Was sind die Merkmale der antiken griechischen Skulptur? Skulptur Griechenlands der Ära der Klassiker Die wichtigsten Etappen in der Entwicklung der antiken griechischen Skulptur

Was sind die Merkmale der antiken griechischen Skulptur?

Angesichts der griechischen Kunst brachten viele prominente Köpfe echte Bewunderung zum Ausdruck. Einer der berühmtesten Kunstforscher des antiken Griechenlands, Johann Winckelmann (1717-1768), sagt über die griechische Skulptur: „Kenner und Nachahmer griechischer Werke finden in ihren meisterhaften Schöpfungen nicht nur die schönste Natur, sondern auch mehr als Natur, nämlich eine ideale Schönheit davon, die ... aus Bildern geschaffen wird, die vom Geist skizziert werden. Jeder, der über griechische Kunst schreibt, notiert darin eine erstaunliche Kombination aus naiver Unmittelbarkeit und Tiefe, Realität und Fiktion. Darin, besonders in der Bildhauerei, verkörpert sich das Ideal des Menschen. Was ist die Natur des Ideals? Wie hat er die Menschen so fasziniert, dass der greise Goethe im Louvre vor der Skulptur der Aphrodite schluchzte?

Die Griechen haben immer geglaubt, dass nur in einem schönen Körper eine schöne Seele leben kann. Daher ist die Harmonie des Körpers, äußere Perfektion eine unabdingbare Voraussetzung und die Grundlage eines idealen Menschen. Das griechische Ideal wird durch den Begriff definiert kalokagatiya(GR. Kalos- schön + Agathos nett). Da Kalokagatiya die Vollkommenheit sowohl der körperlichen Konstitution als auch des spirituellen und moralischen Lagers beinhaltet, trägt das Ideal neben Schönheit und Stärke auch Gerechtigkeit, Keuschheit, Mut und Vernunft. Das macht die griechischen Götter, die von antiken Bildhauern gemeißelt wurden, einzigartig schön.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_001.shtml Die besten Denkmäler der antiken griechischen Skulptur wurden im 5. Jahrhundert geschaffen. BC. Aber es sind noch mehr zu uns gekommen frühe Arbeiten. Statuen des 7.-6. Jahrhunderts BC sind symmetrisch: Eine Körperhälfte ist ein Spiegelbild der anderen. Gefesselte Haltungen, ausgestreckte Arme an einen muskulösen Körper gepresst. Nicht die geringste Neigung oder Drehung des Kopfes, aber die Lippen sind zu einem Lächeln geöffnet. Ein Lächeln, wie von innen heraus, erhellt die Skulptur mit einem Ausdruck von Lebensfreude.

Später, in der Zeit des Klassizismus, nehmen die Statuen eine größere Formenvielfalt an.

Es gab Versuche, die Harmonie algebraisch zu begreifen. Die erste wissenschaftliche Studie darüber, was Harmonie ist, wurde von Pythagoras durchgeführt. Die von ihm gegründete Schule befasste sich mit Fragen philosophischer und mathematischer Natur und wandte mathematische Berechnungen auf alle Aspekte der Realität an. Weder die musikalische Harmonie noch die Harmonie des menschlichen Körpers oder der architektonischen Struktur war eine Ausnahme. Die pythagoreische Schule betrachtete die Zahl als Grundlage und Anfang der Welt.

Was hat Zahlentheorie mit griechischer Kunst zu tun? Es erweist sich als das direkteste, da die Harmonie der Sphären des Universums und die Harmonie der ganzen Welt durch dieselben Zahlenverhältnisse ausgedrückt werden, von denen die wichtigsten die Verhältnisse 2/1, 3/2 und 4 sind /3 (in der Musik sind dies jeweils eine Oktave, eine Quinte und eine Quarte). Darüber hinaus impliziert Harmonie die Möglichkeit, eine beliebige Korrelation von Teilen jedes Objekts, einschließlich der Skulptur, gemäß dem folgenden Verhältnis zu berechnen: a / b \u003d b / c, wobei a ein kleinerer Teil des Objekts ist, b ein beliebiger großer Teil , c ist das Ganze. Auf dieser Grundlage schuf der große griechische Bildhauer Polikleitos (5. Jahrhundert v. Chr.) Eine Skulptur eines speertragenden jungen Mannes (5. Jahrhundert v. Chr.), Die „Dorifor“ („Speerträger“) oder „Kanon“ genannt wird - von der Name des Werkbildhauers, in dem er die Kunsttheorie diskutiert und die Gesetze des Bildes einer perfekten Person betrachtet. Es wird angenommen, dass die Argumentation des Künstlers seiner Skulptur zugeschrieben werden kann.

Die Statuen von Polykleitos sind voller intensivem Leben. Polikleitos stellte gerne ruhende Athleten dar. Nehmen Sie den gleichen "Spearman". Dieser kräftig gebaute Mann ist voller Selbstwertgefühl. Regungslos steht er vor dem Betrachter. Dies ist jedoch nicht der statische Rest altägyptischer Statuen. Wie ein Mann, der seinen Körper geschickt und leicht kontrolliert, beugte der Speerkämpfer leicht ein Bein und verlagerte das Gewicht seines Körpers auf das andere. Es scheint, dass ein Moment vergehen wird und er einen Schritt nach vorne machen wird, den Kopf drehen wird, stolz auf seine Schönheit und Stärke. Vor uns steht ein starker, gutaussehender, angstfreier, stolzer, zurückhaltender Mann – die Verkörperung griechischer Ideale.

Im Gegensatz zu seinem Zeitgenossen Polikleitos stellte Myron seine Statuen gerne in Bewegung dar. Hier ist zum Beispiel die Statue „Discobolus“ (5. Jh. v. Chr.; Thermenmuseum Rom). Sein Autor, der große Bildhauer Miron, stellte einen schönen jungen Mann in dem Moment dar, als er eine schwere Scheibe schwang. Sein bewegungserfasster Körper ist gebogen und angespannt, wie eine sich entfaltende Feder. Trainierte Muskeln wölbten sich unter der elastischen Haut des nach hinten gezogenen Arms. Zehen, die eine zuverlässige Stütze bilden, tief in den Sand gedrückt. Die Statuen von Myron und Polykletos wurden in Bronze gegossen, aber nur Marmorkopien von antiken griechischen Originalen, die von den Römern angefertigt wurden, sind uns überliefert.

Die Griechen betrachteten Phidias als den größten Bildhauer seiner Zeit, der den Parthenon mit Marmorskulpturen schmückte. Seine Skulpturen spiegeln besonders wider, dass die Götter in Griechenland nichts als Abbilder eines idealen Menschen sind. Das am besten erhaltene Marmorband des Friesreliefs ist 160 m lang und stellt eine Prozession dar, die zum Tempel der Göttin Athene - dem Parthenon - führt.

Die Skulptur des Parthenon wurde schwer beschädigt. Und "Athena Parthenos" starb in der Antike. Sie stand im Tempel und war unbeschreiblich schön. Der Kopf der Göttin mit niedriger, glatter Stirn und abgerundetem Kinn, Hals und Armen waren aus Elfenbein, Haare, Kleidung, Schild und Helm aus Goldblech geprägt. Die Göttin in Form einer schönen Frau ist die Personifikation Athens.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_007.shtmlViele Geschichten sind mit dieser Skulptur verbunden. Das geschaffene Meisterwerk war so großartig und berühmt, dass sein Autor sofort viele Neider hatte. Sie versuchten auf jede erdenkliche Weise, den Bildhauer zu bedrohen und suchten nach verschiedenen Gründen, warum sie ihm etwas vorwerfen könnten. Es wird gesagt, dass Phidias beschuldigt wurde, einen Teil des Goldes zu verbergen, das als Material für die Dekoration der Göttin gegeben wurde. Als Beweis seiner Unschuld entfernte Phidias alle goldenen Gegenstände von der Skulptur und wog sie. Das Gewicht entsprach genau dem Gewicht des Goldes, das der Skulptur gegeben wurde. Dann wurde Phidias der Gottlosigkeit beschuldigt. Grund dafür war der Schild der Athene. Es zeigte die Handlung der Schlacht zwischen den Griechen und den Amazonen. Bei den Griechen porträtierte Phidias sich und seinen geliebten Perikles. Das Bild von Phidias auf dem Schild wurde zur Ursache des Konflikts. Trotz aller Errungenschaften von Phidias konnte sich die griechische Öffentlichkeit gegen ihn wenden. Das Leben des großen Bildhauers endete mit einer grausamen Hinrichtung.

Die Errungenschaften von Phidias im Parthenon waren für sein Werk nicht erschöpfend. Der Bildhauer schuf viele weitere Werke, darunter die kolossale Bronzefigur der Athena Promachos, die um 460 v. Chr. auf der Akropolis errichtet wurde, und die ebenso riesige Figur des Zeus in Elfenbein und Gold für den Tempel von Olympia. Leider gibt es keine authentischeren Werke mehr, und wir können die großartigen Kunstwerke des antiken Griechenlands nicht mit eigenen Augen sehen. Nur ihre Beschreibungen und Kopien blieben übrig. In vielerlei Hinsicht war dies auf die fanatische Zerstörung von Statuen durch gläubige Christen zurückzuführen.

So kann man die Zeus-Statue für den Tempel in Olympia beschreiben: Ein riesiger, vierzehn Meter hoher Gott saß auf einem goldenen Thron, und es schien, als würde es in der Weite eng werden, wenn er aufstand und seine breiten Schultern straffte Halle und die Decke wäre niedrig. Der Kopf des Zeus war mit einem Kranz aus Olivenzweigen geschmückt - ein Zeichen für die Friedfertigkeit des gewaltigen Gottes. Gesicht, Schultern, Arme und Brust waren aus Elfenbein, und der Umhang wurde über die linke Schulter geworfen. Die Krone, der Bart des Zeus waren aus glänzendem Gold.

Phidias stattete Zeus mit menschlichem Adel aus. Sein hübsches Gesicht, umrahmt von lockigem Bart und lockigem Haar, war nicht nur streng, sondern auch freundlich, die Haltung feierlich, majestätisch und ruhig. Die Kombination aus körperlicher Schönheit und Güte der Seele betonte seine göttliche Idealität. Die Statue machte einen solchen Eindruck, dass laut dem antiken Autor die Menschen, niedergeschlagen von Trauer, Trost suchten, indem sie über die Erschaffung von Phidias nachdachten. Gerüchten zufolge wurde die Zeus-Statue zu einem der „sieben Weltwunder“ erklärt.

Die Werke aller drei Bildhauer waren sich insofern ähnlich, als sie alle die Harmonie eines schönen Körpers und einer darin enthaltenen gütigen Seele darstellten. Das war der Haupttrend der Zeit.

Natürlich haben sich die Normen und Einstellungen in der griechischen Kunst im Laufe der Geschichte geändert. Die Kunst der Archaik war geradliniger, ihr fehlte die tiefsinnige Zurückhaltung, die die Menschheit in der Zeit der griechischen Klassik erfreut. In der Ära des Hellenismus, als der Mensch den Sinn für die Stabilität der Welt verlor, verlor die Kunst ihre alten Ideale. Es begann, das Gefühl der Ungewissheit über die Zukunft widerzuspiegeln, das in den gesellschaftlichen Strömungen dieser Zeit herrschte.

Eines einte alle Perioden der Entwicklung der griechischen Gesellschaft und Kunst: Das ist, wie M. Alpatov schreibt, eine besondere Vorliebe für die bildende Kunst, für die Raumkunst. Eine solche Vorliebe ist verständlich: Riesige Bestände an verschiedenfarbigem, edlem und idealem Material - Marmor - boten reichlich Möglichkeiten für seine Umsetzung. Obwohl die meisten griechischen Skulpturen aus Bronze gefertigt wurden, war es aufgrund der Zerbrechlichkeit des Marmors die Textur des Marmors mit seiner Farbe und seiner dekorativen Wirkung, die es ermöglichte, die Schönheit des menschlichen Körpers mit der größten Ausdruckskraft wiederzugeben. Daher "zogen der menschliche Körper, seine Struktur und Geschmeidigkeit, seine Harmonie und Flexibilität die Aufmerksamkeit der Griechen auf sich, sie stellten den menschlichen Körper bereitwillig sowohl nackt als auch in leicht transparenter Kleidung dar."

"Die Kunst des antiken Griechenlands" - Himatius. Chiton. Hydria. Dekorationen. Ornamente. Schwarzfigurige Malerei. Hüte für Frauen. Amphoren. Krater. Chlamyda. Kunst des antiken Griechenlands. Die Dorfbewohner trugen meist einen kurzen, frei fließenden Chiton aus Wolle mit einem Riemen über der rechten Schulter – den Exomis – die Sklaven begnügten sich mit einem Lendenschurz.

"Antike Vasenmalerei" - Antike Vasen. Malstile. Skizzenvorbereitung. Haar. Griechische Keramik. Geschichte malen. Die Essenz der antiken griechischen Kunst. Amphora. Pelik. Kilik. Das Studium der Ornamentik. Lekythos. Pyxida. Skyphos. Fragen. Teppich-Stil. Ornamentale Malerei. Athen. Kleidung der alten Griechen. Der Aufstieg der schwarzfigurigen Vasenmalerei.

"Griechisches Theater" - Griechisches Theater. Einer der bekanntesten Komödienautoren war Aristophanes, „Die Welt“. Die Schöpfer sind Aischylos, die Tragödie „Perser“ und Euripides, die Tragödie „Medea“. Die Handlung ist Mythen, Legenden und wichtige historische Ereignisse. Diskussionsthemen. Was ist komödie. Die Entstehung von Theateraufführungen. Was ist tragödie. Die Schauspieler waren nur Männer.

"Architektur des antiken Griechenlands" - Phidias. Säulen des Tempels der Artemis in Ephesus. Miron. „Athena und Marsyas“. Statue der Athena Parthenos. Griechische Befehle. Statue von Zeus dem Donnerer. Miron "Discobolos". Polyklet. "Dorif". Tempel des Poseidon in Paestum. Große Dämmerung. Heiligtum der Athena Pronaius in Delphi. Architektur und Skulptur des antiken Griechenlands. Tempel des Hephaistos in Athen.

"Geschichte des Theaters des antiken Griechenlands" - Unter freiem Himmel. Coturny. Die Struktur des Stücks. Ehrengäste. Theatergeburtstag. Fragen für den Test. Dithyramben. Jede Stadt hatte ihr eigenes Theater. Genre. Satyr. Die Schauspieler waren nur Männer. Ergänzen Sie verlorene Informationen. Geschichte. Komödie. Modernes Theater. Buchstabe auf dem Ticket. Theater. Theater des antiken Griechenlands.

"Die Kunst Griechenlands" - Skulptur. Denker verschiedener Epochen und Richtungen konvergieren in einer hohen Einschätzung der antiken Zivilisation. Die alten Griechen entwickelten ihre Schrift auf der Grundlage des Phönizischen. Poseidon. Literatur und Kunst des antiken Griechenlands gaben Impulse für die Entwicklung der europäischen Kultur. Aphrodite. Demosthenes /384-322 v.Chr./. Auch das slawische Alphabet stammt aus dem Griechischen.

Insgesamt gibt es 19 Vorträge zum Thema

1.1 Skulptur im antiken Griechenland. Voraussetzungen für seine Entwicklung

Unter allen bildenden Künsten der antiken Zivilisationen nimmt die Kunst des antiken Griechenlands, insbesondere seine Bildhauerei, einen ganz besonderen Platz ein. Den lebendigen Körper, der zu jeder Muskelarbeit fähig ist, stellten die Griechen über alles. Der Mangel an Kleidung schockierte niemanden. Alles wurde zu einfach behandelt, um sich für irgendetwas zu schämen. Und gleichzeitig hat die Keuschheit natürlich nicht verloren.

1.2 Skulptur Griechenlands in der archaischen Zeit

Die archaische Zeit ist die Zeit der Entstehung der antiken griechischen Skulptur. Der Wunsch des Bildhauers, die Schönheit des idealen menschlichen Körpers zu vermitteln, der sich in den Werken einer späteren Epoche voll manifestiert, ist bereits deutlich, aber es war für den Künstler noch zu schwierig, sich von der Form eines Steinblocks zu lösen , und die Zahlen dieser Periode sind immer statisch.

Die ersten Denkmäler der antiken griechischen Skulptur der archaischen Ära sind vom geometrischen Stil (VIII. Jahrhundert) bestimmt. Dies sind schematische Figuren, die in Athen, Olympia, gefunden wurden , in Böotien. Die archaische Ära der antiken griechischen Skulptur fällt auf das 7. bis 6. Jahrhundert. (früharchaisch - etwa 650 - 580 v. Chr.; hoch - 580 - 530; spät - 530 - 500/480). Der Beginn der monumentalen Skulptur in Griechenland geht auf die Mitte des 7. Jahrhunderts zurück. BC e. und zeichnet sich durch Orientalisierung aus Stile, von denen der wichtigste Daedalian war, verbunden mit dem Namen des halbmythischen Bildhauers Daedalus . Der Kreis der „Dedalian“-Skulpturen umfasst eine Statue der Artemis von Delos und eine weibliche Statue der kretischen Arbeit, die im Louvre aufbewahrt wird („Lady of Oxer“). Mitte des 7. Jahrhunderts BC e. datiert und die ersten kuros . Die erste skulpturale Tempeldekoration stammt aus der gleichen Zeit. - Erleichterungen und Statuen aus Prinia auf Kreta. In Zukunft füllt die skulpturale Dekoration die im Tempel durch ihr Design zugewiesenen Felder - die Giebel und Metopen in Dorischer Tempel, umlaufender Fries (zophor) - in Ionisch. Die frühesten Giebelkompositionen in der antiken griechischen Skulptur stammen von der Athener Akropolis. und aus dem Tempel der Artemis auf der Insel Kerkyra (Korfu). Grabstein-, Widmungs- und Kultstatuen werden in der Archaik durch die Art von Kouros und Rinde dargestellt . Archaische Reliefs schmücken die Sockel von Statuen, Giebeln und Metopen von Tempeln (später ersetzten runde Skulpturen Reliefs in Giebeln), Grabstelen . Zu den berühmten Denkmälern der archaischen Rundskulptur gehört der Kopf der Hera, der in der Nähe ihres Tempels in Olympia gefunden wurde, die Statue der Kleobis und Beaton aus Delphi, Moskhofor ("Stier") von der Athener Akropolis, Hera von Samos , Statuen aus Didyma, Nikka Arherma und andere Die letzte Statue zeigt ein archaisches Schema des sogenannten "knienden Laufs", der verwendet wird, um eine fliegende oder laufende Figur darzustellen. In der archaischen Skulptur werden eine Reihe weiterer Konventionen übernommen – zum Beispiel das sogenannte „archaische Lächeln“ auf den Gesichtern archaischer Skulpturen.

Die Skulptur der archaischen Ära wird dominiert von Statuen schlanker nackter Jünglinge und drapierter junger Mädchen - Kouros und Rinde. Weder die Kindheit noch das Alter erregten damals die Aufmerksamkeit der Künstler, denn nur in der reifen Jugend sind die Lebenskräfte in ihrer Blüte und Ausgeglichenheit. Frühe griechische Kunst schafft Bilder von Männern und Frauen in ihrer idealen Form. In dieser Zeit erweiterten sich die spirituellen Horizonte außerordentlich, der Mensch fühlte sich gleichsam dem Universum gegenüber und wollte seine Harmonie, das Geheimnis seiner Integrität begreifen. Details entgingen, Vorstellungen über den spezifischen "Mechanismus" des Universums waren die phantastischsten, aber das Pathos des Ganzen, das Bewusstsein universeller Zusammenhänge - das war es, was die Stärke der Philosophie, Poesie und Kunst des archaischen Griechenlands ausmachte *. So wie die Philosophie, die damals noch der Poesie nahe stand, die allgemeinen Entwicklungsprinzipien und die Poesie - die Essenz menschlicher Leidenschaften - klug erriet, schuf die bildende Kunst eine verallgemeinerte menschliche Erscheinung. Schauen wir uns die Kouros oder, wie sie manchmal genannt werden, die „archaischen Apollos“ an. Es ist nicht so wichtig, ob der Künstler wirklich Apollo oder einen Helden oder Sportler darstellen wollte, der Mann ist jung, nackt, und seine keusche Nacktheit braucht keine schüchternen Hüllen. Er steht immer gerade, sein Körper ist von Bewegungsbereitschaft durchdrungen. Die Konstruktion des Körpers wird mit äußerster Klarheit gezeigt und betont; es ist sofort klar, dass lange muskulöse beine in den knien beugen und rennen können, die bauchmuskeln sich anspannen können, die brust beim tiefen atmen anschwellen kann. Das Gesicht drückt kein bestimmtes Erlebnis oder individuelle Charaktereigenschaften aus, sondern die Möglichkeiten verschiedener Erfahrungen verbergen sich darin. Und das bedingte "Lächeln" - leicht angehobene Mundwinkel - ist nur die Möglichkeit eines Lächelns, ein Hinweis auf die Freude am Sein, die diesem innewohnt, als wäre es eine neu geschaffene Person.

Kouros-Statuen wurden hauptsächlich in Gebieten geschaffen, in denen der dorische Stil dominierte, dh auf dem Territorium des griechischen Festlandes. weibliche Statuen - Kora - hauptsächlich in Kleinasien und Inselstädten, Zentren des ionischen Stils. Bei Ausgrabungen der archaischen Athener Akropolis, die im 6. Jahrhundert v. Chr. erbaut wurde, wurden wunderschöne Frauenfiguren gefunden. e., als Pisistratus dort regierte und während des Krieges mit den Persern zerstört wurde. Fünfundzwanzig Jahrhunderte lang wurden Marmorkrusten im "persischen Müll" vergraben; schließlich wurden sie dort herausgeholt, halb kaputt, aber ohne ihren außergewöhnlichen Charme verloren zu haben. Vielleicht wurden einige von ihnen von ionischen Meistern aufgeführt, die von Peisistratos nach Athen eingeladen wurden; Ihre Kunst beeinflusste die attische Skulptur, die nun die Merkmale der dorischen Strenge mit der ionischen Anmut verbindet. In der Rinde der Athener Akropolis drückt sich das Ideal der Weiblichkeit in seiner ursprünglichen Reinheit aus. Das Lächeln ist hell, der Blick ist vertrauensvoll und gleichsam freudig staunend über das Schauspiel der Welt, die Figur ist keusch mit einem Peplo - einem Schleier oder einem leichten Gewand - einem Chiton (in archaischer Zeit weiblich Figuren wurden im Gegensatz zu männlichen noch nicht nackt dargestellt), Haare, die mit lockigen Strähnen über die Schultern fließen. Diese Kora standen auf Sockeln vor dem Tempel der Athene und hielten einen Apfel oder eine Blume in der Hand.

Archaische Skulpturen (wie übrigens auch klassische) waren nicht so einheitlich weiß, wie wir sie uns heute vorstellen. Viele haben Farbspuren. Das Haar der Marmormädchen war golden, ihre Wangen rosa, ihre Augen blau. Vor dem Hintergrund des wolkenlosen Himmels von Hellas hätte all dies dank der Klarheit, Gelassenheit und Konstruktivität von Formen und Silhouetten sehr festlich, aber gleichzeitig streng wirken sollen. Es gab keine übermäßige Extravaganz und Buntheit. Die Suche nach rationalen Grundlagen der Schönheit, Harmonie basierend auf Maß und Zahl, ist ein sehr wichtiger Moment in der Ästhetik der Griechen. Die pythagoreischen Philosophen versuchten, die natürlichen Zahlenverhältnisse in musikalischen Konsonanzen und in der Anordnung von Himmelskörpern zu erfassen, weil sie glaubten, dass die musikalische Harmonie der Natur der Dinge, der kosmischen Ordnung, "der Harmonie der Sphären" entspricht. Künstler suchten nach mathematisch angepassten Proportionen des menschlichen Körpers und des „Körpers“ der Architektur, darin unterscheidet sich die frühgriechische Kunst grundlegend von der kretisch-mykenischen Kunst, die jeder Mathematik fremd ist.

Sehr lebendige Genreszene: So wurden in der Ära der Archaik die Grundlagen der antiken griechischen Skulptur, die Richtungen und Optionen für ihre Entwicklung gelegt. Schon damals waren die Hauptziele der Bildhauerei, die ästhetischen Ideale und Bestrebungen der alten Griechen klar. In späteren Perioden findet die Entwicklung und Verbesserung dieser Ideale und der Fähigkeiten antiker Bildhauer statt.

1.3 Klassische griechische Skulptur

Die klassische Periode der antiken griechischen Skulptur fällt auf das 5. bis 4. Jahrhundert v. (früher klassischer oder "strenger Stil" - 500/490 - 460/450 v. Chr.; hoch - 450 - 430/420 v. Chr.; "reicher Stil" - 420 - 400/390 v. Chr., spätklassischer - 400/390 - OK. 320 n. Chr BC e.). An der Wende zweier Epochen - archaisch und klassisch - gibt es eine skulpturale Dekoration des Tempels der Athena Aphaia auf der Insel Ägina . Die Skulpturen des Westgiebels stammen aus der Gründungszeit des Tempels (510 - 500 Jahre BC BC), Skulpturen des zweiten Ostens, die die früheren ersetzen, - bis in die frühklassische Zeit (490 - 480 v. Chr.). Das zentrale Denkmal der antiken griechischen Skulptur der frühen Klassik sind die Giebel und Metopen des Zeustempels in Olympia (um 468 - 456 BC e.). Ein weiteres bedeutendes Werk der Frühklassik - der sogenannte "Thron von Ludovisi", mit Reliefs verziert. Aus dieser Zeit stammen auch einige bronzene Originale - der delphische Wagenlenker, Statue von Poseidon vom Kap Artemisium, Bronzen von Riace . Die größten Bildhauer der frühen Klassiker - Pythagoras Rhegian, Calamis und Myron . Wir beurteilen die Arbeit der berühmten griechischen Bildhauer hauptsächlich anhand literarischer Zeugnisse und späterer Kopien ihrer Werke. Hohe Klassiker werden durch die Namen Phidias und Polykleitos repräsentiert . Seine kurzzeitige Blütezeit ist mit Arbeiten an der Athener Akropolis verbunden, also mit der bildhauerischen Ausschmückung des Parthenon. (Die Giebel, Metopen und Zophoros kamen, 447 - 432 v. Chr.). Der Höhepunkt der antiken griechischen Skulptur war anscheinend Chrysoelephantine Statuen von Athena Parthenos und Zeus Olympus von Phidias (beide nicht erhalten). "Reicher Stil" ist charakteristisch für die Werke von Callimachus, Alkamen, Agoracritus und andere Bildhauer des 5. Jahrhunderts. BC e .. Seine charakteristischen Denkmäler sind die Reliefs der Balustrade des kleinen Tempels von Nike Apteros auf der Athener Akropolis (um 410 v. Chr.) Und eine Reihe von Grabstelen, unter denen die Gegeso-Stele am bekanntesten ist . Die wichtigsten Werke der antiken griechischen Bildhauerei der Spätklassik sind die Ausschmückung des Asklepios-Tempels in Epidaurus (ca. 400 - 375 v. Chr.), der Tempel der Athena Alei in Tegea (ca. 370 - 350 v. Chr.), der Tempel der Artemis in Ephesus (ca. 355 - 330 v. Chr.) und das Mausoleum in Halikarnassos (ca. 350 v. Chr.), an dessen skulpturaler Dekoration Skopas, Briaxides und Timotheus arbeiteten und Leohar . Letzterem werden auch die Statuen des Apollo Belvedere zugeschrieben. und Diana von Versailles . Es gibt auch eine Reihe von Bronzeoriginalen aus dem 4. Jahrhundert v. BC e. Die größten Bildhauer der Spätklassik sind Praxitel, Skopas und Lysippus, weitgehend die nachfolgende Ära des Hellenismus vorwegnehmend.

Griechische Skulpturen sind teilweise in Fragmenten und Fragmenten erhalten. Die meisten Statuen sind uns aus römischen Kopien bekannt, die vielfach aufgeführt wurden, aber nicht die Schönheit der Originale vermittelten. Römische Kopisten vergröberten und trockneten sie, verwandelten Bronzeprodukte in Marmor und entstellten sie mit ungeschickten Requisiten. Die großen Figuren von Athene, Aphrodite, Hermes, Satyr, die wir jetzt in den Hallen der Eremitage sehen, sind nur blasse Nachbildungen griechischer Meisterwerke. Fast gleichgültig fährt man daran vorbei und bleibt plötzlich stehen vor einem Kopf mit gebrochener Nase, mit kaputtem Auge: Das ist ein griechisches Original! Und die erstaunliche Kraft des Lebens weht plötzlich aus diesem Bruchstück; der Marmor selbst ist anders als bei römischen Statuen - nicht totweiß, sondern gelblich, durchsichtig, leuchtend (die Griechen rieben ihn noch mit Wachs ein, was dem Marmor einen warmen Ton verlieh). So sanft sind die schmelzenden Übergänge des Hell-Dunkels, so edel die sanfte Modellierung des Gesichts, dass man unwillkürlich an die Freuden griechischer Dichter erinnert: Diese Skulpturen atmen wirklich, sie leben wirklich *. In der Bildhauerei der ersten Hälfte des Jahrhunderts, als es Kriege mit den Persern gab, herrschte ein mutiger, strenger Stil vor. Dann wurde eine Statuengruppe von Tyrannenmördern geschaffen: Ein reifer Ehemann und ein junger Mann, nebeneinander stehend, machen eine impulsive Bewegung nach vorne, der jüngere hebt das Schwert, der ältere schirmt es mit einem Umhang ab. Dies ist ein Denkmal für historische Persönlichkeiten - Harmodius und Aristogeiton, die einige Jahrzehnte zuvor den athenischen Tyrannen Hipparchos getötet haben - das erste politische Denkmal in der griechischen Kunst. Gleichzeitig drückt es den heroischen Widerstandsgeist und die Freiheitsliebe aus, die in der Zeit der griechisch-persischen Kriege aufflammten. „Sie sind keine Sklaven der Sterblichen, sie sind niemandem untertan“, sagt der Athener in der Tragödie von Aischylos „Perser“. Schlachten, Scharmützel, Heldentaten... Die Kunst der frühen Klassiker ist voll von diesen kriegerischen Verschwörungen. Auf den Giebeln des Tempels der Athene in Ägina - der Kampf der Griechen mit den Trojanern. Auf dem Westgiebel des Zeustempels in Olympia - der Kampf der Lapithen mit den Zentauren, auf den Metopen - alle zwölf Arbeiten des Herkules. Ein weiterer beliebter Motivkomplex sind Turnwettkämpfe; in jenen fernen zeiten waren körperliche fitness und die beherrschung von körperbewegungen von entscheidender bedeutung für den ausgang von kämpfen, so dass sportliche spiele weit davon entfernt waren, nur unterhaltung zu sein. Die Themen Nahkampf, Reiterwettkämpfe, Laufwettkämpfe, Diskuswerfen lehrten die Bildhauer, den menschlichen Körper in Dynamik darzustellen. Die archaische Starre der Figuren wurde überwunden. Jetzt handeln sie, bewegen sich; komplexe Posen, kühne Winkel und ausladende Gesten erscheinen. Der klügste Erneuerer war der attische Bildhauer Myron. Mirons Hauptaufgabe war es, die Bewegung so vollständig und stark wie möglich auszudrücken. Metall erlaubt keine so präzise und feine Arbeit wie Marmor, und vielleicht wandte er sich deshalb der Suche nach dem Rhythmus der Bewegung zu. Das Gleichgewicht, das majestätische "Ethos", wird in der klassischen Skulptur eines strengen Stils bewahrt. Die Bewegung der Figuren ist weder chaotisch, noch übermäßig aufgeregt, noch zu schnell. Auch in den dynamischen Motiven eines Kampfes, Laufens, Fallens geht das Gefühl der "olympischen Ruhe", der integralen plastischen Vollständigkeit, der Selbstisolierung nicht verloren.

Athene, die er im Auftrag von Plataea anfertigte und die diese Stadt sehr teuer gekostet hat, festigte den Ruhm des jungen Bildhauers. Eine kolossale Statue der Schutzpatronin Athena wurde für ihn für die Akropolis in Auftrag gegeben. Es erreichte eine Höhe von 60 Fuß und übertraf alle benachbarten Gebäude; aus der Ferne, vom Meer, leuchtete sie wie ein goldener Stern und herrschte über die ganze Stadt. Es war nicht akrolithisch (Verbundwerkstoff) wie Plataean, sondern alles in Bronze gegossen. Eine andere Statue der Akropolis, Athena die Jungfrau, die für den Parthenon angefertigt wurde, bestand aus Gold und Elfenbein. Athena wurde in einem Kampfanzug dargestellt, in einem goldenen Helm mit einer hochreliefierten Sphinx und Geiern an den Seiten. In der einen Hand hielt sie einen Speer, in der anderen eine Siegesfigur. Zu ihren Füßen war eine Schlange, die Wächterin der Akropolis. Diese Statue gilt als die beste Versicherung von Phidias nach seinem Zeus. Es diente als Vorlage für unzählige Kopien. Aber der Gipfel der Perfektion aller Werke von Phidias gilt als sein olympischer Zeus. Es war das größte Werk seines Lebens: Die Griechen selbst schenkten ihm die Palme. Auf seine Zeitgenossen machte er einen unwiderstehlichen Eindruck.

Zeus wurde auf einem Thron dargestellt. In der einen Hand hielt er ein Zepter, in der anderen das Bild des Sieges. Der Körper war aus Elfenbein, das Haar war golden, der Mantel war golden, emailliert. Die Zusammensetzung des Throns umfasste Ebenholz, Knochen und Edelsteine. Die Wände zwischen den Beinen wurden von Panen, dem Cousin von Phidias, bemalt; Der Fuß des Throns war ein Wunderwerk der Skulptur. Die Bewunderung der Griechen für die Schönheit und weise Struktur des lebenden Körpers war so groß, dass sie ästhetisch nur in statuarischer Vollständigkeit und Vollständigkeit daran dachten, um die Majestät der Haltung, die Harmonie der Körperbewegungen zu schätzen. Trotzdem lag die Ausdruckskraft weniger in der Mimik als vielmehr in den Körperbewegungen. Beim Anblick der geheimnisvoll heiteren Moira des Parthenon, bei der flinken, munteren Nika, die ihre Sandale aufknotet, vergessen wir fast, dass ihnen die Köpfe abgeschlagen wurden – die Plastizität ihrer Figuren ist so beredt.

Tatsächlich sind die Körper griechischer Statuen ungewöhnlich inspiriert. Der französische Bildhauer Rodin sagte über einen von ihnen: "Dieser jugendliche Torso ohne Kopf lächelt freudiger über Licht und Frühling, als Augen und Lippen es könnten." Bewegungen und Haltungen sind in den meisten Fällen einfach, natürlich und nicht unbedingt mit etwas Erhabenem verbunden. Die Köpfe der griechischen Statuen sind in der Regel unpersönlich, das heißt wenig individualisiert, auf wenige Variationen des allgemeinen Typs gebracht, aber dieser allgemeine Typ hat eine hohe spirituelle Kapazität. In der griechischen Gesichtsform triumphiert die Idee des "Menschlichen". Ideal. Das Gesicht wird in drei gleich lange Teile geteilt: Stirn, Nase und Unterteil. Korrektes, sanftes Oval. Die gerade Nasenlinie setzt die Stirnlinie fort und bildet eine Senkrechte zur Linie vom Nasenanfang bis zur Ohröffnung (rechter Gesichtswinkel). Länglicher Abschnitt von ziemlich tief sitzenden Augen. Ein kleiner Mund, volle Lippen, die Oberlippe ist dünner als die Unterlippe und hat einen schönen glatten Ausschnitt wie ein Amorbogen. Das Kinn ist groß und rund. Gewelltes Haar passt sich weich und eng an den Kopf an, ohne die abgerundete Form des Schädels zu beeinträchtigen. Diese klassische Schönheit mag eintönig erscheinen, ist aber als ausdrucksstarkes „natürliches Abbild des Geistes“ variabel und vermag verschiedene Arten des antiken Ideals zu verkörpern. Etwas mehr Energie im Lippenlager, im hervorstehenden Kinn – wir haben eine streng jungfräuliche Athene vor uns. Die Konturen der Wangen sind weicher, die Lippen leicht halboffen, die Augenhöhlen schattiert – wir haben das sinnliche Gesicht der Aphrodite vor uns. Das Oval des Gesichts ist eher quadratisch, der Hals ist dicker, die Lippen sind größer - das ist bereits das Bild eines jungen Sportlers. Und die Basis bleibt der streng proportionale klassische Look.

Nach dem Krieg .... Die charakteristische Körperhaltung einer stehenden Figur verändert sich. In der archaischen Zeit standen die Statuen völlig gerade, frontal. Ein ausgereifter Klassiker revitalisiert und belebt sie mit ausgewogenen, fließenden Bewegungen, die Balance und Stabilität bewahren. Und die Statuen von Praxiteles – dem ruhenden Satyr, Apollo Saurokton – lehnen mit träger Anmut auf Säulen, ohne sie müssten sie umfallen. Die Hüfte auf der einen Seite ist sehr stark gewölbt, die Schulter tief zur Hüfte hin abgesenkt – Rodin vergleicht diese Körperhaltung mit einer Mundharmonika, bei der der Balg auf der einen Seite zusammengedrückt und auf der anderen auseinander bewegt wird. Für das Gleichgewicht ist eine externe Unterstützung erforderlich. Dies ist die Pose der verträumten Entspannung. Praxiteles folgt den Traditionen von Polykleitos, verwendet die von ihm gefundenen Bewegungsmotive, entwickelt sie aber so weiter, dass in ihnen bereits ein anderer innerer Gehalt durchscheint. Auch die „verwundete Amazone“ Polikletai stützt sich auf eine Halbsäule, aber sie könnte auch ohne stehen, ihr starker, energischer Körper steht selbst mit einer Wunde fest auf dem Boden. Apollo von Praxiteles wird nicht von einem Pfeil getroffen, er selbst zielt auf eine Eidechse, die an einem Baumstamm entlang läuft - die Aktion, so scheint es, erfordert starke Gelassenheit, dennoch ist sein Körper instabil, wie ein schwankender Halm. Und das ist kein zufälliges Detail, keine Laune des Bildhauers, sondern eine Art neuer Kanon, in dem sich das veränderte Weltbild ausdrückt. In der Bildhauerei des 4. Jahrhunderts v. Chr. änderte sich jedoch nicht nur die Art der Bewegungen und Körperhaltungen. e. Der Kreis der Lieblingsthemen von Praxiteles wird ein anderer, er bewegt sich weg von Heldentaten in die "Lichtwelt von Aphrodite und Eros". Er schnitzte die berühmte Statue der Aphrodite von Knidos. Praxiteles und die Künstler seines Kreises stellten nicht gerne die muskulösen Oberkörper von Athleten dar, sie waren von der zarten Schönheit des weiblichen Körpers mit weich fließenden Volumen angezogen. Sie bevorzugten den Jugendtyp, der sich durch „den ersten Jüngling mit verweichlichter Schönheit“ auszeichnete. Praxiteles war berühmt für die besondere Weichheit der Modellierung und die Fähigkeit, das Material zu verarbeiten, die Fähigkeit, die Wärme eines lebendigen Körpers in kaltem Marmor zu vermitteln2.

Das einzige erhaltene Original von Praxiteles ist die Marmorstatue von Hermes mit Dionysos, die in Olympia gefunden wurde. Der nackte Hermes, an einen Baumstamm gelehnt, wo sein Umhang lässig hingeworfen wurde, hält den kleinen Dionysos auf einem gebogenen Arm, und im anderen eine Weintraube, zu der ein Kind greift (die Hand, die die Weintraube hält, ist verloren). Der ganze Reiz der bildnerischen Verarbeitung von Marmor steckt in dieser Statue, besonders im Kopf des Hermes: die Übergänge von Licht und Schatten, das subtilste „sfumato“ (Schleier), das Leonardo da Vinci viele Jahrhunderte später in der Malerei vollbrachte. Alle anderen Werke des Meisters sind nur durch Hinweise auf antike Autoren und spätere Kopien bekannt. Aber der Geist der Kunst von Praxiteles weht über das 4. Jahrhundert v. e., und das Beste ist, dass es nicht in römischen Kopien zu spüren ist, sondern in kleinen griechischen Plastiken, in Tanagra-Tonfiguren. Sie wurden Ende des Jahrhunderts in großen Mengen hergestellt, es war eine Art Massenproduktion mit dem Hauptzentrum in Tanagra. (Eine sehr gute Sammlung davon wird in der Leningrader Eremitage aufbewahrt.) Einige Figuren reproduzieren die bekannten großen Statuen, andere geben einfach verschiedene freie Variationen der drapierten weiblichen Figur. Die lebendige Anmut dieser Figuren, verträumt, nachdenklich, verspielt, ist ein Echo der Kunst von Praxiteles.

1.4 Skulptur des hellenistischen Griechenlands

Schon der Begriff „Hellenismus“ enthält einen indirekten Hinweis auf den Sieg des hellenischen Prinzips. Auch in den abgelegenen Regionen der hellenistischen Welt, in Baktrien und Parthien (dem heutigen Zentralasien), treten antike Kunstformen auf eigentümliche Weise auf. Und Ägypten ist schwer wiederzuerkennen, seine neue Stadt Alexandria ist bereits ein echtes aufgeklärtes Zentrum der antiken Kultur, wo exakte Wissenschaften, Geisteswissenschaften und philosophische Schulen, die von Pythagoras und Plato stammen, gedeihen. Das hellenistische Alexandria schenkte der Welt den großen Mathematiker und Physiker Archimedes, Geometer Euklid, Aristarch von Samos, der achtzehn Jahrhunderte vor Kopernikus bewies, dass sich die Erde um die Sonne dreht. berühmte Schränke Bibliothek von Alexandria, gekennzeichnet mit griechischen Buchstaben, von Alpha bis Omega, bewahrte Hunderttausende Schriftrollen auf – „Schriften, die in allen Wissensgebieten glänzten“. Dort stand der grandiose Pharos-Leuchtturm, der zu den sieben Weltwundern gezählt wird; Dort entstand das Museyon, der Palast der Musen – der Prototyp aller zukünftigen Museen. Im Vergleich zu dieser reichen und opulenten Hafenstadt, der Hauptstadt des ptolemäischen Ägyptens, der Stadt der griechischen Metropole, muss sogar Athen bescheiden gewirkt haben. Aber diese bescheidenen kleinen Städte waren die Hauptquellen der kulturellen Schätze, die Alexandria bewahrte und verehrte, jene Traditionen, die weiterhin befolgt wurden. Wenn die hellenistische Wissenschaft dem Erbe des Alten Orients viel verdankte, so behielt die bildende Kunst einen überwiegend griechischen Charakter.

Die wichtigsten Gestaltungsprinzipien stammten aus den griechischen Klassikern, der Inhalt wurde anders. Es gab eine entscheidende Abgrenzung von öffentlichem und privatem Leben. In den hellenistischen Monarchien etabliert sich der mit einer Gottheit gleichgesetzte Kult des Alleinherrschers, ähnlich wie in den altöstlichen Despotien. Doch die Ähnlichkeit ist relativ: Der „Privatmensch“, den politische Stürme nicht oder nur leicht berühren, ist bei weitem nicht so unpersönlich wie in den alten Oststaaten. Er hat sein eigenes Leben: er ist Kaufmann, er ist Unternehmer, er ist Beamter, er ist Wissenschaftler. Darüber hinaus ist er oft griechischer Herkunft – nach den Eroberungen Alexanders begann die Massenmigration der Griechen in den Osten – ihm sind die von der griechischen Kultur geprägten Konzepte der Menschenwürde nicht fremd. Lassen Sie ihn von Macht und öffentlichen Angelegenheiten entfernt sein - seine isolierte private Welt erfordert und findet für sich einen künstlerischen Ausdruck, dessen Grundlage die Traditionen der späten griechischen Klassiker sind, die im Geiste größerer Intimität und Gattung überarbeitet wurden. Und in der Kunst des "Staates", der Beamten, in großen öffentlichen Gebäuden und Denkmälern werden die gleichen Traditionen im Gegenteil in Richtung Pomposität verarbeitet.

Pomp und Intimität sind gegensätzliche Eigenschaften; Hellenistische Kunst ist voller Kontraste – gigantisch und klein, zeremoniell und häuslich, allegorisch und natürlich. Die Welt ist komplexer geworden, vielfältigere ästhetische Ansprüche. Der Haupttrend ist eine Abkehr von einem verallgemeinerten Menschentypus hin zu einem Verständnis des Menschen als konkretes, individuelles Wesen, und damit die zunehmende Aufmerksamkeit für seine Psychologie, sein Interesse an Ereignissen und eine neue Wachsamkeit gegenüber nationalen, altersbezogenen, sozialen und anderen Merkmalen der Persönlichkeit. Da dies aber alles in einer von den Klassikern ererbten Sprache ausgedrückt wurde, die sich solche Aufgaben nicht stellte, ist in den innovativen Werken der hellenistischen Zeit ein gewisser Inorganismus zu spüren, sie erreichen nicht die Integrität und Harmonie ihrer großen Vorläufer. Der Porträtkopf der heroisierten Statue des Diadochos passt nicht zu seinem nackten Oberkörper, der den Typus eines klassischen Sportlers wiederholt. Der Dramatik der vielfigurigen Skulpturengruppe „Farnese Bull“ steht die „klassische“ Repräsentativität der Figuren entgegen, ihre Posen und Bewegungen sind zu schön und geschmeidig, um an die Wahrheit ihrer Erfahrungen glauben zu können. In zahlreichen Park- und Kammerskulpturen verkleinern sich die Traditionen des Praxiteles: Eros, „der große und mächtige Gott“, verwandelt sich in einen verspielten, verspielten Amor; Apollo - im kokett verwöhnten Apollono; Die Stärkung des Genres ist nicht zu ihrem Vorteil. Und den bekannten hellenistischen Statuen alter Proviant tragender Frauen, einer betrunkenen alten Frau, eines alten Fischers mit schlaffem Körper fehlt die Kraft der bildlichen Verallgemeinerung; die kunst beherrscht diese ihr neuen typen nach außen, ohne in die tiefe vorzudringen - schließlich hat ihnen das klassische erbe keinen schlüssel gegeben. Die Statue der Aphrodite, traditionell Venus von Milo genannt, wurde 1820 auf der Insel Melos gefunden und erlangte sofort weltweiten Ruhm als perfekte Schöpfung der griechischen Kunst. Diese hohe Einschätzung wurde auch durch viele spätere Funde griechischer Originale nicht erschüttert – Aphrodite von Milos nimmt unter ihnen einen besonderen Platz ein. Anscheinend im 2. Jahrhundert v. Chr. Hingerichtet. e. (von dem Bildhauer Agesander oder Alexander, wie die halb gelöschte Inschrift auf dem Sockel sagt), hat sie wenig Ähnlichkeit mit ihren zeitgenössischen Statuen, die die Göttin der Liebe darstellen. Hellenistische Aphrodites stiegen am häufigsten zum Typ der Aphrodite von Cnidus Praxiteles auf, was sie sinnlich verführerisch, sogar leicht niedlich machte; das ist zum Beispiel die bekannte Aphrodite von Medicea. Aphrodite von Milos, nur halbnackt, bis zu den Hüften drapiert, ist streng und von erhabener Ruhe. Sie verkörpert nicht so sehr das Ideal weiblicher Schönheit, sondern das Ideal einer Person im allgemeinen und höheren Sinne. Der russische Schriftsteller Gleb Uspensky hat einen guten Ausdruck gefunden: das Ideal eines „aufgerichteten Mannes“. Die Statue ist gut erhalten, aber ihre Arme sind abgebrochen. Es wurde viel darüber spekuliert, was diese Hände taten: Hatte die Göttin einen Apfel in der Hand? oder ein Spiegel? oder hielt sie den Saum ihres Gewandes? Eine überzeugende Rekonstruktion wurde nicht gefunden, es besteht tatsächlich keine Notwendigkeit dafür. Die "Handlosigkeit" der Aphrodite von Milo ist im Laufe der Zeit sozusagen zu ihrem Attribut geworden, sie beeinträchtigt ihre Schönheit nicht im geringsten und verstärkt sogar den Eindruck der Majestät der Figur. Und da keine einzige intakte griechische Statue erhalten ist, erscheint in diesem teilweise beschädigten Zustand Aphrodite wie ein von der Antike erdachtes „Marmorrätsel“ als Symbol des fernen Hellas vor uns.

Ein weiteres bemerkenswertes Denkmal des Hellenismus (von denen, die zu uns gekommen sind, und wie viele sind verschwunden!) Ist der Altar des Zeus in Pergamon. Die Pergamonschule tendierte mehr als andere zu Pathos und Drama und setzte die Traditionen von Scopas fort. Seine Künstler griffen nicht immer auf mythologische Themen zurück, wie dies in der Klassik der Fall war. Auf dem Platz der Akropolis von Pergamon befanden sich Skulpturengruppen, die ein echtes historisches Ereignis verewigt haben – den Sieg über die „Barbaren“, die gallischen Stämme, die das Königreich Pergamon belagerten. Ausdrucksstark und dynamisch zeichnen sich diese Gruppen auch dadurch aus, dass die Künstler den Besiegten Tribut zollen und sie tapfer und leidend zeigen. Sie zeigen einen Gallier, der seine Frau und sich selbst tötet, um Gefangenschaft und Sklaverei zu vermeiden; stellen einen tödlich verwundeten Gallier dar, der mit gesenktem Kopf auf dem Boden liegt. An seinem Gesicht und seiner Figur ist sofort erkennbar, dass er ein „Barbar“, ein Fremder ist, aber er stirbt einen Heldentod, und das wird gezeigt. Die Griechen gingen in ihrer Kunst nicht so weit, ihre Gegner zu demütigen; dieses Merkmal des ethischen Humanismus tritt besonders deutlich hervor, wenn die Gegner, die Gallier, realistisch dargestellt werden. Nach den Feldzügen von Alexander hat sich im Allgemeinen viel in Bezug auf Ausländer geändert. Wie Plutarch schreibt, betrachtete sich Alexander als der Versöhner des Universums, „der alle aus dem gleichen Kelch der Freundschaft trinken lässt und Leben, Moral, Ehen und Lebensformen miteinander vermischt“. Moral und Lebensformen sowie Religionsformen begannen sich in der Ära des Hellenismus wirklich zu vermischen, aber Freundschaft herrschte nicht und Frieden kam nicht, Zwietracht und Krieg hörten nicht auf. Die Kriege von Pergamon mit den Galliern sind nur eine der Episoden. Als schließlich der Sieg über die Gallier errungen war, wurde ihr zu Ehren der Altar des Zeus errichtet, der 180 v. Chr. vollendet wurde. e. Diesmal erschien der langjährige Krieg mit den "Barbaren" als Gigantomachie - der Kampf der olympischen Götter mit den Giganten. Laut einem alten Mythos rebellierten Riesen – Riesen, die weit im Westen lebten, die Söhne von Gaia (Erde) und Uranus (Himmel) – gegen die Olympier, wurden aber von ihnen nach einem erbitterten Kampf besiegt und unter Vulkanen begraben tiefen Eingeweide von Mutter Erde, von dort erinnern sie an Vulkanausbrüche und Erdbeben. Ein grandioser, etwa 120 Meter langer Marmorfries in Hochrelieftechnik umgab den Sockel des Altars. Die Überreste dieser Struktur wurden in den 1870er Jahren ausgegraben; Dank der sorgfältigen Arbeit der Restauratoren war es möglich, Tausende von Fragmenten zu verbinden und ein ziemlich vollständiges Bild der Gesamtkomposition des Frieses zu erhalten. Mächtige Körper türmen sich auf, verflechten sich wie ein Schlangenknäuel, besiegte Riesen werden von struppigen Löwen gequält, Hunde graben sich in ihre Zähne, Pferde trampeln unter den Füßen, aber die Riesen kämpfen erbittert, ihr Anführer Porfirion weicht nicht vor Zeus dem Donnerer zurück. Die Mutter der Riesen, Gaia, bittet um Gnade für ihre Söhne, aber sie wird nicht beachtet. Der Kampf ist schrecklich. In den angespannten Winkeln der Körper, in ihrer titanischen Kraft und ihrem tragischen Pathos gibt es etwas, das Michelangelo vorwegnimmt. Obwohl Schlachten und Scharmützel seit der Archaik ein häufiges Thema in antiken Reliefs sind, wurden sie noch nie so dargestellt, wie sie auf dem Pergamonaltar sind - mit einem so schaudernden Gefühl von Katastrophe, Schlachten auf Leben und Tod, wo alle kosmischen Kräfte , alle Dämonen sind beteiligt Erde und Himmel. Die Struktur der Komposition hat sich verändert, sie hat ihre klassische Klarheit verloren, sie ist verwirbelt, verwirrend geworden. Erinnern wir uns an die Figuren von Scopas auf dem Relief des Mausoleums von Halikarnassos. Sie befinden sich bei aller Dynamik in derselben Raumebene, sie sind durch rhythmische Intervalle getrennt, jede Figur hat eine gewisse Eigenständigkeit, Masse und Raum sind ausbalanciert. Der Pergamonfries ist anders – wer hier eng kämpft, hat die Masse verdrängt, und alle Figuren sind so ineinander verschlungen, dass sie ein turbulentes Durcheinander von Körpern bilden. Und die Körper sind immer noch klassisch schön, „manchmal strahlende, manchmal beeindruckende, lebende, tote, triumphierende, vergehende Figuren“, wie I. S. Turgenev über sie sagte *. Schöne Olympier, schöne und ihre Feinde. Aber die Harmonie des Geistes schwankt. Vom Leiden verzerrte Gesichter, tiefe Schatten in den Augenhöhlen, schlangenartiges Haar... Die Olympier triumphieren immer noch über die Kräfte der Untergrundelemente, aber dieser Sieg ist nicht von langer Dauer - die elementaren Prinzipien drohen, eine harmonische, harmonische Einheit zu sprengen Welt. So wie die Kunst der griechischen Archaik nicht nur als erster Vorläufer der Klassik gewertet werden sollte, sondern auch Die hellenistische Kunst als Ganzes kann nicht als spätes Echo der Klassiker angesehen werden und das grundlegend Neue, das sie brachte, unterschätzen. Dieses Neue war verbunden mit der Erweiterung des künstlerischen Horizonts und mit seinem neugierigen Interesse an der menschlichen Person und ihren spezifischen, realen Lebensbedingungen. Daher zunächst die Entwicklung des Porträts, des individuellen Porträts, das der Hochklassik nahezu unbekannt war, und die Spätklassik nur am Rande davon stand. Hellenistische Künstler, die sogar Menschen porträtierten, die schon lange nicht mehr lebten, gaben ihnen eine psychologische Interpretation und versuchten, die Einzigartigkeit sowohl des äußeren als auch des inneren Erscheinungsbildes aufzuzeigen. Nicht Zeitgenossen, sondern Nachkommen hinterließen uns die Gesichter von Sokrates, Aristoteles, Euripides, Demosthenes und sogar des legendären Homer, eines inspirierten blinden Geschichtenerzählers. Das Porträt eines unbekannten alten Philosophen verblüfft in Realismus und Ausdruck – offenbar ein unversöhnlicher leidenschaftlicher Polemiker, dessen faltiges Gesicht mit scharfen Zügen nichts mit dem klassischen Typ zu tun hat. Früher galt es als Porträt von Seneca, aber der berühmte Stoiker lebte später, als diese Bronzebüste geformt wurde.

Zum ersten Mal wird ein Kind mit allen anatomischen Merkmalen der Kindheit und mit all dem Charme, der ihm innewohnt, Gegenstand einer plastischen Operation. In der klassischen Ära wurden kleine Kinder, wenn überhaupt, als kleine Erwachsene dargestellt. Sogar in Praxiteles, in der Gruppe Hermes mit Dionysos, hat Dionysos in seiner Anatomie und seinen Proportionen wenig Ähnlichkeit mit einem Baby. Es scheint, dass sie erst jetzt bemerkt haben, dass das Kind ein ganz besonderes Wesen ist, verspielt und schlau, mit seinen eigenen besonderen Gewohnheiten; von ihm bemerkt und so fasziniert, dass der Liebesgott Eros schon als Kind dargestellt wurde und damit den Grundstein für eine Tradition legte, die sich seit Jahrhunderten etabliert hat. Mollige lockige Kinder hellenistischer Bildhauer sind mit allen möglichen Tricks beschäftigt: Sie reiten auf einem Delfin, spielen mit Vögeln, erwürgen sogar Schlangen (das ist der kleine Herkules). Besonders beliebt war die Statue eines Knaben, der mit einer Gans kämpft. Solche Statuen wurden in Parks aufgestellt, waren die Dekoration von Brunnen, wurden in den Heiligtümern von Asklepios, dem Gott der Heilung, aufgestellt und manchmal als Grabsteine ​​verwendet.

Fazit

Wir haben die Skulptur des antiken Griechenlands in ihrer gesamten Entwicklungszeit untersucht. Wir sahen den gesamten Prozess seiner Entstehung, seines Aufblühens und Niedergangs – den gesamten Übergang von strengen, statischen und idealisierten archaischen Formen über die ausgewogene Harmonie der klassischen Skulptur zum dramatischen Psychologismus hellenistischer Statuen. Die Skulptur des antiken Griechenlands galt zu Recht viele Jahrhunderte lang als Modell, Ideal, Kanon und wird heute nicht mehr als Meisterwerk der Weltklassiker anerkannt. Nichts dergleichen wurde zuvor oder seitdem erreicht. Alle modernen Skulpturen können bis zu einem gewissen Grad als Fortsetzung der Traditionen des antiken Griechenlands betrachtet werden. Die Skulptur des antiken Griechenlands hat in ihrer Entwicklung einen schwierigen Weg zurückgelegt und den Weg für die Entwicklung der plastischen Kunst nachfolgender Epochen in verschiedenen Ländern geebnet. Zu einem späteren Zeitpunkt wurden die Traditionen der antiken griechischen Skulptur mit neuen Entwicklungen und Errungenschaften bereichert, während die antiken Kanone als notwendige Grundlage dienten, die Grundlage für die Entwicklung der plastischen Kunst in allen nachfolgenden Epochen.

Die Skulptur des antiken Griechenlands nahm einen wichtigen Platz in der antiken griechischen Kunst ein und war die höchste Errungenschaft in der Kultur der antiken Welt.

Die antike griechische Skulptur ist in all ihren Erscheinungsformen immer zutiefst anthropozentrisch geblieben und drückt die Religiosität und spirituelle Welt einer Person oder eine heilige Handlung aus, die der Bildhauer einzufangen und zu vermitteln versuchte.

Die meisten Skulpturen wurden hergestellt, um Schreinen oder als Grabdenkmäler angeboten zu werden. Die Besonderheit der griechischen Kunst bestand darin, dass der Meister, der Werke schuf, versuchte, die Schönheit und Vollkommenheit des menschlichen Körpers zu vermitteln.

In den Formen der ersten Statuen wird versucht, die Gottheit und den Menschen im Ausdruck ihrer Emotionen auszugleichen. Die Skulptur des antiken Griechenlands erreichte ihre höchste Blüte im 5. Jahrhundert v. e, während der Ursprung der Skulptur des antiken Griechenlands dem XII-VIII Jahrhundert v. Chr. Zugeschrieben werden kann. e.

Anfangs verwendeten griechische Handwerker bei ihrer Arbeit weiche Materialien - Holz und porösen Kalkstein, später Marmor. Das Gießen aus Bronze war das erste, das von den Meistern der Insel Samos verwendet wurde.

Die Figurinen der homerischen Zeit stellten Götter oder Helden dar, bei den Meistern ist das Interesse an der Plastizität des Körpers nur angedeutet.

Während der archaischen Zeit Skulptur des antiken Griechenlands, erhält ein archaisches Lächeln Indem die Gesichter der Skulpturen immer mehr das Bild einer Person annehmen, erhält der Körper ein harmonisches Gleichgewicht der Formen. Die Männer wurden nackt dargestellt, während die Frau bekleidet war.

Zu dieser Zeit waren in der Bildhauerkunst des antiken Griechenlands Kouros weit verbreitet - Jungen, die hauptsächlich für Gedenkrituale hergestellt wurden. Die Meister stellten die Kuros als zurückhaltend dar, mit guter Körperhaltung, einem Lächeln, mit geballten Fäusten, die Frisur der Kuros ähnelte einer Perücke. Eine der berühmtesten Kouros-Skulpturen ist "Kouros from Tenea" (κούρος της Τενέας). Die Skulptur wurde in der Nähe von Korinth, in Tenea, im Tempel des Apollo gefunden. Jetzt wird es im Museum München aufbewahrt.

Junge Mädchen oder Kors, die Griechen in traditioneller Kleidung, in einer Tunika oder Peplos. Kora (κόρη) - ein bestimmter Statuentyp mit weiblichen Formen der archaischen Zeit, nämlich aus der zweiten Hälfte des 7. Jahrhunderts v. Eine reiche Frisur, modischer Schmuck und farbige Verzierungen der Kleidung - so haben die Bildhauer des antiken Griechenlands sie dargestellt.

Das klassische Zeitalter ist das, was wir die Periode nennen, die 480 v. Chr. beginnt. und endet 323 v. Chr., also vom Ende der griechisch-persischen Kriege bis zum Tod Alexanders des Großen. Während dieser Zeit Es gab wichtige soziale Veränderungen und parallele Innovationen in der Skulptur des antiken Griechenlands. Die alten Griechen richten ihr Augenmerk darauf, Geist und Leidenschaft zu vermitteln. Künstler studieren die Körpersprache, um ihre innersten Gedanken zu enthüllen, um Körperbewegungen zu zeigen: die Platzierung von Gliedmaßen, Kopf und Brust.

Die erste Statue, die im Wesentlichen das Ende einer Ära und den Beginn einer anderen darstellt, ist der „Junge von Kritias“ (Κριτίου παίς), der im Akropolismuseum aufbewahrt wird. Diese 1,67 m hohe Statue eines nackten Teenagers ist eines der schönsten und vollendetsten Beispiele frühklassischer Kunst. Die Skulptur verbindet Bewegung, Plastizität, Ernst erscheint im Gesichtsausdruck.

Während der Frühklassik, berühmte Skulptur Charioteer (Wagenfahrer), aufbewahrt im Delphi-Museum. Die Statue eines jungen Mannes ist aus Bronze, hat eine Höhe von 1,8 m, trägt einen Chiton mit Ärmeln, zeigt den muskulösen Arm des jungen Mannes, in seiner Hand hält er Fragmente der Zügel. Der Faltenwurf der Kleidung, der den Bewegungen entspricht, wird gut übertragen.

In 450-420 Jahren. BC e. Klassische Periode, die Skulptur des antiken Griechenlands wird modifiziert. Jetzt haben die Skulpturen mehr Weichheit, Plastizität und Reife. Merkmale der klassischen Kunst wurden von Phidias in den Skulpturen des Parthenon dargestellt.

Zu dieser Zeit erscheinen andere würdige Bildhauer: Agoracritos, Alkamen, Kolot, die Experten in der Herstellung von Statuen aus Gold und Elfenbein waren. Callimachos war einer der Erfinder des korinthischen Ordens, Policlet, der Athleten darstellte, war der erste, der einen theoretischen Text über Skulptur schrieb, und andere.

Während der Spätklassik, in der Skulptur des antiken Griechenlands, gibt es Tendenzen beim Studium der menschlichen Form im dreidimensionalen Raum, es gibt mehr sinnliche Schönheit und Dramatik.

Die großen Bildhauer dieser Zeit sind: Kefisodot („Eirene mit einem Baby im Arm“), Πρaxiteles, der den Marathonjüngling schuf, und Aphrodite von Knidos, Ephranor, Silanion, Leocharus, Skopas und Lysippus, die letzten Bildhauer der Spätklassik Zeit, die den Weg in die Ära der hellenistischen Kunst ebnete.

Die hellenistische Ära in der Skulptur des antiken Griechenlands spiegelte sich in einer differenzierteren Interpretation plastischer Formen, der Komplikation von Winkeln und kleinsten Details wider. Monumentale Skulpturen entwickeln sich, riesige Reliefkompositionen, mehrfigurige Gruppen, Reliefs erscheinen, die ein wesentlicher Bestandteil des Ausdrucks der Bildhauerkunst sind, kleine Plastizität wird durch die Lebendigkeit der Bilder erschwert.

Die berühmtesten Werke dieser Zeit: Pythokrits Nika von Samothrake, 3,28 m hoch, Venus von Milo, 2,02 m hoch, hergestellt vom Bildhauer Alexander aus Antiochia, wird im Louvre, Laokoon und seine Söhne von den Rhodos-Bildhauern Agesander von Rhodos aufbewahrt , Polydorus und Athenodorus, befindet sich im Vatikan.

• Entwicklungsstadien der antiken griechischen Skulptur:

• Archaisch

• Klassisch

• Hellenismus

BELLEN(von griechisch kore - Mädchen),

• BELLEN(von griechisch kore - Mädchen),

• 1) bei den alten Griechen der Kultname der Göttin Persephone.

• 2) In der antiken griechischen Kunst eine Statue eines aufrechten Mädchens in langen Gewändern.

• KOUROS- in der Kunst der antiken griechischen Archaik

• - eine Statue eines jungen Sportlers (normalerweise nackt).

Kouros

Skulpturen von Kouros

• Die Höhe der Statue beträgt bis zu 3 Meter;

• Verkörperte das Ideal männlicher Schönheit,

• Kraft und Gesundheit;

• Die Figur eines aufrechten jungen Mannes mit

• Bein nach vorne, Hände geballt

• zu Fäusten geballt und entlang des Körpers ausgebreitet.

• Gesichtern mangelt es an Individualität;

• An öffentlichen Plätzen ausgestellt

• in der Nähe von Tempeln;

Bellen

Skulpturen kor

• Verkörperte Raffinesse und Raffinesse;

• Körperhaltungen sind monoton und statisch;

• Chitons und Mäntel mit schönen Mustern aus

• parallele Wellenlinien und eine Grenze entlang

• Kanten;

• Haare zu Locken gekräuselt und abgefangen

• Diademe.

• Auf dem Gesicht eines geheimnisvollen Lächelns

• 1. Eine Hymne an die Größe und spirituelle Kraft des Menschen;

• 2. Lieblingsbild - ein schlanker junger Mann mit athletischem Körperbau;

• 3. Geistiges und körperliches Erscheinungsbild stimmen überein, es gibt nichts Überflüssiges, „nichts Unermessliches“.

Bildhauer Polikleitos. Doryphoros (5. Jahrhundert v. Chr.)

• Chiasmus,

• im bildlichen

• Kunstbild

• stehender Mensch

• Zahlen basierend auf

• ein Bein: in diesem Fall, wenn

• rechte Schulter angehoben

• der rechte Oberschenkel hängt herunter, und

• und umgekehrt.

Ideale Proportionen des menschlichen Körpers:

• Der Kopf ist 1/7 der Gesamthöhe;

• Gesicht und Hände 1/10 Teil

• Fuß - 1/6 Teil

Bildhauer Miron. Diskuswerfer. (5. Jahrhundert v. Chr.)

• Der erste Versuch der griechischen Skulptur, die Gefangenschaft der Unbeweglichkeit zu durchbrechen. Bewegung wird nur übertragen, wenn die Figur von vorne betrachtet wird. Von der Seite betrachtet wird die Körperhaltung des Athleten als etwas seltsam empfunden und der Bewegungsausdruck nur schwer erraten.

4. Jahrhundert BC.

• 4. Jahrhundert BC.

• 1. Bemüht sich um die Übertragung von energischem Handeln;

• 2. Sie vermittelten die Gefühle und Erfahrungen einer Person:

• - Hingabe

• - Traurigkeit

• - Tagträumen

• - sich verlieben

• - Zorn

• - verzweifeln

• - leiden

• - Kummer

Scopas (420-355 v. Chr.)

• Umfang.

• Mänade. 4. Jh. BC. Umfang.

• Kopf eines verwundeten Kriegers.

Umfang.

• Umfang.

• Schlacht der Griechen mit den Amazonen .

• Reliefdetail aus dem Mausoleum von Halikarnassos.

Praxiteles (390 -330 v. Chr.)

• Eingetragen in die Geschichte der Skulptur als

• inspirierende Schönheitssängerin.

• Der Legende nach schuf Praxiteles zwei

• Statuen der Aphrodite, auf einer darstellend

• eine von ihnen eine bekleidete Göttin, und in der anderen -

• nackt. Aphrodite in Kleidern

• erworben von den Bewohnern der Insel Kos, und

• Akt wurde montiert

• einer der Hauptplätze der Insel

• Knidos, wo aus allen Teilen Griechenlands

• Fans begannen zu strömen

• das berühmte Werk des Bildhauers,

• den Glanz der Stadt zu steigern.

Lysippos.

• Lysippos.

• Kopf von Alexander

• Mazedonisch um 330 v

Lysippos.

• Lysippos.

• "Ruhender Hermes".

• 2. Hälfte 4. Jh. v. BC e.

Leohar

• Leohar.

• "Apollo-Belvedere".

• Mitte 4. Jh. BC e.

HELLENISMUS

• HELLENISMUS, eine Periode in der Geschichte der Länder des östlichen Mittelmeerraums von der Zeit der Feldzüge Alexanders des Großen (334-323 v. Chr.) Bis zur Eroberung dieser Länder durch Rom, die 30 v. Chr. endete. e. Unterwerfung Ägyptens.

• Bei der Skulptur:

• 1. Aufregung und Anspannung der Gesichter;

• 2. Ein Wirbelsturm von Gefühlen und Erfahrungen in Bildern;

• 3. Verträumtheit von Bildern;

• 4. Harmonische Perfektion und Feierlichkeit

Nike von Samothrake. Anfang des 2. Jh. BC. Louvre, Paris

• Zur Stunde meines nächtlichen Deliriums

• Du erscheinst vor meinen Augen

• Samothrake-Sieg

• Mit ausgestreckten Händen.

• Erschreckend die Stille der Nacht,

• Verursacht Schwindel

• Dein geflügelter, blinder,

• Unaufhaltsames Verlangen.

• In Ihrem wahnsinnig hell

• sehen

• Etwas lacht, flammt,

• Und unsere Schatten eilen von hinten

• Sie nicht einholen zu können.

Agesander. Venus (Aphrodite) von Milo. 120 v. Chr Marmor.

Agesander. "Der Tod von Laokoon und seinen Söhnen". Marmor. Um 50 v e.

Kreuzworträtsel

Waagerecht : 1. Die Person an der Spitze der Monarchie (allgemeiner Name für Könige, Könige, Kaiser usw.). 2. In der griechischen Mythologie: ein Titan, der als Strafe für den Kampf gegen die Götter das Himmelsgewölbe auf seinen Schultern trägt. 3. Eigenname des Griechen. 4. Altgriechischer Bildhauer, Autor des „Kopfes der Athene“, der Statue der Athene im Parthenon. 5. Zeichnung oder Muster aus mehrfarbigen Kieselsteinen oder Glasstücken, die aneinander befestigt sind. 6. In der griechischen Mythologie: Gott des Feuers, Patron der Schmiede. 7. Marktplatz in Athen. 8. In der griechischen Mythologie: der Gott des Weinbaus und der Weinbereitung. 9. Altgriechischer Dichter, Autor der Gedichte „Ilias“ und „Odyssee“. 10. "Ein Ort für Spektakel", wo Tragödien und Komödien aufgeführt wurden.

Vertikal : 11. Eine Person mit der Gabe des Sprechens. 12. Halbinsel im Südosten Mittelgriechenlands, Gebiet des Athener Staates. 13. In der griechischen Mythologie: Meeresbewohner in Form eines Vogels mit weiblichem Kopf, der Seeleute mit Gesang anlockt. 14. Das Hauptwerk des Herodot. 15. In der antiken griechischen Mythologie: ein einäugiger Riese. 16. Zeichnen auf nassem Putz mit Farben. 17. Altgriechischer Gott des Handels. 18. Autor der Skulptur „Venus de Milo“? 19. Autor der Skulptur "Apollo Belvedere".