimes totalitaires tout au long de sa vie - les sensations juvéniles spontanées se sont reflétées et se sont développées en principes conscients. En 1959, ce problème est à la base de la pièce Le Rhinocéros, qui interroge le processus de mutation collective, de renaissance sous l'influence d'une idéologie imposée. C'est sa seule pièce qui se prête à une interprétation socio-politique, quand l'invasion des rhinocéros en cours de production est considérée par l'un ou l'autre metteur en scène comme une métaphore de l'apparition du fascisme. Ionesco était toujours un peu découragé et agacé par cette circonstance.

Le reste de ses pièces ne permettait pas une interprétation aussi spécifique. Qu'elles aient été comprises ou non par les metteurs en scène et le public - et la polémique des années 1950 autour de la tendance esthétique de l'absurde s'est développée sérieusement et s'est poursuivie pendant plusieurs décennies - il ne fait guère de doute que les pièces de Ionesco dans leur forme pure sont dédiées à la vie de l'esprit humain. Ces problèmes ont été considérés et analysés par l'auteur par des moyens inhabituels et nouveaux - à travers l'effondrement de la structure logique du sens et de la forme de tous les éléments constitutifs de la pièce: intrigue, intrigue, langage, composition, personnages. Ionesco lui-même a donné une chaleur supplémentaire à la controverse. Il accordait volontiers des interviews, se querellait avec des metteurs en scène, parlait beaucoup et de manière contradictoire de son concept esthétique et théâtral. Ainsi, Ionesco était contre le terme même "d'absurdisme", arguant que ses pièces sont réalistes - autant que tout le monde réel et la réalité environnante sont absurdes. Ici on peut être d'accord avec l'auteur, si l'on considère qu'il ne s'agit pas de réalités quotidiennes, sociales et politiques, mais des problèmes philosophiques de l'être.

En 1938, il soutient sa thèse de doctorat en philosophie à la Sorbonne Sur les motifs de la peur et de la mort dans la poésie française après Baudelaire.

La première création d'Ionesco - la pièce The Bald Singer - a eu lieu le 11 mai 1950 au Night Owl Theatre à Paris (mise en scène N. Bataille). Il est très significatif - dans le cadre de l'esthétique de l'absurde - que la chanteuse chauve elle-même non seulement n'apparaisse pas sur scène, mais n'ait pas été mentionnée dans la version originale de la pièce. Selon la légende théâtrale, Ionesco a trouvé le nom de la pièce lors de la première répétition, en raison d'une réserve de l'acteur répétant le rôle d'un pompier (au lieu des mots "chanteur trop brillant", il a dit "chanteur trop chauve" ). Ionesco a non seulement corrigé cette réserve dans le texte, mais a également remplacé la version originale du titre de la pièce (Anglais sans rien faire). Cela a été suivi par The Lesson (1951), Chairs (1952), Victims of Duty (1953) et d'autres.

Place dans une ville de province. Le commerçant siffle avec indignation après la femme au chat - La ménagère est allée faire ses courses dans un autre magasin. Jean et Béranger apparaissent presque en même temps - pourtant, Jean reproche à son ami d'être en retard. Tous deux s'assoient à une table devant le café. Bérenger n'a pas bonne mine : il tient à peine debout, bâille, son costume est froissé, sa chemise est sale, ses chaussures ne sont pas lavées. Jean énumère avec enthousiasme tous ces détails - il a clairement honte de son ami faible. Soudain, le claquement d'une énorme bête en cours d'exécution se fait entendre, puis un rugissement prolongé. La serveuse hurle d'horreur - c'est un rhinocéros ! La ménagère effrayée entre en courant, serrant convulsivement le chat contre sa poitrine. Le vieux maître élégamment vêtu se cache dans la boutique, poussant sans ménagement le propriétaire. Le logicien au canotier est plaqué contre le mur de la maison. Lorsque le cliquetis et le rugissement du rhinocéros s'estompent au loin, tout le monde reprend progressivement ses esprits. Le logicien déclare qu'une personne raisonnable ne doit pas succomber à la peur. Le commerçant réconforte la femme au foyer de manière insinuante, louant sa marchandise en cours de route. Jean s'indigne : un animal sauvage dans les rues de la ville, c'est du jamais vu ! Seul Bérenger est mou et atone avec une gueule de bois, mais à la vue d'une jeune blonde Daisy, il se lève d'un bond, renversant son verre sur le pantalon de Jean. Pendant ce temps, le Logicien tente d'expliquer au Vieux Maître la nature du syllogisme : tous les chats sont mortels, Socrate est mortel, donc Socrate est un chat. Le vieux monsieur ébranlé dit que son chat s'appelle Socrate. Jean essaie d'expliquer à Béranger l'essence du bon mode de vie : il faut s'armer de patience, d'intelligence et, bien sûr, abandonner complètement l'alcool - en plus, il faut se raser tous les jours, bien nettoyer ses chaussures, entrer une chemise fraîche et un costume décent. Choqué, Béranger dit qu'il visitera aujourd'hui le musée de la ville, et le soir il ira au théâtre pour voir la pièce de Ionesco, dont on parle tant aujourd'hui. Le logicien approuve les premiers succès du Vieux Maître dans le domaine de l'activité mentale. Jean approuve les bonnes intentions de Béranger dans le domaine des loisirs culturels. Mais alors tous les quatre sont noyés par un terrible grondement. L'exclamation "Oh, rhinocéros!" est répété par tous les participants à la scène, et seul Béranger pousse le cri "Oh, Daisy!". Immédiatement, un miaulement déchirant se fait entendre, et la Ménagère apparaît avec un chat mort dans ses bras. De tous côtés, il y a une exclamation de "Oh, pauvre chatte!", Et puis une dispute commence sur le nombre de rhinocéros qu'il y avait. Jean déclare que le premier était asiatique - avec deux cornes, et le second africain - avec une. Bérenger, de manière inattendue pour lui-même, objecte à son ami : la poussière se tenait en colonne, il n'y avait rien à voir, et encore plus à compter les cornes. Aux gémissements de la Ménagère, l'escarmouche se termine par une querelle : Jean traite Bérenger d'ivrogne et annonce une rupture complète des relations. La discussion continue : le commerçant prétend que seul le rhinocéros d'Afrique a deux cornes. Le logicien prouve qu'un même être ne peut naître en deux lieux différents. Frustré, Béranger se reproche son intempérance - il n'y avait pas lieu de grimper sur le saccage et la colère de Jean ! Ayant commandé une double portion de cognac par chagrin, il renonce lâchement à son intention d'aller au musée.

Bureau juridique. Les collègues Béranger discutent vigoureusement des dernières nouvelles. Daisy insiste sur le fait qu'elle a vu le rhinocéros de ses propres yeux et Dudar montre une note au service des accidents. Botar déclare que toutes ces histoires sont stupides, et ce n'est pas à une fille sérieuse de les répéter - étant un homme aux convictions progressistes, il ne fait pas confiance aux journalistes corrompus qui écrivent sur un chat écrasé au lieu de dénoncer le racisme et l'ignorance. Béranger apparaît, qui, comme d'habitude, était en retard au travail. Le chef du bureau, Papillon, exhorte tout le monde à se mettre au travail, mais Botar ne peut en aucun cas se calmer : il accuse Dudar de propagande malveillante dans le but d'inciter à la psychose de masse. Soudain, Papillon remarque l'absence de l'un des employés - Beth. Madame Bef, effrayée, accourut : elle rapporte que son mari est malade, et un rhinocéros la chasse de la maison même. Sous le poids de la bête, l'escalier de bois s'effondre. Entassés à l'étage, tout le monde regarde le rhinocéros. Bothard déclare qu'il s'agit d'une sale machination des autorités, et Madame Boeuf hurle soudain - elle reconnaît son mari dans un animal à la peau épaisse. Il lui répond par un rugissement frénétiquement doux. Madame Beth saute sur son dos et le rhinocéros rentre chez lui au galop. Daisy appelle les pompiers pour évacuer le bureau. Il s'avère que les pompiers sont aujourd'hui très sollicités: il y a déjà dix-sept rhinocéros dans la ville, et selon les rumeurs - même trente-deux. Botar menace de dénoncer les traîtres responsables de cette provocation. Un camion de pompiers arrive : les employés descendent l'échelle de secours. Dudar invite Bérenger à tirer un verre, mais il refuse : il veut rendre visite à Jean et, si possible, faire la paix avec lui.

Appartement de Jean : il est allongé sur le lit, ne répondant pas au coup de Béranger. Le vieux voisin explique qu'hier Jean était très énervé. Enfin, Jean laisse entrer Bérenger, mais retourne aussitôt se coucher. Béranger s'excuse en balbutiant pour hier. Jean est visiblement malade : il parle d'une voix rauque, respire fort et écoute Béranger avec une irritation croissante. La nouvelle de la transformation de Beth en rhinocéros l'exaspère complètement - il commence à se précipiter, se cachant de temps en temps dans la salle de bain. A ses cris de plus en plus indistincts, on peut comprendre que la nature est au-dessus de la morale - les gens ont besoin de revenir à la pureté primitive. Béranger remarque avec horreur comment son ami devient progressivement vert et une bosse ressemblant à une corne se développe sur son front. Une fois de plus, en courant dans la salle de bain, Jean se met à rugir - pas de doute, c'est un rhinocéros ! Avec difficulté à verrouiller la bête en colère avec une clé, Bérenger appelle à l'aide un voisin, mais au lieu du vieil homme, il voit un autre rhinocéros. Et devant la fenêtre tout un troupeau détruit les bancs du boulevard. La porte de la salle de bain grince, et Bérenger s'envole avec un cri désespéré de « Rhinocéros !

Appartement de Béranger : il est allongé sur le lit, la tête attachée. De la rue vient le fracas et le rugissement. On frappe à la porte - c'est Dudar qui est venu rendre visite à un collègue. Les questions sympathiques sur la santé terrifient Béranger - il imagine constamment qu'une bosse se développe sur sa tête et sa voix devient rauque. Dudar essaie de le rassurer: en fait, il n'y a rien de terrible à se transformer en rhinocéros - en fait, ils ne sont pas du tout méchants et ils ont une sorte d'innocence naturelle. De nombreuses personnes honnêtes ont accepté de devenir des rhinocéros de manière complètement désintéressée - par exemple, Papillon. Certes, Botar le condamnait pour apostasie, mais cela était davantage dicté par la haine de ses supérieurs que par de véritables convictions. Bérenger se réjouit qu'il reste encore des inflexibles - si seulement une Logique pouvait être trouvée qui serait capable d'expliquer la nature de cette folie ! Il s'avère que le Logic s'est déjà transformé en bête - on le reconnaît à son canotier, percé d'une corne. Bérenger est découragé : d'abord, Jean est une personne si brillante, un champion de l'humanisme et d'une bonne hygiène de vie, et maintenant Logic ! Daisy apparaît avec la nouvelle que Botar est devenu un rhinocéros - selon lui, il souhaitait suivre le rythme. Bérenger déclare qu'il faut lutter contre la brutalité - par exemple, mettre les rhinocéros dans des enclos spéciaux. Dudar et Daisy objectent unanimement : la Société protectrice des animaux sera contre, et d'ailleurs, tout le monde a des amis et des proches parmi les rhinocéros. Dudar, clairement bouleversé par la préférence de Daisy pour Béranger, prend la soudaine décision de devenir rhinocéros. Bérenger tente en vain de l'en dissuader : Dudar s'en va, et Daisy, regardant par la fenêtre, dit qu'il a déjà rejoint le troupeau. Béranger se rend compte que l'amour de Daisy aurait pu sauver Dudar. Maintenant, ils ne sont plus que deux et ils doivent prendre soin les uns des autres. Daisy a peur : un rugissement se fait entendre dans le combiné, un rugissement est transmis à la radio, les sols tremblent à cause du cliquetis des locataires rhinocéros. Peu à peu, le rugissement devient plus mélodique et Daisy déclare soudain que les rhinocéros sont géniaux - ils sont si joyeux, énergiques, c'est agréable à regarder ! Béranger, incapable de se retenir, lui donne une gifle, et Daisy s'en va vers les beaux rhinocéros musicaux. Béranger se regarde dans le miroir avec horreur - comme le visage humain est laid ! Si seulement il pouvait se faire pousser une corne, acquérir une merveilleuse peau vert foncé, apprendre à rugir ! Mais le dernier homme ne peut que se défendre, et Béranger regarde autour de lui à la recherche d'une arme. Il n'abandonne pas.

ne) (1909-1994), dramaturge français, l'un des fondateurs du mouvement esthétique de l'absurde (théâtre de l'absurde). Membre de l'Académie française (1970).

La formation de sa personnalité s'est déroulée sous le signe de deux cultures - française et roumaine. La relation avec la langue était particulièrement intéressante. Passé au roumain à l'adolescence (il a écrit ses premiers poèmes en roumain), il a commencé à oublier le français - à savoir littéraire, pas familier; appris à écrire dessus. Plus tard, à Paris, il a fallu réapprendre le français au niveau de la littérature professionnelle. Plus tard, J.-P. Sartre note que c'est cette expérience qui permet à Ionesco de considérer la langue française comme à distance, ce qui lui donne l'occasion des expériences lexicales les plus audacieuses.

Il a étudié à l'Université de Bucarest, a étudié la littérature et la langue françaises. Ionesco a rappelé que l'essentiel de sa période bucarestoise était le sentiment de conflit avec l'environnement, la prise de conscience qu'il n'était pas à sa place. Au début des années 1930, les idées nazies ont également fleuri au sein de l'intelligentsia roumaine - selon Ionesco, il était à la mode à cette époque d'appartenir à la droite. La protestation interne contre l'idéologie "à la mode" a formé ses principes de vision du monde. Il considérait sa résistance au fascisme non pas comme un problème politique ou social, mais comme un problème existentiel, le problème du rapport entre l'individualité humaine et l'idéologie de masse. Le fascisme, en tant que mouvement politique, n'y a joué qu'un rôle particulier de «déclencheur», de point de départ: Ionesco détestait toute pression idéologique massive, les diktats du collectivisme, le désir de contrôler les émotions et les actions d'une personne.

Ionesco a porté sa haine pour les régimes totalitaires tout au long de sa vie - les sensations juvéniles spontanées se sont reflétées et se sont développées en principes conscients. En 1959, ce problème est à la base de la pièce rhinocéros, considérant le processus de mutation collective, de renaissance sous l'influence de l'idéologie imposée. C'est sa seule pièce qui se prête à une interprétation socio-politique, quand l'invasion des rhinocéros en cours de production est considérée par l'un ou l'autre metteur en scène comme une métaphore de l'apparition du fascisme. Ionesco était toujours un peu découragé et agacé par cette circonstance.

Le reste de ses pièces ne permettait pas une interprétation aussi spécifique. Que les metteurs en scène et le public les aient compris ou non - et la polémique des années 1950 autour de la tendance esthétique de l'absurde s'est développée sérieusement et s'est poursuivie pendant plusieurs décennies - il ne fait guère de doute que les pièces de Ionesco dans leur forme pure sont dédiées à la vie de l'esprit humain. Ces problèmes ont été envisagés et analysés par l'auteur par des moyens inhabituels et nouveaux - à travers la désintégration de la structure logique du sens et de la forme de tous les éléments constitutifs de la pièce: intrigue, intrigue, langage, composition, personnages. Ionesco lui-même a donné une chaleur supplémentaire à la controverse. Il accordait volontiers des interviews, se querellait avec des metteurs en scène, parlait beaucoup et de manière contradictoire de son concept esthétique et théâtral. Ainsi, Ionesco était contre le terme même "d'absurdisme", arguant que ses pièces sont réalistes - autant que tout le monde réel et la réalité environnante sont absurdes. Ici on peut être d'accord avec l'auteur, si l'on considère qu'il ne s'agit pas de réalités quotidiennes, sociales et politiques, mais des problèmes philosophiques de l'être.

En 1938, il soutient sa thèse de doctorat en philosophie à la Sorbonne. Sur les motifs de la peur et de la mort dans la poésie française après Baudelaire.

La première création de Ionesco - une pièce de théâtre Chanteur chauve- a eu lieu le 11 mai 1950, au Théâtre des Oiseaux de Paris (mise en scène N. Bataille). Il est très significatif - dans le cadre de l'esthétique de l'absurde - que la chanteuse chauve elle-même non seulement n'apparaisse pas sur scène, mais n'ait pas été mentionnée dans la version originale de la pièce. Selon la légende théâtrale, Ionesco a trouvé le nom de la pièce lors de la première répétition, en raison d'une réserve de l'acteur répétant le rôle d'un pompier (au lieu des mots "chanteur trop brillant", il a dit "chanteur trop chauve" ). Ionesco a non seulement fixé cette réserve dans le texte, mais a également remplacé la version originale du titre de la pièce ( Anglais inactif). Puis suivi Leçon(1951), Chaises(1952), Victimes de dettes(1953) et d'autres.

Il est surtout connu pour sa tétralogie dramatique, unie héros commun dramaturge Béranger, qui reflète les recherches existentielles autobiographiques de l'auteur : Tueur désintéressé,rhinocéros,Piéton aérien,Le roi est en train de mourir(1959-1962).

Dans les années 1960 et 1970, les pièces de Ionesco intensifient le son apocalyptique, directement lié à la domination de l'idéologie totalitaire : délire ensemble (1962),Soif et faim(1964 - ici la tristesse existentielle de l'auteur pour le paradis perdu est particulièrement clairement exprimée), Macbeth(1972), Ce bordel incroyable(1973), Homme avec des valises(1975).

En 1970, Ionesco est élu membre de l'Académie française des sciences.

D'autres œuvres comprennent des recueils de nouvelles photo du colonel(1962), essais et mémoires Miettes de journal (1967), passé présent, présent passé (1968), Découvertes (1969), Entre la vie et le sommeil (1977), Antidotes(1977), Pour la culture contre la politique (1979), homme en question (1979), Blanc et noir(1981); roman Ermite(1974). Articles sur l'art, mémoires et réflexions sur le théâtre réunis en collections Notes et réfutations(1962) et Lignes pointillées de recherches(1987). Une sorte de résumé manière créative sont devenus les mémoires d'Ionesco, habillés d'une forme dramatique - Voyages vers les morts(1980).

Tatyana Shabalina