Eugène Ionesco est un rhinocéros. Biographie Eugène Ionesco courte biographie

Ionesco est né le 26 novembre 1909 à Slatina (Roumanie). Ses parents l'ont emmené à Paris dans son enfance et le français est devenu sa première langue. La famille est retournée en Roumanie alors que le fils était déjà adolescent. Il entre à l'Université de Bucarest, se préparant à devenir professeur de français. Au début de son activité littéraire, Ionesco a écrit de la poésie en français et en roumain, et a également composé un pamphlet audacieux intitulé "Non!" Le pamphlet était soutenu dans l'esprit nihiliste des dadaïstes et, démontrant l'unité des contraires, condamnait d'abord puis exaltait les trois écrivains roumains.

Dans la "tragédie du langage" "La cantatrice chauve" (1950), première pièce de Ionesco, un monde devenu fou, "l'effondrement de la réalité" est dépeint. Cette pièce fut suivie de La Leçon (La leçon, 1951), Les chaises (Les chaises, 1952), Le nouveau locataire (Le nouveau locataire, 1953), L'avenir dans les œufs (L'Avenir est dans les œufs, 1957), " Le tueur désintéressé » (Tueur sans gages, 1959), « Rhinoceros » (Rhinoceros, 1959), « Air Pedestrian » (Le pieton de l'air, 1962), « The King Dies » (Le roi se meurt, 1962 ), "Thirst and Hunger" (La soif et la faim, 1964), "Macbett" (Macbett, 1973), "L'homme aux valises" (1975) et "Voyage parmi les morts" (Le voyage chez les morts, 1980). Ionesco a également écrit le roman "The Lonely" (La solitaire, 1974) et plusieurs séries de livres pour enfants.

Création

Credo

Les situations, les personnages et les dialogues de ses pièces suivent les images et les associations d'un rêve plutôt que la réalité quotidienne. La langue, à l'aide d'amusants paradoxes, clichés, dictons et autres jeux de mots, s'affranchit des sens et associations habituels. Les pièces de Ionesco proviennent du théâtre de rue, de la commedia dell "arte, des clowns de cirque, des films de Ch. Chaplin, B. Keaton, des Marx Brothers, de la comédie ancienne et de la farce médiévale - vous pouvez trouver les origines de sa dramaturgie dans de nombreux genres, et pas seulement ceux de la scène - ils se trouvent, par exemple, dans les limericks et les "shanding", dans les "Proverbes" de Brueghel et les images paradoxales de Hogarth. Une technique typique est un tas d'objets qui menacent de dévorer les acteurs ; les choses prennent vie, et les gens se transforment en objets inanimés.« Cirque Ionesco » est un terme assez souvent appliqué à son drame de jeunesse.

Eugene Ionesco insiste sur le fait qu'avec son travail, il exprime une vision du monde extrêmement tragique. Ses pièces mettent en garde contre les dangers d'une société où les individus risquent de devenir membres de la famille des équidés (Rhino, 1965), d'une société où rôdent des tueurs anonymes (Le Tueur désintéressé, 1960), où chacun est constamment entouré des dangers de le monde réel et transcendant (« Air Pedestrian », 1963). « Eschatologie » du dramaturge - caractéristique dans la vision du monde des "pentecôtistes effrayés", représentants de la partie intellectuelle et créative de la société, qui se remettent enfin des épreuves et des bouleversements de la guerre mondiale. Le sentiment de confusion, de désunion, l'indifférence nourrie environnante et l'adhésion alarmée aux dogmes de l'opportunisme humaniste rationnel, ont fait naître la nécessité de faire sortir le profane de cet état d'indifférence soumise, contraint de prévoir de nouveaux troubles. Une telle perspective, dit Schwob-Felich, naît dans les périodes de transition, "lorsque le sens de la vie est ébranlé". L'expression d'anxiété qui apparaît dans les pièces d'E. Ionesco n'est perçue que comme un caprice, un jeu de fantaisie délirante et un puzzle extravagant et scandaleux de l'original qui tombe dans une panique réflexive. Les œuvres d'Ionesco ont été retirées du répertoire. Cependant, les deux premières comédies - "The Bald Singer" (1948, anti-play) et "The Lesson" (1950) - ont ensuite repris sur scène, et depuis 1957, elles sont diffusées tous les soirs depuis de nombreuses années dans l'un des les plus petites salles de Paris - La Huchette. Au fil du temps, ce genre a trouvé la compréhension, non seulement en dépit de son caractère inhabituel, mais aussi grâce à l'intégrité convaincante de la métaphore scénique.

E. Ionesco proclame : « Le réalisme, socialiste ou non, reste en dehors de la réalité. Il le rétrécit, le décolore, le déforme... Dépeint une personne dans une perspective réduite et aliénée. La vérité est dans nos rêves, dans l'imaginaire… L'être véritable n'est que dans le mythe… ».

Il propose de se tourner vers les origines de l'art théâtral. Les plus acceptables pour lui sont les performances de l'ancien Théâtre de marionnettes, qui crée des images invraisemblables et grossièrement caricaturales afin de souligner la grossièreté, le grotesque de la réalité elle-même. Le dramaturge voit la seule voie possible pour le développement du théâtre le plus récent en tant que genre spécifique, distinct de la littérature, précisément dans l'utilisation exagérée des moyens du grotesque primitif. à porter les techniques de l'exagération conditionnellement théâtrale à des formes extrêmes, "cruelles", "insupportables", dans le "paroxysme" du comique et du tragique. Il vise à créer un théâtre « féroce, débridé » - « théâtre du cri », comme le caractérisent certains critiques. Il convient de noter en même temps que E. Ionesco s'est immédiatement montré comme un écrivain et un connaisseur de la scène d'un talent exceptionnel. Il est doué d'un talent indéniable pour rendre « visibles », « tangibles » toutes les situations théâtrales, d'un extraordinaire pouvoir d'imagination, tantôt sombre, tantôt capable d'évoquer avec humour le rire homérique.

Le représentant du théâtre du paradoxe, Eugène Ionesco, comme Beckett, ne détruit pas la langue - leur expérience est réduite à des jeux de mots, ils ne mettent pas en danger la structure même de la langue. Jouer avec les mots ("l'équilibre verbal") n'est pas le seul objectif. Le discours de leurs pièces est intelligible, "organiquement modulé", mais la pensée des personnages apparaît incohérente (discrète). La logique de la santé mentale quotidienne est parodiée par des moyens de composition. Dans ces pièces, il y a beaucoup d'allusions, d'associations qui permettent une liberté d'interprétation. La pièce diffuse une perception multidimensionnelle de la situation, permet son interprétation subjective. Certains critiques arrivent à peu près à de telles conclusions, mais il y en a des presque polaires, qui sont argumentées par des arguments assez convaincants, en tout cas, ce qui a été dit ci-dessus contredit clairement ce qui est observé dans la première pièce. Ce n'est pas un hasard si Ionesco lui donne le sous-titre "tragédie de la langue", faisant allusion, évidemment, à une tentative de détruire toutes ses normes ici : les phrases abstruses sur les chiens, les puces, les œufs, la cire et les lunettes dans la scène finale sont interrompues par le marmonnement de mots individuels, de lettres et de combinaisons de sons sans signification. « A, e, et, o, y, a, e, et, o, a, e, et, y », crie un héros ; "B, s, d, f, f, l, m, n, p, r, s, t ..." - l'héroïne lui fait écho. Cette fonction destructrice du spectacle par rapport au langage est également vue par J.-P. Sartre (voir ci-dessous). Mais Ionesco lui-même est loin de résoudre des problèmes aussi étroits et particuliers - c'est plutôt l'un des trucs, une exception «de départ» à la règle, comme s'il démontrait le «bord», la frontière de l'expérience, confirmant le principe conçu pour contribuer au « démantèlement » du théâtre conservateur. Le dramaturge s'efforce de créer, selon ses mots, « du théâtre abstrait, du drame pur. Anti-thématique, anti-idéologique, réaliste anti-socialiste, anti-bourgeois… Trouvez un nouveau théâtre libre. C'est-à-dire un théâtre libéré des idées préconçues, le seul capable d'être sincère, devenant un instrument de recherche, découvrant le sens caché des phénomènes.

Premières pièces

Les héros de The Bald Singer (1948, première mise en scène du Théâtre Noktambuhl - 1950) sont des conformistes exemplaires. Leur conscience, conditionnée par les stéréotypes, imite la spontanéité des jugements, parfois elle est scientifique, mais intérieurement elle est désorientée, ils sont dépourvus de communications. Le dogmatisme, l'ensemble phraséologique standard de leurs dialogues n'a pas de sens. Leurs arguments ne sont que formellement soumis à la logique, un ensemble de mots fait ressembler leur discours à un bachotage ennuyeux et monotone de ceux qui étudient une langue étrangère. Ionesco a été incité à écrire la pièce, selon lui, en étudiant l'anglais. « J'ai consciencieusement réécrit les phrases tirées de mon manuel. En les relisant attentivement, je n'ai pas appris l'anglais, mais des vérités étonnantes : qu'il y a sept jours dans une semaine, par exemple. C'est ce que je savais avant. Ou: "le sol est en dessous, le plafond est au-dessus", que je connaissais aussi, mais que je n'y avais probablement jamais sérieusement pensé ou peut-être oublié, mais cela me semblait tout aussi indiscutable que le reste, et tout aussi vrai ... " . Ces gens sont du matériel de manipulation, ils sont prêts à la résonance d'une foule agressive, d'un troupeau. Les Smith et les Martin sont les rhinocéros des nouvelles expériences dramatiques d'Ionesco.

Cependant, E. Ionesco lui-même s'insurge contre les « savants critiques » qui considèrent « The Bald Singer » comme une banale « satire anti-bourgeoise ». Son idée est plus "universelle". A ses yeux, les « petits bourgeois » sont tous ceux qui « se dissolvent dans le milieu social », « se soumettent au mécanisme de la vie quotidienne », « vivent avec des idées toutes faites ». Les héros de la pièce sont une humanité conformiste, quelle que soit la classe et la société à laquelle ils appartiennent.

La logique du paradoxe d'E. Ionesco se transforme en logique de l'absurde. Perçu initialement comme un jeu divertissant, il pourrait ressembler au jeu inoffensif de M. Cervantès "Two Talkers", si l'action sans compromis, avec tout son développement, n'entraînait le spectateur dans l'espace déformé d'Ultima Thule, un système de catégories brisé. et un flot de jugements contradictoires, une vie complètement dépourvue de vecteur spirituel. A celui à qui s'adresse la fantasmagorie qui se déploie, il ne reste plus, sous le signe de l'ironie, qu'à garder en réserve les repères de la « conscience de soi habituelle ».

Dans Victims of Duty (1952), les personnages qui exécutent humblement tous les ordres de ceux qui sont au pouvoir, le système d'application de la loi, sont des citoyens loyaux et respectables. Par la volonté de l'auteur, elles subissent des métamorphoses, leurs masques changent ; l'un des héros est voué à une recherche sans fin par son parent, policier et épouse, qui fait de lui une «victime du devoir» - la recherche de l'orthographe correcte du nom d'une personne recherchée imaginaire ... Remplir tout devoir envers n'importe quel sorte de « loi » de la vie sociale humilie une personne, mortifie son cerveau, primitivise ses sentiments, transforme un être pensant en automate, en robot, en semi-animal.

Atteindre le maximum d'effet d'influence, Eugène Ionesco "attaque" la logique habituelle de la pensée, conduit le spectateur dans un état d'extase par l'absence du développement attendu. Ici, comme s'il suivait les préceptes du théâtre de rue, il exige non seulement l'improvisation des acteurs, mais rend également le spectateur perplexe pour regarder le développement de ce qui se passe sur et hors scène. Des problèmes qui étaient autrefois perçus comme une autre expérience non figurative commencent à acquérir des qualités de pertinence.

Le concept de « victimes de la dette » n'est pas accidentel. Cette pièce est le manifeste d'un écrivain. Il couvre à la fois les œuvres anciennes et tardives d'E. Ionesco et est confirmé par tout le parcours de la pensée théorique du dramaturge dans les années 50 et 60.

Les personnages reproductibles, dotés de toutes les qualités "réalistes", sont volontairement caricaturés par l'absence de toute fiabilité empirique. Les acteurs transforment constamment leurs personnages, changeant de manière imprévisible leur manière et leur dynamique de performance, passant instantanément d'un état à un autre. Semiramis dans la pièce "Chairs" (1951) agit soit comme l'épouse du vieil homme, soit comme sa mère. "Je suis ta femme, donc ta mère l'est maintenant", dit-elle à son mari, et le vieil homme ("homme, soldat, maréchal de cette maison") monte sur ses genoux en gémissant : "Je suis orpheline, un orphelin ...". "Mon bébé, mon orphelin, orphelin, orphelin", répond Semiramida en le caressant. Dans le programme théâtral de "Chairs", l'auteur a formulé l'idée de la pièce comme suit : "Le monde me semble parfois dépourvu de sens, de réalité - irréel. C'est ce sentiment d'irréalité… que j'ai voulu transmettre avec l'aide de mes personnages, qui errent dans le chaos, n'ayant que peur, remords… et la conscience du vide absolu de leur vie….

De telles "transformations" sont caractéristiques de la dramaturgie d'E. Ionesco. Désormais Madeleine, l'héroïne de La Victime du devoir, est perçue comme une femme âgée marchant dans la rue avec un enfant, puis elle participe à la recherche de Mallo dans les labyrinthes de la conscience de son mari Schubert, le présentant comme un guide et en même temps l'étudie en spectateur extérieur, bourré de critiques de critiques de théâtre parisiens, flagellant Ionesco.

Le policier qui est venu à Schuber lui fait chercher Malo, puisque Schuber a précisé qu'il connaissait bien ce (ou un autre) Malo. Le même policier est associé au père de Schuber, qui personnifie la conscience. Le héros "monte" dans ses souvenirs, escaladant une pyramide de chaises sur la table, tombe; en pantomime, il descend dans les profondeurs de sa mémoire, et pour en « boucher » les trous, il mastique d'innombrables tranches de pain...

Il existe diverses interprétations de ce clown extravagant. Serge Dubrowski, et après lui Esslin, voient la pièce comme une formule mixte de freudisme et d'existentialisme, et l'histoire de Schubert comme une thèse « universelle » abstraite : l'homme n'est rien ; toujours à la recherche de lui-même, subissant des transformations sans fin, il n'atteint jamais la véritable existence réelle. D'autres voient dans Victims of Duty une parodie vicieuse de théâtre réaliste et psychologique. D'autres encore recommandent de ne pas prendre du tout au sérieux les pensées d'Ionesco, car il peut parodier à la fois Freud et Sartre et lui-même ici.

Dans une des lettres de 1957, le dramaturge raconte son parcours vers la gloire : « Sept ans se sont écoulés depuis que ma première pièce a été jouée à Paris. Ce fut un succès modeste, un scandale médiocre. Ma deuxième pièce a eu un échec un peu plus gros, un scandale un peu plus gros. Ce n'est qu'en 1952, à propos des « Chaires », que les événements prennent une tournure plus large. Chaque soir, il y avait huit personnes dans le théâtre qui étaient très mécontentes de la pièce, mais le bruit qu'elle provoquait était entendu par un nombre nettement plus important de personnes à Paris, dans toute la France, il atteignait la frontière allemande même. Et après l'apparition de mes troisième, quatrième, cinquième ... huitième pièces, la rumeur de leurs échecs a commencé à se répandre à pas de géant. L'indignation a traversé la Manche ... Elle a traversé l'Espagne, l'Italie, s'est propagée en Allemagne, s'est déplacée sur des navires en Angleterre ... Je pense que si l'échec se propage de cette manière, il se transformera en triomphe.

Souvent, les héros d'Eugène Ionesco sont victimes d'idées généralisées et illusoires, captifs d'un devoir humble et respectueux des lois, d'une machine bureaucratique, exécutant des fonctions conformes. Leur conscience est mutilée par l'éducation, les idées pédagogiques standard, le mercantilisme et la morale moralisatrice. Ils s'isolent de la réalité avec le bien-être illusoire de la norme de consommation.

Eugène Ionesco (né le 26 novembre 1909 à Slatina, Roumanie - mort le 28 mars 1994 à Paris), dramaturge français, l'un des fondateurs du mouvement esthétique de l'absurde (théâtre de l'absurde). Membre de l'Académie française (1970).

Ionesco est d'origine roumaine. Né le 26 novembre 1909 dans la ville roumaine de Slatine. Ses parents l'ont emmené en France dès son plus jeune âge, jusqu'à l'âge de 11 ans, il a vécu dans le village français de La Chapelle-Anthenaise, puis à Paris. Plus tard, il a déclaré que les impressions d'enfance sur la vie du village se reflétaient largement dans son travail - comme des souvenirs d'un paradis perdu. À l'âge de 13 ans, il retourne en Roumanie, à Bucarest, et y vit jusqu'à l'âge de 26 ans. En 1938, il retourna à Paris, où il vécut le reste de sa vie.

Les gens qui ont perdu la faculté de contempler, qui ne s'étonnent pas d'exister, de vivre, sont des infirmes spirituels.

Ionesco Eugène

La formation de sa personnalité s'est déroulée sous le signe de deux cultures - française et roumaine. La relation avec la langue était particulièrement intéressante. Passer au roumain en adolescence(il a écrit ses premiers poèmes en roumain), il a commencé à oublier le français - à savoir, littéraire, et non familier; appris à écrire dessus. Plus tard à Paris, il a fallu réapprendre le français au niveau de la littérature professionnelle. Plus tard, J.-P. Sartre note que c'est cette expérience qui permet à Ionesco de considérer la langue française comme à distance, ce qui lui donne l'occasion des expériences lexicales les plus audacieuses.

Il a étudié à l'Université de Bucarest, a étudié la littérature et la langue françaises. Ionesco a rappelé que l'essentiel de sa période bucarestoise était le sentiment de conflit avec l'environnement, la prise de conscience qu'il n'était pas à sa place. Au début des années 1930, les idées nazies ont également fleuri au sein de l'intelligentsia roumaine - selon Ionesco, il était à la mode à cette époque d'appartenir à la droite. La protestation interne contre l'idéologie "à la mode" a formé ses principes de vision du monde. Il considérait sa résistance au fascisme non pas comme un problème politique ou social, mais comme un problème existentiel, le problème du rapport entre l'individualité humaine et l'idéologie de masse. Le fascisme en tant que mouvement politique n'y a joué qu'un rôle particulier de «déclencheur», de point de départ: Ionesco détestait toute pression idéologique massive, le diktat du collectivisme, le désir de contrôler les émotions et les actions d'une personne.

Ionesco a porté sa haine pour les régimes totalitaires tout au long de sa vie - les sensations juvéniles spontanées se sont reflétées et se sont développées en principes conscients. En 1959, ce problème est à la base de la pièce Le Rhinocéros, qui interroge le processus de mutation collective, de renaissance sous l'influence d'une idéologie imposée. C'est sa seule pièce qui se prête à une interprétation socio-politique, quand l'invasion des rhinocéros en cours de production est considérée par l'un ou l'autre metteur en scène comme une métaphore de l'apparition du fascisme. Ionesco était toujours un peu découragé et agacé par cette circonstance.

Le reste de ses pièces ne permettait pas une interprétation aussi spécifique. Qu'elles aient été comprises ou non par les metteurs en scène et le public - et la polémique des années 1950 autour de la tendance esthétique de l'absurde s'est développée sérieusement et s'est poursuivie pendant plusieurs décennies - il ne fait guère de doute que les pièces de Ionesco dans leur forme pure sont dédiées à la vie de l'esprit humain. Ces problèmes ont été considérés et analysés par l'auteur par des moyens inhabituels et nouveaux - à travers l'effondrement de la structure logique du sens et de la forme de tous les éléments constitutifs de la pièce: intrigue, intrigue, langage, composition, personnages. Ionesco lui-même a donné une chaleur supplémentaire à la controverse. Il accordait volontiers des interviews, se querellait avec des metteurs en scène, parlait beaucoup et de manière contradictoire de son concept esthétique et théâtral. Ainsi, Ionesco était contre le terme même "d'absurdisme", arguant que ses pièces sont réalistes - autant que tout le monde réel et la réalité environnante sont absurdes. Ici on peut être d'accord avec l'auteur, si l'on considère qu'il ne s'agit pas de réalités quotidiennes, sociales et politiques, mais des problèmes philosophiques de l'être.

En 1938, il soutient sa thèse de doctorat en philosophie à la Sorbonne Sur les motifs de la peur et de la mort dans la poésie française après Baudelaire.

La première création d'Ionesco - la pièce The Bald Singer - a eu lieu le 11 mai 1950 au Night Owl Theatre à Paris (mise en scène N. Bataille). Il est très significatif - dans le cadre de l'esthétique de l'absurde - que la chanteuse chauve elle-même non seulement n'apparaisse pas sur scène, mais n'ait pas été mentionnée dans la version originale de la pièce. Selon la légende théâtrale, Ionesco a trouvé le nom de la pièce lors de la première répétition, en raison d'une réserve de l'acteur répétant le rôle d'un pompier (au lieu des mots "chanteur trop brillant", il a dit "chanteur trop chauve" ). Ionesco a non seulement corrigé cette réserve dans le texte, mais a également remplacé la version originale du titre de la pièce (Anglais sans rien faire). Cela a été suivi par The Lesson (1951), Chairs (1952), Victims of Duty (1953) et d'autres.

, France

Biographie

Théâtre de la Huchette

Eugene Ionesco insiste sur le fait qu'avec son travail, il exprime une vision du monde extrêmement tragique. Ses pièces mettent en garde contre les dangers d'une société où les individus risquent de devenir membres de la famille des équidés (Rhinocéros, 1965), d'une société où rôdent des tueurs anonymes (Le Tueur désintéressé, 1960), où chacun est constamment entouré des dangers de la monde réel et transcendant (« Air Pedestrian », 1963). L'"eschatologie" du dramaturge est un trait caractéristique de la vision du monde des "pentecôtistes effrayés", représentants de la partie intellectuelle et créative de la société, qui s'est enfin remise des épreuves et des bouleversements de la guerre mondiale. Le sentiment de confusion, de désunion, l'indifférence nourrie environnante et l'adhésion alarmée aux dogmes de l'opportunisme humaniste rationnel, ont fait naître la nécessité de faire sortir le profane de cet état d'indifférence soumise, contraint de prévoir de nouveaux troubles. Une telle perspective, dit Schwob-Felich, naît dans les périodes de transition, "lorsque le sens de la vie est ébranlé". L'expression d'anxiété qui apparaît dans les pièces d'E. Ionesco n'est perçue que comme un caprice, un jeu de fantaisie délirante et un puzzle extravagant et scandaleux de l'original qui tombe dans une panique réflexive. Les œuvres d'Ionesco ont été retirées du répertoire. Cependant, les deux premières comédies - "The Bald Singer" (1948, anti-play) et "The Lesson" (1950) - ont ensuite repris sur scène, et depuis 1957, elles sont diffusées tous les soirs depuis de nombreuses années dans l'un des les plus petites salles de Paris - La Huchette. Au fil du temps, ce genre a trouvé la compréhension, non seulement en dépit de son caractère inhabituel, mais aussi grâce à l'intégrité convaincante de la métaphore scénique.

Il propose de se tourner vers les origines de l'art théâtral. Les plus acceptables pour lui sont les performances de l'ancien théâtre de marionnettes, qui crée des images invraisemblables et grossièrement caricaturales afin de souligner la grossièreté, le grotesque de la réalité elle-même. Le dramaturge voit la seule voie possible pour le développement du théâtre le plus récent en tant que genre spécifique, différent de la littérature, précisément dans l'utilisation hypertrophiée des moyens du grotesque primitif, en amenant les méthodes d'exagération théâtrale conditionnelle à l'extrême, "cruelle" , des formes "insupportables", au "paroxysme" du comique et du tragique. Il vise à créer un théâtre « féroce, débridé » - « théâtre du cri », comme le caractérisent certains critiques. Il convient de noter en même temps que E. Ionesco s'est immédiatement montré comme un écrivain et un connaisseur de la scène d'un talent exceptionnel. Il est doué d'un talent indéniable pour rendre « visibles », « tangibles » toutes les situations théâtrales, d'un extraordinaire pouvoir d'imagination, tantôt sombre, tantôt capable d'évoquer avec humour le rire homérique.

Chanteur chauve, Noctambule, 1950

Premières pièces

La logique du paradoxe d'E. Ionesco se transforme en logique de l'absurde. Perçu initialement comme un jeu divertissant, il pourrait ressembler au jeu inoffensif de M. Cervantès "Two Talkers", si l'action sans compromis, avec tout son développement, n'entraînait le spectateur dans l'espace déformé d'Ultima Thule, un système de catégories brisé. et un flot de jugements contradictoires, une vie totalement dépourvue de vecteur spirituel. Pour ceux à qui s'adresse la fantasmagorie qui se déploie, il ne reste plus qu'à garder en réserve, sous le signe de l'ironie, les repères de la « conscience de soi habituelle ».

Le critique français Michel Corvin écrit :

Ionesco bat et détruit pour mesurer ce qui sonne vide, faire du langage le sujet du théâtre, presque un personnage, le faire rire, faire office de mécanisme, c'est-à-dire insuffler la folie dans les relations les plus banales, détruire les fondements de la société bourgeoise.

Les personnages reproductibles, dotés de toutes les qualités "réalistes", sont volontairement caricaturés par l'absence de toute fiabilité empirique. Les acteurs transforment constamment leurs personnages, changeant de manière imprévisible leur manière et leur dynamique de performance, passant instantanément d'un état à un autre. Semiramis dans la pièce "Chairs" (1951) agit soit comme l'épouse du vieil homme, soit comme sa mère. "Je suis ta femme, donc ta mère l'est maintenant", dit-elle à son mari, et le vieil homme ("homme, soldat, maréchal de cette maison") monte sur ses genoux en gémissant : "Je suis orpheline, un orphelin ...". "Mon bébé, mon orphelin, orphelin, orphelin", répond Semiramida en le caressant. Dans le programme théâtral de "Chairs", l'auteur a formulé l'idée de la pièce comme suit : "Le monde me semble parfois dépourvu de sens, de réalité - irréel. C'était ce sentiment d'irréalité... que je voulais transmettre avec l'aide de mes personnages qui errent dans le chaos, n'ayant dans l'âme que la peur, le remords... et la conscience du vide absolu de leur vie..." .

Jean-Paul Sartre caractérise ainsi l'œuvre d'Eugène Ionesco :

Né hors de France, Ionesco considère notre langue comme à distance. Il expose en lui les lieux communs, la routine. Si on part de The Bald Singer, alors il y a une idée très pointue de l'absurdité du langage, à tel point qu'on n'a plus envie de parler. Ses personnages ne parlent pas, mais imitent le mécanisme du jargon de façon grotesque, Ionesco "de l'intérieur" ravage la langue française, n'y laissant que des exclamations, des interjections, des malédictions. Son théâtre est un rêve de langage.

Dans une des lettres de 1957, le dramaturge raconte son parcours vers la gloire : « Sept ans se sont écoulés depuis que ma première pièce a été jouée à Paris. Ce fut un succès modeste, un scandale médiocre. Ma deuxième pièce a eu un échec un peu plus gros, un scandale un peu plus gros. Ce n'est qu'en 1952, à propos des « Chaires », que les événements prennent une tournure plus large. Chaque soir, il y avait huit personnes dans le théâtre qui étaient très mécontentes de la pièce, mais le bruit qu'elle provoquait était entendu par un nombre nettement plus important de personnes à Paris, dans toute la France, il atteignait la frontière allemande même. Et après l'apparition de mes troisième, quatrième, cinquième ... huitième pièces, la rumeur de leurs échecs a commencé à se répandre à pas de géant. L'indignation a traversé la Manche... Elle est passée en Espagne, en Italie, s'est propagée en Allemagne, s'est déplacée sur des navires vers l'Angleterre... Je pense que si l'échec se propage de cette façon, il se transformera en triomphe "

La littérature et le théâtre peuvent-ils vraiment saisir l'incroyable complexité de la vie réelle... Nous vivons un cauchemar sauvage : la littérature n'a jamais été aussi puissante, poignante, intense que la vie ; et encore plus aujourd'hui. Pour rendre la cruauté de la vie, la littérature doit être mille fois plus cruelle, plus terrible.
Plus d'une fois dans ma vie, j'ai été frappé par un changement soudain… Très souvent, les gens commencent à professer une nouvelle foi… Philosophes et journalistes… commencent à parler d'un « moment vraiment historique ». En même temps, vous assistez à la mutation progressive de la pensée. Quand les gens ne partagent plus votre avis, quand il n'est plus possible d'être d'accord avec eux, il semble que vous vous tourniez vers des monstres...

Liste des oeuvres

Pièces

Le chanteur chauve (La Cantatrice chauve), 1950
Les salutations, 1950
"Leçon" (La Leçon), 1951
"Chaises" (Les Chaises), 1952
Le Maître, 1953
Victimes du devoir, 1953
La Jeune fille à marier, 1953
Amédée ou Comment s'en débarrasser, 1954
Jacques ou la Soumission, 1955
"Le nouveau locataire" (Le Nouveau Locataire), 1955
Le Tableau, 1955
L'Impromptu de l'Alma, 1956
L'avenir est dans les oeufs (L'avenir est dans les oeufs), 1957
"Le tueur désintéressé" (Tueur sans gages), 1959
"Étude pour quatre" (Scène à quatre), 1959
Apprendre à marcher, 1960
"Rhinocéros" (Rhinocéros), 1960
Délire ensemble (Délire à deux), 1962
Le roi meurt (Le roi se meurt), 1962
Piéton aérien (Le Piéton de l'air), 1963
Soif et faim (La Soif et la Faim), 1965
"Gap" (La Lacune), 1966
Jeux de massacre, 1970
"Macbett" (Macbett), 1972
"Voyage parmi les morts" (Le voyage chez les morts), 1980
L'homme aux valises, 1975
Voyage chez les morts, 1980

Essai, Journal

Nu, 1934
Hugoliade, 1935
La Tragédie du langage, 1958
Expérience du théâtre, 1958
Discours sur l'avant-garde, 1959
Notes et contre-notes, 1962
Journal en miettes, 1967
Découvertes, 1969
Antidotes, 1977

Paroles

Elegii pentru fiinţe mici, 1931

Romans, nouvelles et nouvelles

Le Vase, 1956
Les Rhinocéros, 1957
Le Piéton de l'air, 1961
"Photographie du Colonel" (La Photo du colonel), 1962
Le Solitaire, 1973

Des articles

Le théâtre de l'absurde a-t-il un avenir ? // Théâtre de l'absurde. Assis. articles et publications. SPb., 2005. S. 191-195.

Remarques

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Lorsque la Seconde Guerre mondiale s'est éteinte, les gens du monde entier ont commencé à se demander comment il pouvait se révéler que le fascisme soit apparu au milieu de l'Europe civilisée. Surtout, l'humanité s'inquiétait de la question de savoir comment des gens intelligents, éduqués et gentils permettaient l'extermination de millions de concitoyens pour la seule raison qu'ils étaient d'origine différente.

L'une des premières tentatives d'explication de mouvements similaires a été faite par Eugène Ionesco. "Rhinos" (dans une autre traduction "Rhinocéros") est une pièce de théâtre dans laquelle il décrit le mécanisme d'émergence d'un phénomène extraterrestre dans la société, qui devient progressivement la norme.

Biographie d'Eugène Ionesco

Le dramaturge est né en Roumanie en 1909, car son père en était originaire et sa mère était française. Depuis son enfance, le garçon parlait plusieurs langues, dont le français. Avec le début de la Première Guerre mondiale, les relations entre les parents du garçon se sont détériorées et ils se sont séparés. La mère prit les enfants et partit pour son pays natal, en France.

Quand Eugene Ionesco a grandi, il a essayé de vivre avec son père en Roumanie. Ici, il entre à l'Université de Bucarest, prévoyant d'enseigner le français. Mais en 1938, il retourne dans la patrie de sa mère et reste à Paris pour toujours.

Ionesco a écrit ses premiers poèmes en Roumanie et au fil des années de sa vie en Roumanie, il a commencé à oublier le français, de sorte que, de retour en France, il a dû réapprendre sa deuxième langue maternelle.

Devenir dramaturge

Même pendant ses études à Bucarest, Eugène a vu l'émergence de la popularité des mouvements pro-fascistes. Cependant, pour le dramaturge lui-même, cet enthousiasme des autres semblait fou, et plus tard cette expérience est devenue le thème de Rhinos et de ses autres œuvres.

De retour à Paris, Ionescu rédige une thèse sur Charles Baudelaire et s'occupe également activement d'écrire ses propres œuvres. Ionesco était surtout connu pour ses pièces de théâtre, mais il a également écrit des nouvelles et des essais.

En tant que dramaturge, Eugene a fait ses débuts en 1950 avec la pièce The Bald Singer, qu'il a écrite sous l'influence d'un manuel d'auto-apprentissage en anglais. C'est cette œuvre qui est devenue un exemple classique du "théâtre de l'absurde" - la direction littéraire à laquelle Ionesco a adhéré dans son travail.

Eugène Ionesco est décédé en mars 1994. Parmi l'héritage créatif des pièces d'Ionesco, Rhinoceros, The Bald Singer, Chairs, The Disinterested Killer, Macbeth, Air Passage et d'autres étaient les plus populaires.

Les origines de la pièce "Rhino" ("Rhinoceros")

Après le succès de sa première pièce, le dramaturge a activement perfectionné sa capacité à écrire dans le genre de l'absurde et du paradoxe. Rejetant le réalisme des productions théâtrales, il croyait qu'il fallait revenir aux origines, quand toutes les pièces étaient pleines de symboles cachés et de demi-indices. À la fin des années cinquante, alors que l'Europe se remettait lentement de la guerre, beaucoup ont commencé à réfléchir aux raisons de l'émergence du fascisme, craignant la répétition d'une telle tragédie. Opposant à tout système totalitaire depuis le temps de ses études en Roumanie, Eugène Ionesco était plus familier avec ce sujet que quiconque. "Rhinocéros" ("Rhinocéros") - c'était le titre de sa nouvelle pièce, publiée en 1959. La même année, il a été mis en scène au Théâtre de Düsseldorf.

Eugene Ionesco "Rhinos": un résumé

La pièce se compose de trois actes. Dans le premier, près du café de la place, deux camarades, Jean et Béranger, s'assoient. Jean réprimande son ami qui, apparemment, a beaucoup bu hier et n'a pas encore eu le temps de se remettre. Soudain, un rhinocéros passe devant eux. Tout le monde autour est effrayé et discute de cet événement hors du commun, exprimant son indignation. Seul Bérenger est indifférent à tout, jusqu'à ce que la charmante Marguerite entre dans le café, dont l'homme est amoureux. Entre-temps, Jean lui lit une morale sur les bonnes manières de vivre et à la fin Béranger accepte de dédier la soirée au développement culturel.

Soudain, un grondement se fait entendre et il s'avère que le rhinocéros vient d'écraser le chat du propriétaire. Tout le monde se dispute sur le nombre de rhinocéros qu'il y avait et à quoi ils ressemblaient. Bérenger déclare à l'improviste qu'on ne voyait rien dans la poussière soulevée par le rhinocéros courant. Jean s'en offusque, l'insulte et s'en va. Un homme frustré commande un verre et décide d'abandonner le programme culturel prévu.

Le deuxième acte de la pièce de Ionesco "Le Rhinocéros" se déroule au service de Béranger dans le bureau.

Ici, tout le monde discute activement des rhinocéros et de l'augmentation inexplicable de leur nombre. Ils se disputent, se disputent, expriment des opinions différentes, jusqu'à ce qu'ils réalisent que leur collègue Beth ne s'est jamais présentée au travail.

Bientôt, sa femme arrive et leur raconte avec horreur la perte de son mari, et après elle un rhinocéros géant arrive en courant. Soudain, Madame le reconnaît comme son mari, et la bête répond à son appel. Assise sur son dos, elle rentre chez elle.

Daisy appelle les pompiers pour aider les employés de bureau en bas, car Beth le rhinocéros a cassé les escaliers. Il s'avère qu'il y a déjà un grand nombre de rhinocéros dans la ville et que leur nombre augmente.

Un des ouvriers de Dudar propose à Bérenger d'aller boire un verre ensemble, mais il refuse, car il décide d'aller voir Jean et de faire la paix avec lui.

Arrivé chez un ami, Bérenger s'aperçoit qu'il est malade. Peu à peu, presque sous les yeux du héros, son ami se transforme en rhinocéros. Un homme effrayé appelle son voisin à l'aide, mais il est déjà devenu une bête. Regardant par la fenêtre, Bérenger voit que de nombreux rhinocéros détruisent déjà des bancs dans la rue. Terrifié, il court vers sa maison.

Le troisième acte de la pièce Le Rhinocéros d'Eugène Ionesco se déroule dans l'appartement de Béranger.

Il se sent malade et son collègue Dudar vient le voir. Au cours de la conversation, Béranger semble toujours se transformer en rhinocéros. Cela lui fait terriblement peur. Cependant, le visiteur rassure l'homme en disant que c'est normal, car les rhinocéros sont des créatures assez mignonnes, bien que légèrement grossières. Il s'avère que de nombreux habitants respectés de la ville, en particulier les Logic, sont depuis longtemps devenus des rhinocéros et se sentent bien. Béranger est horrifié qu'un citoyen aussi noble et sensé choisisse une telle voie.

Pendant ce temps, Daisy arrive en courant à l'appartement. Elle informe les hommes que leur patron est également devenu un rhinocéros, pour suivre ce phénomène désormais à la mode. Béranger pense que les rhinocéros peuvent en quelque sorte être isolés des humains pour arrêter leur croissance démographique, mais les invités le convainquent que les parents des rhinocéros seront contre, ainsi que les militants des droits des animaux.

Dudar est clairement sympathique à Daisy, cependant, il est jaloux d'elle pour Béranger, alors il quitte ses interlocuteurs et se transforme volontairement en rhinocéros.

Daisy et Béranger, restés seuls, ont peur car le rugissement des animaux se fait entendre de partout, même à la radio. Bientôt, la jeune fille change d'avis, décidant que les rhinocéros sont dignes de respect et, après avoir reçu une gifle de l'indigné Béranger, entre dans le troupeau.

L'homme est laissé seul, il se demande s'il a besoin d'être un rhinocéros. En conséquence, il cherche une arme à feu, se préparant à se défendre jusqu'au bout.

Le protagoniste de la pièce est Béranger

Toute l'action qui se déroule dans la pièce de Ionesco "Le Rhinocéros" est centrée autour de Béranger.

Dans le contexte d'autres habitants respectables de la ville, il semble être un paria. Désordonné, pas ponctuel, parlant souvent à sa place, son entourage, même le meilleur ami de Jean. Ce faisant, il ne fait absolument de mal à personne, sauf peut-être à lui-même.

Cependant, au fur et à mesure que l'action se développe, il s'avère que le principal défaut de Béranger est seulement de ne pas s'efforcer de se conformer aux normes ou à la mode généralement acceptées. Alors, quand tout le monde dans le café est occupé à regarder des rhinocéros, un homme pense à sa petite amie. De plus, il n'essaie pas de mentir pour rejoindre l'équipe et expose accidentellement les autres dans des mensonges.

Contrairement aux habitants rationnels de la ville, Bérenger vit de sentiments. Il est amoureux de Daisy et à cause d'elle ne remarque pas les problèmes environnants. De plus, un homme qui ressemble clairement à un alcoolique apprécie beaucoup plus l'amitié que Jean, qui a raison à tous égards. Après tout, pour faire la paix avec lui, Bérenger refuse même de sortir boire un verre.

Une autre différence est le sentiment d'infériorité. Quand tout est encore calme dans la ville, le héros a l'air défavorable dans le contexte de ceux qui l'entourent. Et quand tous les habitants, pour diverses raisons, deviennent des animaux, refusant de devenir rhinocéros, Béranger se sent à nouveau différent de tous les autres.

Eugène Ionesco "Rhinos": analyse

Si aujourd'hui le style de la pièce et les idées qui y sont exprimées semblent ordinaires, alors au moment de son apparition dans les années soixante, c'était quelque chose de nouveau, qui se démarquait.

Cela a été facilité par le fait que cette pièce comprenait toutes les caractéristiques du théâtre de l'absurde, distinguées dans ce sens par Eugène Ionesco ("Rhinos"). Les critiques ont accueilli positivement la pièce, en particulier, ils ont considéré cette œuvre comme antifasciste. Cependant, l'auteur lui-même a réagi négativement à une telle interprétation de son travail, arguant que ses idées étaient beaucoup plus larges, mais chacun est libre de les interpréter à sa guise.

Dans son travail, l'écrivain a activement protesté contre toute idée totalitaire qui transforme les gens en une masse grise soumise, détruisant l'individualité.

Dans cette pièce, des caractéristiques du théâtre de l'absurde telles que le déni de réalisme sont clairement tracées - tous les événements semblent fantastiques et dénués de sens. Les spectateurs et les lecteurs comprennent ce qui s'est passé, mais pourquoi les gens ont soudainement commencé à se transformer en rhinocéros (punition pour les péchés, tours d'OVNI ou autre chose), personne ne le sait.

La pensée rationnelle et pragmatique, que Ionesco considérait comme la cause de tous les problèmes, est également critiquée dans la pièce. Le seul personnage irrationnel de Béranger reste immunisé contre une étrange maladie qui transforme les gens en rhinocéros.

Fait intéressant, dans sa pièce, Eugène Ionesco a décrit toutes les étapes de la technologie de légalisation de tout phénomène étranger à la société, qui n'a été formulée et appelée la fenêtre d'Overton que dans les années 90 du XXe siècle. Selon elle, toute idée, même la plus folle, par exemple le cannibalisme, peut être acceptée par la société comme la norme, après avoir traversé six étapes : impensable, radicale, acceptable, raisonnable, standard et normale.

Sort de scène de la pièce

Après sa magnifique représentation au théâtre de l'Odéon à Paris en 1960, le drame Rhinos a été joué dans de nombreux pays du monde. La pièce était initialement perçue comme antifasciste, c'est pourquoi lors de la première, certains des personnages étaient vêtus d'uniformes militaires allemands. Mais au fil des ans, sa perception a changé et de nouveaux réalisateurs ont utilisé d'autres techniques pour transmettre leur vision.

Rhinoceros a été mis en scène sur la plupart des scènes les plus célèbres du monde, et les plus grands acteurs du théâtre et du cinéma ont été honorés de jouer dans cette pièce. Pour la première fois, le rôle de Béranger a été joué par l'acteur français Jean-Louis Barrot. Plus tard, ce personnage a été joué par des artistes célèbres tels que Viktor Avilov, Laurence Olivier, Benedict Cumberbatch et d'autres.

Le sort des rhinocéros en URSS

Devenu une œuvre antifasciste reconnue, après la première, Rhinos n'est apparu en URSS que cinq ans plus tard. La pièce a été publiée dans la littérature étrangère. Mais il fut bientôt interdit, car les idées exprimées dans Rhinos critiquaient le communisme et le socialisme. Cependant, cela n'a pas empêché la propagation de la pièce. Son texte a été copié, réimprimé et passé de main en main. Et l'interdiction a ajouté une popularité sans précédent à ce travail.

En 1982, la pièce a été mise en scène par l'un des théâtres amateurs de Moscou. Cependant, presque immédiatement après la première, le spectacle a été fermé et ils n'ont pas été autorisés à le mettre en scène avant la perestroïka. Cependant, après l'arrivée au pouvoir de Gorbatchev, les Rhinos ont commencé leur marche victorieuse à travers les meilleures étapes de l'URSS, puis de la Russie.

Citations de rhinocéros

L'un des éléments constitutifs du théâtre de l'absurde Ionesco considéré comme un jeu de mots. "Rhino" (citations ci-dessous) contenait beaucoup de paradoxes verbaux. Par exemple, penser à Logic à propos d'un chat.

Ou un petit dialogue sur les enfants :

- Je ne veux pas d'enfants. Un tel ennui.
Comment allez-vous sauver le monde alors ?
"Pourquoi avez-vous besoin de le sauver ?"

Les pensées des héros sur la vérité sont également profondes: "Parfois, vous faites le mal par accident, sans le vouloir du tout, ou vous l'encouragez par inadvertance."

Plus de cinquante ans après sa création, la pièce "Rhinos" de Ionesco ne perd toujours pas de sa pertinence et est mise en scène dans de nombreux théâtres à travers le monde.

Genre:

pièce de théâtre, roman, nouvelle, nouvelle, essai

Début:

Le chanteur chauve, 1950

Fonctionne sur le site Lib.ru http://www.ionesco.org/index.html

Biographie

Théâtre de la Huchette

Eugene Ionesco insiste sur le fait qu'avec son travail, il exprime une vision du monde extrêmement tragique. Ses pièces mettent en garde contre les dangers d'une société où les individus risquent de devenir membres de la famille des équidés (Rhinocéros, 1965), d'une société où rôdent des tueurs anonymes (Le Tueur désintéressé, 1960), où chacun est constamment entouré des dangers de la monde réel et transcendant (« Air Pedestrian », 1963). L'"eschatologie" du dramaturge est un trait caractéristique de la vision du monde des "pentecôtistes effrayés", représentants de la partie intellectuelle et créative de la société, qui s'est enfin remise des épreuves et des bouleversements de la guerre mondiale. Le sentiment de confusion, de désunion, l'indifférence nourrie environnante et l'adhésion alarmée aux dogmes de l'opportunisme humaniste rationnel, ont fait naître la nécessité de faire sortir le profane de cet état d'indifférence soumise, contraint de prévoir de nouveaux troubles. Une telle perspective, dit Schwob-Felich, naît dans les périodes de transition, "lorsque le sens de la vie est ébranlé". L'expression d'anxiété qui apparaît dans les pièces d'E. Ionesco n'est perçue que comme un caprice, un jeu de fantaisie délirante et un puzzle extravagant et scandaleux de l'original qui tombe dans une panique réflexive. Les œuvres d'Ionesco ont été retirées du répertoire. Cependant, les deux premières comédies - "The Bald Singer" (1948, anti-play) et "The Lesson" (1950) - ont ensuite repris sur scène, et depuis 1957, elles sont diffusées tous les soirs depuis de nombreuses années dans l'un des les plus petites salles de Paris - La Huchette. Au fil du temps, ce genre a trouvé la compréhension, non seulement en dépit de son caractère inhabituel, mais aussi grâce à l'intégrité convaincante de la métaphore scénique.

Il propose de se tourner vers les origines de l'art théâtral. Les plus acceptables pour lui sont les performances de l'ancien théâtre de marionnettes, qui crée des images invraisemblables et grossièrement caricaturales afin de souligner la grossièreté, le grotesque de la réalité elle-même. Le dramaturge voit la seule voie possible pour le développement du théâtre le plus récent en tant que genre spécifique, distinct de la littérature, précisément dans l'utilisation exagérée des moyens du grotesque primitif. à porter les techniques de l'exagération conditionnellement théâtrale à des formes extrêmes, "cruelles", "insupportables", dans le "paroxysme" du comique et du tragique. Il vise à créer un théâtre « féroce, débridé » - « théâtre du cri », comme le caractérisent certains critiques. Il convient de noter en même temps que E. Ionesco s'est immédiatement montré comme un écrivain et un connaisseur de la scène d'un talent exceptionnel. Il est doué d'un talent indéniable pour rendre « visibles », « tangibles » toutes les situations théâtrales, d'un extraordinaire pouvoir d'imagination, tantôt sombre, tantôt capable d'évoquer avec humour le rire homérique.

Chanteur chauve, Noctambule, 1950

Premières pièces

Le critique français Michel Corvin écrit :

Ionesco bat et détruit pour mesurer ce qui sonne vide, faire du langage le sujet du théâtre, presque un personnage, le faire rire, faire office de mécanisme, c'est-à-dire insuffler la folie dans les relations les plus banales, détruire les fondements de la société bourgeoise.

Dans Victims of Duty (1952), les personnages qui exécutent humblement tous les ordres de ceux qui sont au pouvoir, le système d'application de la loi, sont des citoyens loyaux et respectables. Par la volonté de l'auteur, elles subissent des métamorphoses, leurs masques changent ; l'un des héros est voué à une recherche sans fin par son parent, un policier et sa femme, qui font de lui une "victime du devoir" - la recherche de l'orthographe correcte du nom d'une personne recherchée imaginaire ... Remplir n'importe quel devoir à toute sorte de « loi » de la vie sociale humilie une personne, mortifie son cerveau, primitivise ses sentiments, transforme un être pensant en automate, en robot, en semi-animal.

Les personnages reproductibles, dotés de toutes les qualités "réalistes", sont volontairement caricaturés par l'absence de toute fiabilité empirique. Les acteurs transforment constamment leurs personnages, changeant de manière imprévisible leur manière et leur dynamique de performance, passant instantanément d'un état à un autre. Semiramis dans la pièce "Chairs" (1951) agit soit comme l'épouse du vieil homme, soit comme sa mère. "Je suis ta femme, donc ta mère l'est maintenant", dit-elle à son mari, et le vieil homme ("homme, soldat, maréchal de cette maison") monte sur ses genoux en gémissant : "Je suis orpheline, un orphelin ...". "Mon bébé, mon orphelin, orphelin, orphelin", répond Semiramida en le caressant. Dans le programme théâtral de "Chairs", l'auteur a formulé l'idée de la pièce comme suit : "Le monde me semble parfois dépourvu de sens, de réalité - irréel. C'était ce sentiment d'irréalité... que j'ai voulu transmettre avec l'aide de mes personnages, qui errent dans le chaos, n'ayant dans l'âme que la peur, le remords... et la conscience du vide absolu de leur vie... ".

Eugène Ionesco

Jean-Paul Sartre caractérise ainsi l'œuvre d'Eugène Ionesco :

Né hors de France, Ionesco considère notre langue comme à distance. Il expose en lui les lieux communs, la routine. Si on part de The Bald Singer, alors il y a une idée très pointue de l'absurdité du langage, à tel point qu'on n'a plus envie de parler. Ses personnages ne parlent pas, mais imitent le mécanisme du jargon de façon grotesque, Ionesco "de l'intérieur" ravage la langue française, n'y laissant que des exclamations, des interjections, des malédictions. Son théâtre est un rêve de langage.

Dans une des lettres de 1957, le dramaturge raconte son parcours vers la gloire : « Sept ans se sont écoulés depuis que ma première pièce a été jouée à Paris. Ce fut un succès modeste, un scandale médiocre. Ma deuxième pièce a eu un échec un peu plus gros, un scandale un peu plus gros. Ce n'est qu'en 1952, à propos des « Chaires », que les événements prennent une tournure plus large. Chaque soir, il y avait huit personnes dans le théâtre qui étaient très mécontentes de la pièce, mais le bruit qu'elle provoquait était entendu par un nombre nettement plus important de personnes à Paris, dans toute la France, il atteignait la frontière allemande même. Et après l'apparition de mes troisième, quatrième, cinquième ... huitième pièces, la rumeur de leurs échecs a commencé à se répandre à pas de géant. L'indignation a traversé la Manche... Elle est passée en Espagne, en Italie, s'est propagée en Allemagne, s'est déplacée sur des navires vers l'Angleterre... Je pense que si l'échec se propage de cette façon, il se transformera en triomphe "

La littérature et le théâtre peuvent-ils vraiment saisir l'incroyable complexité de la vie réelle... Nous vivons un cauchemar sauvage : la littérature n'a jamais été aussi puissante, poignante, intense que la vie ; et encore plus aujourd'hui. Pour rendre la cruauté de la vie, la littérature doit être mille fois plus cruelle, plus terrible.
Plus d'une fois dans ma vie, j'ai été frappé par un changement soudain… Très souvent, les gens commencent à professer une nouvelle foi… Philosophes et journalistes… commencent à parler d'un « moment vraiment historique ». En même temps, vous assistez à la mutation progressive de la pensée. Quand les gens ne partagent plus votre avis, quand il n'est plus possible d'être d'accord avec eux, il semble que vous vous tourniez vers des monstres...

Eugène Ionesco sur Jean Paulan

Liste des oeuvres

Pièces

Le chanteur chauve (La Cantatrice chauve), 1950
Les salutations, 1950
"Leçon" (La Leçon), 1951
"Chaises" (Les Chaises), 1952
Le Maître, 1953
Victimes du devoir, 1953
La Jeune fille à marier, 1953
Amédée ou Comment s'en débarrasser, 1954
Jacques ou la Soumission, 1955
"Le nouveau locataire" (Le Nouveau Locataire), 1955
Le Tableau, 1955
L'Impromptu de l'Alma, 1956
L'avenir est dans les oeufs (L'avenir est dans les oeufs), 1957
"Le tueur désintéressé" (Tueur sans gages), 1959
Scène à quatre, 1959
Apprendre à marcher, 1960
"Rhinocéros" (Rhinocéros), 1960
Délire à deux, 1962
"Le roi meurt (Le roi se meurt), 1962
Piéton aérien (Le Piéton de l'air), 1963
Soif et faim (La Soif et la Faim), 1965
La Lacune, 1966
Jeux de massacre, 1970
"Macbett" (Macbett), 1972
"Voyage parmi les morts" (Le voyage chez les morts), 1980
L'homme aux valises, 1975
Voyage chez les morts, 1980

Essai, Journal

Nu, 1934
Hugoliade, 1935
La Tragédie du langage, 1958
Expérience du théâtre, 1958
Discours sur l'avant-garde, 1959
Notes et contre-notes, 1962
Journal en miettes, 1967
Découvertes, 1969
Antidotes, 1977

Paroles

Elegii pentru fiinţe mici, 1931

Romans, nouvelles et nouvelles

Le Vase, 1956
Les Rhinocéros, 1957
Le Piéton de l'air, 1961
La Photo du colonel, 1962
Le Solitaire, 1973

Des articles

Le théâtre de l'absurde a-t-il un avenir ? // Théâtre de l'absurde. Assis. articles et publications. SPb., 2005. S. 191-195.