Ionesco Dramatiker. Eugene Ionesco ist ein Nashorn. Romane, Kurzgeschichten und Kurzgeschichten

Ionesco wurde am 26. November 1909 in Slatina (Rumänien) geboren. Seine Eltern nahmen ihn als Kind mit nach Paris, und Französisch wurde seine Muttersprache. Als der Sohn bereits ein Teenager war, kehrte die Familie nach Rumänien zurück. Er trat in die Universität von Bukarest ein und bereitete sich darauf vor, Französischlehrer zu werden. Zu Beginn seiner literarischen Tätigkeit schrieb Ionesco Gedichte auf Französisch und Rumänisch und verfasste auch ein gewagtes Pamphlet mit dem Titel „Nein!“. Das Pamphlet wurde im nihilistischen Geist der Dadaisten getragen und, die Einheit der Gegensätze demonstrierend, zuerst verurteilt und dann die drei rumänischen Schriftsteller gepriesen.

In der „Tragödie der Sprache“ „Der kahle Sänger“ (La cantatrice chauve, 1950), Ionescos erstem Stück, wird eine verrückt gewordene Welt „der Zusammenbruch der Wirklichkeit“ geschildert. Auf dieses Stück folgten Die Lektion (La lecon, 1951), Stühle (Les chaises, 1952), Der neue Mieter (Le nouveau locataire, 1953), Die Zukunft in Eiern (L'Avenir est dans les oeufs, 1957), " The Desinterested Killer“ (Tueur sans gages, 1959), „Rhinoceros“ (Rhinoceros, 1959), „Air Pedestrian“ (Le pieton de l’air, 1962), „The King Dies“ (Le roi se meurt, 1962), „Durst und Hunger“ (La soif et la faim, 1964), „Macbett“ (Macbett, 1973), „Mann mit Koffern“ (1975) und „Reise unter die Toten“ (Le voyage chez les morts, 1980). Ionesco schrieb auch den Roman „Der Einsame“ (La solitaire, 1974) und mehrere Kinderbuchreihen.

Schaffung

Credo

Die Situationen, Charaktere und Dialoge seiner Stücke folgen eher den Bildern und Assoziationen eines Traums als der alltäglichen Realität. Die Sprache wird mit Hilfe von amüsanten Paradoxien, Klischees, Sprüchen und anderen Wortspielen von den üblichen Bedeutungen und Assoziationen befreit. Ionescos Stücke stammen aus Straßentheater, Commedia dell’arte, Zirkusclowning, Filmen von Ch. Chaplin, B. Keaton, den Marx Brothers, antiker Komödie und mittelalterlicher Farce – die Ursprünge seiner Dramaturgie finden sich in vielen Genres, und nicht nur Bühnen - sie liegen zum Beispiel in Limericks und "Shanding", in Brueghels "Sprichwörtern" und Hogarths paradoxen Bildern. Eine typische Technik ist ein Haufen von Gegenständen, die die Schauspieler zu verschlingen drohen; Dinge werden lebendig und Menschen verwandeln sich in „Ionesco Circus“ ist ein häufig verwendeter Begriff für sein frühes Drama.

Eugene Ionesco besteht darauf, dass er mit seiner Arbeit ein äußerst tragisches Weltbild zum Ausdruck bringt. Seine Stücke warnen vor den Gefahren einer Gesellschaft, in der Individuen Gefahr laufen, zu Mitgliedern der Familie der Equiden zu werden (Rhino, 1965), einer Gesellschaft, in der anonyme Killer umherstreifen (The Desinterested Killer, 1960), in der jeder ständig von den Gefahren umgeben ist die reale und transzendente Welt ("Air Pedestrian", 1963). "Eschatologie" des Dramatikers - Besonderheit im Weltbild der „verängstigten Pfingstler“, Vertreter des intellektuellen, kreativen Teils der Gesellschaft, die sich endlich von den Strapazen und Umwälzungen des Weltkriegs erholen. Das Gefühl der Verwirrung, Uneinigkeit, die umgebende wohlgenährte Gleichgültigkeit und das Festhalten an den Dogmen der rationalen humanistischen Zweckmäßigkeit alarmierten, ließen die Notwendigkeit entstehen, den Laien aus diesem Zustand der unterwürfigen Gleichgültigkeit herauszuholen, der gezwungen ist, neue Probleme vorherzusagen. Eine solche Einstellung, sagt Schwob-Felich, entstehe in Übergangszeiten, "wenn das Lebensgefühl erschüttert wird". Der Ausdruck von Angst, der in den Stücken von E. Ionesco auftauchte, wurde als nichts anderes als eine Laune, ein Spiel der wahnhaften Fantasie und ein extravagantes, unverschämtes Puzzle des Originals wahrgenommen, das in eine reflexartige Panik verfiel. Die Werke von Ionesco wurden aus dem Repertoire gestrichen. Die ersten beiden Komödien – „The Bald Singer“ (1948, Anti-Play) und „The Lesson“ (1950) – wurden jedoch später wieder auf die Bühne gebracht, und seit 1957 laufen sie seit vielen Jahren allabendlich in einem von ihnen die kleinsten Säle in Paris - La Huchette. Im Laufe der Zeit fand dieses Genre Verständnis, und zwar nicht nur trotz seiner Ungewöhnlichkeit, sondern auch durch die überzeugende Integrität der Bühnenmetapher.

E. Ionesco verkündet: „Der Realismus, sozialistisch oder nicht, bleibt außerhalb der Realität. Es verengt, verfärbt, verzerrt... Zeigt eine Person in reduzierter und verfremdeter Perspektive. Die Wahrheit liegt in unseren Träumen, in der Vorstellung … Das wahre Wesen liegt nur im Mythos …“.

Er schlägt vor, sich den Ursprüngen der Theaterkunst zuzuwenden. Am annehmbarsten sind ihm die Leistungen der Alten Puppentheater, die unglaubwürdige, grob karikierte Bilder schafft, um die Groteske, Groteske der Realität selbst zu betonen. Gerade im übertriebenen Einsatz der Mittel der primitiven Groteske sieht der Dramatiker den einzig möglichen Weg für die Entwicklung des neuesten Theaters als spezifisches Genre, das sich von der Literatur unterscheidet. darin, die Techniken der bedingt theatralischen Übertreibung zu extremen, "grausamen", "unerträglichen" Formen zu bringen, im "Anfall" des Komischen und Tragischen. Sein Ziel ist es, ein „wildes, hemmungsloses“ Theater zu schaffen – „Schreitheater“, wie ihn manche Kritiker charakterisieren. Gleichzeitig ist anzumerken, dass sich E. Ionesco sofort als Schriftsteller und Kenner der Szene von herausragendem Talent zeigte. Er ist mit einem unbestrittenen Talent ausgestattet, jede theatralische Situation „sichtbar“, „greifbar“ zu machen, mit einer außergewöhnlichen Vorstellungskraft, manchmal düster, manchmal in der Lage, mit Humor homerisches Lachen hervorzurufen.

Der Vertreter des paradoxen Theaters, Eugene Ionesco, zerstört wie Beckett nicht die Sprache - ihr Experiment reduziert sich auf Wortspiele, sie gefährden nicht die eigentliche Struktur der Sprache. Das Spiel mit Wörtern („verbale Balance“) ist nicht das einzige Ziel. Die Sprache in ihren Stücken ist verständlich, "organisch moduliert", aber das Denken der Charaktere erscheint inkonsistent (diskret). Die Logik der alltäglichen Vernunft wird mit kompositorischen Mitteln parodiert. In diesen Stücken gibt es viele Anspielungen, Assoziationen, die Interpretationsspielräume schaffen. Das Stück strahlt eine mehrdimensionale Wahrnehmung der Situation aus, lässt ihre subjektive Deutung zu. Einige Kritiker kommen zu ungefähr solchen Schlussfolgerungen, aber es gibt fast polare, die mit ziemlich überzeugenden Argumenten argumentiert werden, auf jeden Fall widerspricht das oben Gesagte eindeutig dem, was im ersten Stück beobachtet wurde. Ionesco gibt ihr nicht zufällig den Untertitel „Tragödie der Sprache“, der hier offensichtlich den Versuch anklingen lässt, alle ihre Normen zu zerstören: Abstruse Phrasen über Hunde, Flöhe, Eier, Wachs und Brillen in der Schlussszene werden unterbrochen durch das Murmeln einzelner Wörter, Buchstaben und sinnloser Lautkombinationen. „A, e und, o, y, a, e, und, o, a, e, und, y“, schreit ein Held; "B, s, d, f, f, l, m, n, p, r, s, t ..." - die Heldin wiederholt ihn. Diese destruktive Funktion des Spektakels gegenüber der Sprache sieht auch J.-P. Sartre (siehe unten). Aber Ionesco selbst ist weit davon entfernt, solche engen, speziellen Probleme zu lösen - es ist eher einer der Tricks, eine „startende“ Ausnahme von der Regel, als ob er den „Rand“, die Grenze des Experiments demonstrieren und das Prinzip bestätigen würde, das dazu bestimmt ist, einen Beitrag zu leisten zum „Abbau“ des konservativen Theaters. Der Dramatiker strebt nach seinen Worten „abstraktes Theater, reines Drama. Anti-thematisch, anti-ideologisch, anti-sozialistisch-realistisch, anti-bürgerlich… Finden Sie ein neues freies Theater. Das heißt, ein Theater, das von vorgefassten Gedanken befreit ist, das einzige, das in der Lage ist, aufrichtig zu sein, ein Instrument der Forschung zu werden und die verborgene Bedeutung von Phänomenen zu entdecken.

Frühe Stücke

Die Helden von Der kahle Sänger (1948, uraufgeführt vom Theater Noktambuhl - 1950) sind vorbildliche Konformisten. Ihr durch Stempel konditioniertes Bewusstsein imitiert die Spontaneität von Urteilen, manchmal ist es wissenschaftlich, aber innerlich ist es desorientiert, sie sind ohne Kommunikation. Dogmatismus, die Standardphraseologie ihrer Dialoge, ist bedeutungslos. Ihre Argumente unterliegen nur formal der Logik, eine Wortfolge lässt ihre Rede wie ein langweiliges monotones Pauken von Fremdsprachenlernenden erscheinen. Ionesco wurde seiner Meinung nach durch das Studium der englischen Sprache veranlasst, das Stück zu schreiben. „Ich habe die Sätze aus meinem Handbuch gewissenhaft umgeschrieben. Als ich sie sorgfältig noch einmal las, lernte ich kein Englisch, aber erstaunliche Wahrheiten: dass es zum Beispiel sieben Tage in einer Woche gibt. Das war mir vorher bekannt. Oder: „Der Boden ist unten, die Decke ist oben“, was ich auch wusste, aber wahrscheinlich nie ernsthaft darüber nachgedacht oder vielleicht vergessen habe, aber es schien mir genauso unbestreitbar wie der Rest und genauso wahr ... " . Diese Menschen sind Manipulationsmaterial, sie sind bereit für die Resonanz einer aggressiven Masse, einer Herde. Die Smiths und die Martins sind die Nashörner in Ionescos weiteren dramatischen Experimenten.

E. Ionesco selbst rebelliert jedoch gegen "gelehrte Kritiker", die "The Bald Singer" für eine gewöhnliche "antibürgerliche Satire" halten. Seine Idee ist "universeller". „Kleinbürger“ sind in seinen Augen all jene, die sich „im gesellschaftlichen Umfeld auflösen“, „sich den Mechanismen des Alltags unterwerfen“, „mit vorgefertigten Ideen leben“. Die Helden des Stücks sind die konformistische Menschheit, egal welcher Klasse und Gesellschaft sie angehören.

E. Ionescos Logik des Paradoxons wird in die Logik der Absurdität transformiert. Zunächst als unterhaltsames Spiel empfunden, könnte es dem harmlosen Spiel von M. Cervantes „Two Talkers“ ähneln, wenn die Handlung bei aller Entwicklung den Zuschauer nicht kompromisslos in den deformierten Raum von Ultima Thule, einem kaputten Kategoriensystem, verwickeln würde und ein Strom widersprüchlicher Urteile, ein Leben, das völlig frei von einem spirituellen Vektor ist. Demjenigen, an den sich die sich entfaltende Phantasmagorie richtet, bleibt nur, von Ironie bewacht, die Marksteine des „gewohnheitsmäßigen Selbstbewusstseins“ in Reserve zu halten.

In Victims of Duty (1952) sind die Charaktere, die alle Befehle der Machthaber, des Strafverfolgungssystems, demütig ausführen, loyale, respektable Bürger. Nach dem Willen des Autors durchlaufen sie Metamorphosen, ihre Masken wechseln; Einer der Helden ist zu einer endlosen Suche durch seinen Verwandten, Polizisten und seine Frau verurteilt, die ihn zu einem „Opfer der Pflicht“ machen - der Suche nach der richtigen Schreibweise des Namens einer imaginären gesuchten Person ... Erfüllung jeder Pflicht gegenüber irgendjemandem Eine Art „Gesetz“ des sozialen Lebens demütigt einen Menschen, kasteit sein Gehirn, primitiviert seine Gefühle, verwandelt ein denkendes Wesen in einen Automaten, in einen Roboter, in ein Halbtier.

Eugene Ionesco erreicht die maximale Wirkung des Einflusses, "greift" die übliche Denklogik an und führt den Betrachter durch das Ausbleiben der erwarteten Entwicklung in einen Zustand der Ekstase. Hier verlangt er, wie nach den Regeln des Straßentheaters, nicht nur von den Schauspielern Improvisation, sondern lässt den Zuschauer auch fassungslos nach der Entwicklung des Geschehens auf und neben der Bühne Ausschau halten. Probleme, die einst als ein weiteres nicht-figuratives Experiment wahrgenommen wurden, beginnen, die Qualitäten der Relevanz zu erlangen.

Der Begriff „Schuldenopfer“ ist kein Zufall. Dieses Stück ist das Manifest eines Schriftstellers. Es umfasst sowohl das Früh- als auch das Spätwerk von E. Ionesco und wird durch den gesamten Verlauf des theoretischen Denkens des Dramatikers in den 50er und 60er Jahren bestätigt.

Reproduzierbare Charaktere, ausgestattet mit allen „realistischen“ Qualitäten, werden bewusst durch das Fehlen jeglicher empirischer Verlässlichkeit karikiert. Schauspieler verändern ständig ihre Charaktere, ändern unvorhersehbar ihre Art und Dynamik der Darbietung und wechseln augenblicklich von einem Zustand in einen anderen. Semiramis in dem Stück "Chairs" (1951) spielt entweder die Frau des alten Mannes oder seine Mutter. „Ich bin deine Frau, also ist deine Mutter jetzt deine Mutter“, sagt sie zu ihrem Mann, und der alte Mann („Mann, Soldat, Marschall dieses Hauses“) klettert wimmernd auf ihren Schoß: „Ich bin eine Waise, ein Waise ...". „Mein Baby, mein Waisenkind, Waisenkind, Waisenkind“, antwortet Semiramida und streichelt ihn. Im Theaterprogramm zu „Chairs“ formulierte der Autor die Idee des Stücks so: „Die Welt erscheint mir manchmal sinnlos, Realität – unwirklich. Es war dieses Gefühl der Unwirklichkeit … das wollte ich mit Hilfe meiner Figuren vermitteln, die im Chaos umherirren, nichts in ihrer Seele haben als Angst, Reue … und das Bewusstsein der absoluten Leere ihres Lebens …“ .

Solche „Verwandlungen“ sind charakteristisch für die Dramaturgie von E. Ionesco. Jetzt wird Madeleine, die Heldin von The Victim of Duty, als ältere Frau wahrgenommen, die mit einem Kind die Straße entlang geht, dann beteiligt sie sich an der Suche nach Mallo in den Labyrinthen des Bewusstseins ihres Mannes Schubert, präsentiert ihn als Führer und Gleichzeitig studierte er ihn als Zuschauer von außen, vollgestopft mit Rezensionen von Pariser Theaterkritikern, die Ionesco geißelten.

Der Polizist, der zu Schuber kam, lässt ihn nach Malo suchen, da Schuber deutlich machte, dass er genau diesen (oder anderen) Malo kannte. Derselbe Polizist wird mit dem Vater von Schuber in Verbindung gebracht, der das Gewissen verkörpert. Der Held „erhebt“ sich in seinen Erinnerungen, klettert auf eine Stuhlpyramide auf dem Tisch, fällt; in der Pantomime steigt er in die Tiefen seiner Erinnerung hinab, und um die Löcher darin zu „schließen“, kaut er unzählige Brotscheiben ...

Es gibt verschiedene Interpretationen dieser ausgefallenen Clownerie. Serge Dubrowski und nach ihm Esslin sehen das Stück als eine Mischformel aus Freudianismus und Existentialismus und Schuberts Geschichte als eine abstrahierte „universelle“ These: Der Mensch ist nichts; ewig auf der Suche nach sich selbst, endlosen Transformationen unterzogen, erreicht er nie die wahre reale Existenz. Andere sehen in Victims of Duty eine bösartige Parodie auf realistisches und psychologisches Theater. Wieder andere empfehlen, Ionescos Gedanken überhaupt nicht ernst zu nehmen, da er hier sowohl Freud als auch Sartre und sich selbst parodieren könnte.

In einem der Briefe von 1957 erzählt der Dramatiker von seinem Weg zum Ruhm: „Sieben Jahre sind vergangen, seit mein erstes Stück in Paris gespielt wurde. Es war ein bescheidener Erfolg, ein mittelmäßiger Skandal. Mein zweites Stück hatte einen etwas größeren Misserfolg, einen etwas größeren Skandal. Erst 1952, im Zusammenhang mit den „Chairs“, begannen die Ereignisse eine breitere Wendung zu nehmen. Jeden Abend waren acht Leute im Theater, die mit dem Stück sehr unzufrieden waren, aber der Lärm, den es verursachte, wurde von einer wesentlich größeren Anzahl von Menschen in Paris gehört, in ganz Frankreich, es reichte bis an die deutsche Grenze. Und nach dem Erscheinen meines dritten, vierten, fünften ... achten Stücks verbreitete sich das Gerücht über ihr Scheitern mit Riesenschritten. Die Empörung überquerte den Ärmelkanal ... Sie überquerte Spanien, Italien, breitete sich nach Deutschland aus, zog auf Schiffen nach England ... Ich denke, wenn sich das Scheitern auf diese Weise ausbreitet, wird es zu einem Triumph.

Oft sind die Helden von Eugene Ionesco Opfer verallgemeinerter, illusorischer Ideen, Gefangene eines bescheidenen, gesetzestreuen Dienstes an der Pflicht, einer bürokratischen Maschine, Ausführenden konformer Funktionen. Ihr Bewusstsein ist verstümmelt durch Bildung, pädagogisches Standarddenken, Kommerz und scheinheilige Moral. Sie isolieren sich mit dem illusorischen Wohlbefinden des Konsumstandards von der Realität.

, Frankreich

Biografie

La Huchette-Theater

Eugene Ionesco besteht darauf, dass er mit seiner Arbeit ein äußerst tragisches Weltbild zum Ausdruck bringt. Seine Stücke warnen vor den Gefahren einer Gesellschaft, in der Einzelpersonen riskieren, Mitglieder der Familie der Equiden zu werden (Rhinoceros, 1965), einer Gesellschaft, in der anonyme Killer umherstreifen (The Desinterested Killer, 1960), in der jeder ständig von den Gefahren der Tiere umgeben ist reale und transzendente Welt ("Air Pedestrian", 1963). Die „Eschatologie“ des Dramatikers ist ein charakteristisches Merkmal im Weltbild der „verängstigten Pfingstler“, Vertreter des intellektuellen, kreativen Teils der Gesellschaft, die sich endlich von den Strapazen und Umwälzungen des Weltkriegs erholt hat. Das Gefühl der Verwirrung, Uneinigkeit, die umgebende wohlgenährte Gleichgültigkeit und das Festhalten an den Dogmen der rationalen humanistischen Zweckmäßigkeit alarmierten, ließen die Notwendigkeit entstehen, den Laien aus diesem Zustand der unterwürfigen Gleichgültigkeit herauszuholen, der gezwungen ist, neue Probleme vorherzusagen. Eine solche Einstellung, sagt Schwob-Felich, entstehe in Übergangszeiten, "wenn das Lebensgefühl erschüttert wird". Der Ausdruck von Angst, der in den Stücken von E. Ionesco auftauchte, wurde als nichts anderes als eine Laune, ein Spiel der wahnhaften Fantasie und ein extravagantes, unverschämtes Puzzle des Originals wahrgenommen, das in eine reflexartige Panik verfiel. Die Werke von Ionesco wurden aus dem Repertoire gestrichen. Die ersten beiden Komödien – „The Bald Singer“ (1948, Anti-Play) und „The Lesson“ (1950) – wurden jedoch später wieder auf die Bühne gebracht, und seit 1957 laufen sie seit vielen Jahren allabendlich in einem von ihnen die kleinsten Säle in Paris - La Huchette. Im Laufe der Zeit fand dieses Genre Verständnis, und zwar nicht nur trotz seiner Ungewöhnlichkeit, sondern auch durch die überzeugende Integrität der Bühnenmetapher.

Er schlägt vor, sich den Ursprüngen der Theaterkunst zuzuwenden. Am akzeptabelsten sind für ihn die Aufführungen des alten Puppentheaters, das unglaubwürdige, grob karikierte Bilder schafft, um die Grobheit, Groteske der Realität selbst zu betonen. Der Dramatiker sieht den einzig möglichen Weg für die Entwicklung des neuesten Theaters als spezifisches Genre, das sich von der Literatur unterscheidet, gerade in der hypertrophierten Verwendung der Mittel der primitiven Groteske, darin, die Methoden der bedingt theatralischen Übertreibung auf die Spitze zu treiben, "grausam". , "unerträgliche" Formen, im "Anfall" des Komischen und Tragischen. Sein Ziel ist es, ein „wildes, hemmungsloses“ Theater zu schaffen – „Schreitheater“, wie ihn manche Kritiker charakterisieren. Gleichzeitig ist anzumerken, dass sich E. Ionesco sofort als Schriftsteller und Kenner der Szene von herausragendem Talent zeigte. Er ist mit einem unbestrittenen Talent ausgestattet, jede theatralische Situation „sichtbar“, „greifbar“ zu machen, mit einer außergewöhnlichen Vorstellungskraft, manchmal düster, manchmal in der Lage, mit Humor homerisches Lachen hervorzurufen.

Bald Singer, Noctambule, 1950

Frühe Stücke

E. Ionescos Logik des Paradoxons wird in die Logik der Absurdität transformiert. Zunächst als unterhaltsames Spiel empfunden, könnte es dem harmlosen Spiel von M. Cervantes „Two Talkers“ ähneln, wenn die Handlung bei aller Entwicklung den Zuschauer nicht kompromisslos in den deformierten Raum von Ultima Thule, einem gebrochenen Kategoriensystem, verwickeln würde und ein Strom widersprüchlicher Urteile, ein Leben, das völlig frei von einem spirituellen Vektor ist. Für diejenigen, an die sich die sich entfaltende Phantasmagorie richtet, bleibt nur, von Ironie bewacht, die Marksteine des „gewohnheitsmäßigen Selbstbewusstseins“ in Reserve zu halten.

Der französische Kritiker Michel Corvin schreibt:

Ionesco schlägt und zerstört, um das zu messen, was leer klingt, um die Sprache zum Thema des Theaters zu machen, fast zu einer Figur, um sie zum Lachen zu bringen, um als Mechanismus zu agieren, das heißt, um den banalsten Beziehungen Wahnsinn einzuhauchen die Grundlagen der bürgerlichen Gesellschaft zerstören.

Jean-Paul Sartre charakterisiert das Werk von Eugene Ionesco wie folgt:

Ionesco wurde außerhalb Frankreichs geboren und betrachtet unsere Sprache wie aus der Ferne. Er entblößt in ihm Gemeinplätze, Routine. Wenn wir von The Bald Singer ausgehen, dann gibt es eine sehr scharfe Vorstellung von der Absurdität der Sprache, so sehr, dass Sie nicht mehr reden möchten. Seine Figuren sprechen nicht, sondern imitieren auf groteske Weise den Mechanismus des Jargons, Ionesco verwüstet "von innen" die französische Sprache und hinterlässt nur Ausrufe, Zwischenrufe, Flüche. Sein Theater ist ein Traum über Sprache.

In einem der Briefe von 1957 erzählt der Dramatiker von seinem Weg zum Ruhm: „Sieben Jahre sind vergangen, seit mein erstes Stück in Paris gespielt wurde. Es war ein bescheidener Erfolg, ein mittelmäßiger Skandal. Mein zweites Stück hatte einen etwas größeren Misserfolg, einen etwas größeren Skandal. Erst 1952, im Zusammenhang mit den „Chairs“, begannen die Ereignisse eine breitere Wendung zu nehmen. Jeden Abend waren acht Leute im Theater, die mit dem Stück sehr unzufrieden waren, aber der Lärm, den es verursachte, wurde von einer wesentlich größeren Anzahl von Menschen in Paris gehört, in ganz Frankreich, es reichte bis an die deutsche Grenze. Und nach dem Erscheinen meines dritten, vierten, fünften ... achten Stücks verbreitete sich das Gerücht über ihr Scheitern mit Riesenschritten. Die Empörung überquerte den Ärmelkanal ... Sie ging nach Spanien, Italien, breitete sich nach Deutschland aus, zog auf Schiffen nach England ... Ich denke, wenn sich das Scheitern auf diese Weise ausbreitet, wird es zu einem Triumph.

Oft sind die Helden von Eugene Ionesco Opfer verallgemeinerter, illusorischer Ideen, Gefangene eines demütigen, gesetzestreuen Dienstes, eine bürokratische Maschinerie, Ausführende konformer Funktionen. Ihr Bewusstsein ist verstümmelt durch Bildung, pädagogisches Standarddenken, Kommerz und scheinheilige Moral. Sie isolieren sich mit dem illusorischen Wohlbefinden des Konsumstandards von der Realität.

Können Literatur und Theater wirklich die unglaubliche Komplexität des wirklichen Lebens einfangen? Wir durchleben einen wilden Alptraum: Literatur war noch nie so kraftvoll, ergreifend und intensiv wie das Leben; und heute noch mehr. Um die Grausamkeit des Lebens zu vermitteln, muss Literatur tausendmal grausamer, schrecklicher sein.
Mehr als einmal in meinem Leben wurde ich von einer plötzlichen Veränderung getroffen … Sehr oft beginnen Menschen, sich zu einem neuen Glauben zu bekennen … Philosophen und Journalisten … beginnen, von einem „wirklich historischen Moment“ zu sprechen. Gleichzeitig sind Sie bei der allmählichen Mutation des Denkens dabei. Wenn die Leute deine Meinung nicht mehr teilen, wenn man ihnen nicht mehr zustimmen kann, scheint es, als würdest du dich zu Monstern wenden ...

Liste der Werke

Theaterstücke

Der kahle Sänger (La Cantatrice chauve), 1950
Les Grüße, 1950
"Lektion" (La Leçon), 1951
"Stühle" (Les Chaises), 1952
Le Maitre, 1953
Opfer des Todes, 1953
La Jeune Fille à marier, 1953
Amédee ou Comment s'en debarrasser, 1954
Jacques ou la Soumission, 1955
"Der neue Mieter" (Le Nouveau Locataire), 1955
Le Tableau, 1955
L'Impromptu de l'Alma, 1956
Die Zukunft liegt in Eiern (L'avenir est dans les Oeufs), 1957
"Der uneigennützige Mörder" (Tueur sans gages), 1959
„Studie für vier“ (Scène à quatre), 1959
Apprendre a marcher, 1960
"Nashorn" (Nashorn), 1960
Gemeinsames Delirium (Délire à deux), 1962
Der König stirbt (Le roi se meurt), 1962
Luft-Fußgänger (Le Piéton de l'air), 1963
Durst und Hunger (La Soif et la Faim), 1965
"Lücke" (La Lacune), 1966
Jeux de massacre, 1970
"Macbett" (Macbett), 1972
„Reise unter die Toten“ (Le voyage chez les morts), 1980
L'homme aux valises, 1975
Voyage chez les morts, 1980

Essay, Tagebuch

Nu, 1934
Hugoliade, 1935
La Tragedie du langage, 1958
Theatererlebnis, 1958
Diskurse über die Avantgarde, 1959
Notizen und Gegennotizen, 1962
Journal en miettes, 1967
Decouvertes, 1969
Gegenmittel, 1977

Text

Elegii pentru fiinţe mici, 1931

Romane, Kurzgeschichten und Kurzgeschichten

Die Vase, 1956
Les Nashorn, 1957
Le Pieton de l’air, 1961
"Foto des Obersten" (La Photo du Colonel), 1962
Le Solitaire, 1973

Artikel

Hat das Theater des Absurden eine Zukunft? // Theater des Absurden. Sa. Artikel und Veröffentlichungen. SPb., 2005. S. 191-195.

Anmerkungen

Deutsche Nationalbibliothek, Staatsbibliothek zu Berlin, Bayerische Staatsbibliothek etc. Datensatz #118555707 // Allgemeine Regulierungskontrolle (GND) - 2012-2016.
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Eugene Ionesco (* 26. November 1909 in Slatina, Rumänien – † 28. März 1994 in Paris), französischer Dramatiker, einer der Begründer der ästhetischen Bewegung des Absurden (Theater des Absurden). Mitglied der Französischen Akademie (1970).

Ionesco stammt ursprünglich aus Rumänien. Geboren am 26. November 1909 in der rumänischen Stadt Slatine. Seine Eltern nahmen ihn früh mit nach Frankreich, bis er 11 Jahre alt war, lebte er im französischen Dorf La Chapelle-Anthenaise, dann in Paris. Später sagte er, dass sich Kindheitseindrücke des Dorflebens in seiner Arbeit weitgehend widerspiegelten – wie Erinnerungen an ein verlorenes Paradies. Mit 13 Jahren kehrte er nach Rumänien, nach Bukarest, zurück und lebte dort bis zu seinem 26. Lebensjahr. 1938 kehrte er nach Paris zurück, wo er den Rest seines Lebens verbrachte.

Menschen, die die Fähigkeit zur Kontemplation verloren haben, die nicht überrascht sind, dass sie existieren, leben, sind spirituelle Krüppel.

Ionesco Eugen

Seine Persönlichkeitsbildung erfolgte im Zeichen zweier Kulturen – der französischen und der rumänischen. Besonders interessant war die Beziehung zur Sprache. Umstellung auf Rumänisch in Jugend(er schrieb seine ersten Gedichte auf Rumänisch), er begann das Französische zu vergessen – nämlich das literarische und nicht das umgangssprachliche; gelernt, darauf zu schreiben. Später in Paris musste Französisch auf der Ebene der Fachliteratur neu gelernt werden. Später stellte J.-P. Sartre fest, dass es diese Erfahrung war, die es Ionesco ermöglichte, die französische Sprache wie aus der Ferne zu betrachten, was ihm die Gelegenheit zu den gewagtesten lexikalischen Experimenten gab.

Er studierte an der Universität Bukarest, studierte französische Literatur und Sprache. Ionesco erinnerte daran, dass das Wichtigste während seiner Zeit in Bukarest das Gefühl des Konflikts mit der Umwelt war, die Erkenntnis, dass er fehl am Platz war. In den frühen 1930er-Jahren blühte Nazi-Ideen auch unter der rumänischen Intelligenz auf – damals war es laut Ionesco in Mode, zur Rechten zu gehören. Interner Protest gegen die "modische" Ideologie bildete seine Prinzipien der Weltanschauung. Er betrachtete seinen Widerstand gegen den Faschismus nicht als ein politisches oder soziales Problem, sondern als ein existenzielles Problem, das Problem des Verhältnisses von menschlicher Individualität und Massenideologie. Der Faschismus als politische Bewegung spielte dabei nur eine eigentümliche Rolle als „Auslöser“, als Ausgangspunkt: Ionesco hasste jeden massiven ideologischen Druck, das Diktat des Kollektivismus, den Wunsch, die Emotionen und Handlungen eines Menschen zu kontrollieren.

Seinen Hass auf totalitäre Regime trug Ionesco sein ganzes Leben lang – spontane jugendliche Empfindungen wurden reflektiert und zu bewussten Prinzipien entwickelt. Dieses Problem bildete 1959 die Grundlage für das Theaterstück The Rhinoceros, das den Prozess der kollektiven Mutation, der Wiedergeburt unter dem Einfluss einer auferlegten Ideologie untersucht. Dies ist sein einziges Stück, das sich für eine gesellschaftspolitische Interpretation anbietet, wenn die Invasion von Nashörnern während der Produktion von dem einen oder anderen Regisseur als Metapher für den Beginn des Faschismus angesehen wird. Ionesco war immer etwas entmutigt und genervt von diesem Umstand.

Der Rest seiner Stücke ließ eine solche spezifische Interpretation nicht zu. Ob sie von den Regisseuren und dem Publikum verstanden wurden oder nicht – und die Kontroverse in den 1950er Jahren um den ästhetischen Trend des Absurden entfaltete sich ernsthaft und hielt mehrere Jahrzehnte an – es kann kaum bezweifelt werden, dass Ionescos Stücke in ihrer reinen Form dem gewidmet sind Leben des menschlichen Geistes. Diese Probleme wurden vom Autor mit ungewöhnlichen, neuen Mitteln betrachtet und analysiert - durch den Zusammenbruch der logischen Struktur der Bedeutung und Form aller Bestandteile des Stücks: Handlung, Handlung, Sprache, Komposition, Charaktere. Ionesco selbst gab der Kontroverse zusätzliche Hitze. Er gab bereitwillig Interviews, stritt sich mit Regisseuren, sprach viel und widersprüchlich über sein ästhetisches und theatralisches Konzept. Ionesco war also gegen den Begriff „Absurdismus“ und argumentierte, dass seine Stücke realistisch seien – genauso wie die gesamte reale Welt und die sie umgebende Realität absurd seien. Hier kann man dem Autor zustimmen, wenn man bedenkt, dass es hier nicht um alltägliche, soziale und politische Realitäten geht, sondern um die philosophischen Probleme des Seins.

1938 verteidigte er seine Doktorarbeit in Philosophie an der Sorbonne Über die Motive von Angst und Tod in der französischen Dichtung nach Baudelaire.

Die erste Uraufführung von Ionesco – dem Theaterstück The Bald Singer – fand am 11. Mai 1950 im Night Owl Theatre in Paris (Regie: N. Bataille) statt. Es ist – im Rahmen der Ästhetik des Absurden – von großer Bedeutung, dass die glatzköpfige Sängerin selbst nicht nur nicht auf der Bühne erscheint, sondern in der Urfassung des Stückes auch nicht erwähnt wurde. Der Theaterlegende zufolge stammte der Name des Stücks von Ionesco bei der ersten Probe, aufgrund einer Reservierung des Schauspielers, der die Rolle eines Feuerwehrmanns einstudierte (statt den Worten "zu heller Sänger" sagte er "zu kahler Sänger"). . Ionesco hat diesen Vorbehalt nicht nur im Text behoben, sondern auch die ursprüngliche Version des Titels des Stücks (Englishman with nothing to do) ersetzt. Es folgten The Lesson (1951), Chairs (1952), Victims of Duty (1953) und andere.

Platz in einer Provinzstadt. Der Ladenbesitzer faucht der Frau mit der Katze empört hinterher - Die Hausfrau war in einem anderen Laden einkaufen. Jean und Beranger erscheinen fast gleichzeitig – dennoch wirft Jean seinem Freund Verspätung vor. Beide setzen sich an einen Tisch vor dem Café. Berenger sieht nicht gut aus: Er kann sich kaum auf den Beinen halten, gähnt, sein Anzug ist zerknittert, sein Hemd dreckig, seine Schuhe sind nicht geputzt. All diese Details zählt Jean begeistert auf – er schämt sich sichtlich für seinen willensschwachen Freund. Plötzlich ist das Klappern eines laufenden riesigen Tieres zu hören, und dann ein langgezogenes Brüllen. Die Kellnerin schreit entsetzt auf - es ist ein Nashorn! Die verängstigte Hausfrau rennt herein und drückt die Katze krampfhaft an ihre Brust. Der elegant gekleidete Altmeister versteckt sich im Laden und drängt den Besitzer kurzerhand. Der Logiker mit der Bootsmütze ist an die Hauswand gepresst. Wenn das Klappern und Brüllen des Nashorns in der Ferne verstummt, kommen alle allmählich zur Besinnung. Der Logiker erklärt, dass ein vernünftiger Mensch der Angst nicht erliegen sollte. Der Ladenbesitzer tröstet die Hausfrau einschmeichelnd und lobt dabei seine Ware. Jean ist empört: Ein wildes Tier auf den Straßen der Stadt ist unbekannt! Nur Berenger ist träge und träge mit einem Kater, aber beim Anblick einer jungen blonden Daisy springt er auf und stößt sein Glas über Jeans Hose. Unterdessen versucht der Logiker dem Alten Meister die Natur des Syllogismus zu erklären: Alle Katzen sind sterblich, Sokrates ist sterblich, also ist Sokrates eine Katze. Der erschütterte alte Herr sagt, dass seine Katze Sokrates heißt. Jean versucht Beranger die Essenz der richtigen Lebensweise zu erklären: Sie müssen sich mit Geduld und Intelligenz bewaffnen und natürlich vollständig auf Alkohol verzichten - außerdem müssen Sie sich jeden Tag rasieren, Ihre Schuhe gründlich reinigen und eintreten ein frisches Hemd und einen anständigen Anzug. Erschüttert sagt Beranger, dass er heute das Stadtmuseum besuchen und abends ins Theater gehen werde, um das Stück von Ionesco zu sehen, über das jetzt so viel geredet wird. Der Logiker billigt die ersten Erfolge des Alten Meisters auf dem Gebiet der geistigen Aktivität. Jean billigt Berangers gute Absichten im Bereich der kulturellen Freizeitgestaltung. Doch dann werden alle vier von einem fürchterlichen Grollen übertönt. Der Ausruf "Oh, Nashorn!" wird von allen Beteiligten der Szene wiederholt, und nur Beranger bricht den Schrei „Oh, Daisy!“ aus. Sofort ist ein herzzerreißendes Miauen zu hören und die Hausfrau erscheint mit einer toten Katze im Arm. Von allen Seiten ertönt der Ausruf „Oh, armes Fötzchen!“, und dann beginnt ein Streit darüber, wie viele Nashörner es denn gab. Jean gibt an, dass der erste asiatisch war – mit zwei Hörnern und der zweite afrikanisch – mit einem. Berenger, unerwartet für sich selbst, widerspricht seinem Freund: Der Staub stand in einer Säule, es war nichts zu sehen, und noch mehr, um die Hörner zu zählen. Unter dem Stöhnen der Hausfrau endet das Gefecht in einem Streit: Jean nennt Berenger einen Säufer und kündigt einen kompletten Bruch der Beziehungen an. Die Diskussion geht weiter: Der Ladenbesitzer behauptet, dass nur das afrikanische Nashorn zwei Hörner hat. Der Logiker beweist, dass dasselbe Wesen nicht an zwei verschiedenen Orten geboren werden kann. Frustriert schimpft Beranger mit sich selbst für seine Zügellosigkeit – es war nicht nötig, auf den Amoklauf zu steigen und Jean zu verärgern! Nachdem er aus Trauer eine doppelte Portion Cognac bestellt hat, gibt er feige seine Absicht auf, ins Museum zu gehen.

Legales Büro. Kollegen Beranger diskutieren energisch die neuesten Nachrichten. Daisy besteht darauf, dass sie das Nashorn mit eigenen Augen gesehen hat, und Dudar zeigt eine Notiz in der Unfallabteilung. Botar erklärt, dass all dies dumme Geschichten sind, und es steht einem ernsthaften Mädchen nicht zu, sie zu wiederholen - als Mann fortschrittlicher Überzeugungen traut er korrupten Zeitungsschreibern nicht, die über eine zerquetschte Katze schreiben, anstatt Rassismus und Ignoranz aufzudecken. Beranger erscheint, der wie üblich zu spät zur Arbeit kam. Der Leiter des Büros, Papillon, fordert alle auf, zur Sache zu kommen, aber Botar kann sich keinesfalls beruhigen: Er wirft Dudar böswillige Propaganda vor, die darauf abzielt, eine Massenpsychose anzustacheln. Plötzlich bemerkt Papillon die Abwesenheit einer der Angestellten – Beth. Verängstigt rennt Madame Bef herein: Sie berichtet, dass ihr Mann krank ist und ein Nashorn sie aus dem Haus jagt. Unter dem Gewicht des Tieres bricht die Holztreppe zusammen. Oben drängen sich alle, alle schauen auf das Nashorn. Bothard erklärt, dies sei eine schmutzige Machenschaft der Behörden, und Madame Boeuf schreit plötzlich auf - sie erkennt ihren Ehemann in einem dickhäutigen Tier. Er antwortet ihr mit einem frenetisch sanften Brüllen. Madame Beth springt auf seinen Rücken und das Nashorn galoppiert nach Hause. Daisy ruft die Feuerwehr, um das Büro zu evakuieren. Es stellt sich heraus, dass Feuerwehrleute heute sehr gefragt sind: Es gibt bereits siebzehn Nashörner in der Stadt und Gerüchten zufolge sogar zweiunddreißig. Botar droht, die für diese Provokation verantwortlichen Verräter zu entlarven. Ein Feuerwehrauto kommt an: Mitarbeiter steigen die Rettungsleiter hinunter. Dudar lädt Berenger ein, ein Glas zu trinken, aber er lehnt ab: Er möchte Jean besuchen und möglichst Frieden mit ihm schließen.

Jeans Wohnung: Er liegt auf dem Bett und reagiert nicht auf Berangers Klopfen. Die alte Nachbarin erklärt, dass Jean gestern sehr verstimmt war. Schließlich lässt Jean Berenger herein, geht aber sofort wieder ins Bett. Béranger entschuldigt sich stammelnd für gestern. Jean ist offensichtlich krank: Er spricht mit heiserer Stimme, atmet schwer und hört Beranger mit zunehmender Gereiztheit zu. Die Nachricht von Beths Verwandlung in ein Nashorn macht ihn völlig wütend – er beginnt herumzurennen und versteckt sich von Zeit zu Zeit im Badezimmer. Aus seinen zunehmend undeutlichen Schreien kann man verstehen, dass die Natur über der Moral steht – die Menschen müssen zu primitiver Reinheit zurückkehren. Beranger bemerkt mit Schrecken, wie sein Freund allmählich grün wird und auf seiner Stirn eine Beule wächst, die einem Horn ähnelt. Wieder einmal, als sie ins Badezimmer rennt, beginnt Jean zu brüllen – es besteht kein Zweifel, es ist ein Nashorn! Mit Mühe, das wütende Tier mit einem Schlüssel zu verschließen, ruft Berenger einen Nachbarn um Hilfe, aber statt des alten Mannes sieht er ein anderes Nashorn. Und vor dem Fenster zerstört eine ganze Herde die Boulevardbänke. Die Badezimmertür knarrt und Berenger erhebt sich mit einem verzweifelten Schrei von "Rhinoceros!"

Berangers Wohnung: Er liegt mit gefesseltem Kopf auf dem Bett. Von der Straße kommt das Klappern und Dröhnen. Es klopft an der Tür – Dudar ist gekommen, um einen Kollegen zu besuchen. Sympathische Fragen zur Gesundheit machen Beranger Angst - er stellt sich ständig vor, dass eine Beule auf seinem Kopf wächst und seine Stimme heiser wird. Dudar versucht ihn zu beruhigen: Tatsächlich ist es nichts Schreckliches, sich in ein Nashorn zu verwandeln - tatsächlich sind sie überhaupt nicht böse und sie haben eine Art natürliche Unschuld. Viele anständige Menschen stimmten völlig desinteressiert zu, Nashörner zu werden - zum Beispiel Papillon. Botar verurteilte ihn zwar wegen Apostasie, aber dies wurde mehr vom Hass auf seine Vorgesetzten als von wahren Überzeugungen diktiert. Berenger freut sich, dass es immer noch unflexible Menschen gibt - wenn nur eine Logik gefunden werden könnte, die in der Lage wäre, die Natur dieses Wahnsinns zu erklären! Es stellt sich heraus, dass sich der Logic bereits in eine Bestie verwandelt hat – er ist an seiner von einem Horn durchbohrten Bootsfahrermütze zu erkennen. Berenger ist niedergeschlagen: Erstens ist Jean so eine kluge Person, ein Verfechter des Humanismus und eines gesunden Lebensstils, und jetzt Logic! Daisy erscheint mit der Nachricht, dass Botar ein Nashorn geworden ist – er wollte angeblich mit der Zeit gehen. Berenger erklärt, dass es notwendig ist, Brutalität zu bekämpfen – zum Beispiel Nashörner in spezielle Gehege zu stecken. Dudar und Daisy sind sich einig: Der Tierschutzbund wird dagegen sein, und außerdem hat jeder unter den Nashörnern Freunde und nahe Verwandte. Dudar, offensichtlich verzweifelt über Daisys Vorliebe für Béranger, trifft die plötzliche Entscheidung, ein Nashorn zu werden. Berenger versucht vergeblich, ihn davon abzubringen: Dudar geht, und Daisy, die aus dem Fenster schaut, sagt, dass er sich bereits der Herde angeschlossen hat. Béranger erkennt, dass Daisys Liebe Dudar hätte retten können. Jetzt sind sie nur noch zu zweit und müssen aufeinander aufpassen. Daisy ist erschrocken: Aus dem Hörer ertönt ein Gebrüll, über das Radio wird ein Gebrüll übertragen, die Böden erzittern vom Geklapper der Nashornbewohner. Allmählich wird das Gebrüll melodischer und Daisy erklärt plötzlich, dass die Nashörner großartig sind – sie sind so fröhlich, energisch, es ist schön, sie anzusehen! Béranger, der sich nicht zurückhalten kann, gibt ihr eine Ohrfeige, und Daisy geht zu den schönen musikalischen Nashörnern. Beranger betrachtet sich entsetzt im Spiegel – wie hässlich das menschliche Gesicht ist! Wenn er doch nur ein Horn wachsen lassen, eine wundervolle dunkelgrüne Haut bekommen und brüllen lernen könnte! Aber der letzte Mann kann sich nur verteidigen, und Beranger sieht sich auf der Suche nach einer Waffe um. Er gibt nicht auf.

ne) (1909–1994), französischer Dramatiker, einer der Begründer der ästhetischen Bewegung des Absurden (Theater des Absurden). Mitglied der Französischen Akademie (1970).

Seine Persönlichkeitsbildung erfolgte im Zeichen zweier Kulturen – der französischen und der rumänischen. Besonders interessant war die Beziehung zur Sprache. Als Jugendlicher zum Rumänischen gewechselt (er schrieb seine ersten Gedichte auf Rumänisch), begann er das Französische zu vergessen – nämlich literarisch, nicht umgangssprachlich; gelernt, darauf zu schreiben. Später, in Paris, musste Französisch auf dem Niveau der Fachliteratur neu gelernt werden. Später stellte J.-P. Sartre fest, dass es diese Erfahrung war, die es Ionesco ermöglichte, die französische Sprache wie aus der Ferne zu betrachten, was ihm die Gelegenheit zu den gewagtesten lexikalischen Experimenten gab.

Er studierte an der Universität Bukarest, studierte französische Literatur und Sprache. Ionesco erinnerte daran, dass das Wichtigste während seiner Zeit in Bukarest das Gefühl des Konflikts mit der Umwelt war, die Erkenntnis, dass er fehl am Platz war. In den frühen 1930er-Jahren blühte Nazi-Ideen auch unter der rumänischen Intelligenz auf – damals war es laut Ionesco in Mode, zur Rechten zu gehören. Interner Protest gegen die "modische" Ideologie bildete seine Prinzipien der Weltanschauung. Er betrachtete seinen Widerstand gegen den Faschismus nicht als ein politisches oder soziales Problem, sondern als ein existenzielles Problem, das Problem des Verhältnisses von menschlicher Individualität und Massenideologie. Der Faschismus als politische Bewegung spielte dabei nur eine besondere Rolle als „Auslöser“, als Ausgangspunkt: Ionesco hasste jeden massiven ideologischen Druck, das Diktat des Kollektivismus, den Wunsch, die Emotionen und Handlungen einer Person zu kontrollieren.

Seinen Hass auf totalitäre Regime trug Ionesco sein ganzes Leben lang – spontane jugendliche Empfindungen wurden reflektiert und zu bewussten Prinzipien entwickelt. 1959 bildete dieses Problem die Grundlage des Stücks Nashörner die den Prozess der kollektiven Mutation, der Wiedergeburt unter dem Einfluss der auferlegten Ideologie betrachtet. Dies ist sein einziges Stück, das sich für eine gesellschaftspolitische Interpretation anbietet, wenn die Invasion von Nashörnern während der Produktion von dem einen oder anderen Regisseur als Metapher für den Beginn des Faschismus angesehen wird. Ionesco war immer etwas entmutigt und genervt von diesem Umstand.

Der Rest seiner Stücke ließ eine solche spezifische Interpretation nicht zu. Ob die Regisseure und das Publikum sie verstanden oder nicht verstanden haben – und die Kontroverse in den 1950er Jahren um den ästhetischen Trend des Absurden ernsthaft entfaltet und mehrere Jahrzehnte fortgesetzt hat –, es kann kaum bezweifelt werden, dass Ionescos Stücke in ihrer reinen Form gewidmet sind das Leben des menschlichen Geistes. Diese Probleme wurden vom Autor mit ungewöhnlichen, neuen Mitteln betrachtet und analysiert - durch die Auflösung der logischen Bedeutungsstruktur und der Form aller konstituierenden Elemente des Stücks: Handlung, Handlung, Sprache, Komposition, Charaktere. Ionesco selbst gab der Kontroverse zusätzliche Hitze. Er gab bereitwillig Interviews, stritt sich mit Regisseuren, sprach viel und widersprüchlich über sein ästhetisches und theatralisches Konzept. Ionesco war also gegen den Begriff „Absurdismus“ und argumentierte, dass seine Stücke realistisch seien – genauso wie die gesamte reale Welt und die sie umgebende Realität absurd seien. Hier kann man dem Autor zustimmen, wenn man bedenkt, dass es hier nicht um alltägliche, soziale und politische Realitäten geht, sondern um die philosophischen Probleme des Seins.

1938 verteidigte er seine Doktorarbeit in Philosophie an der Sorbonne. Über die Motive von Angst und Tod in der französischen Dichtung nach Baudelaire.

Die erste Premiere von Ionesco - ein Theaterstück Bald Sänger- fand am 11. Mai 1950 im Pariser Nachteulentheater (Regie: N. Bataille) statt. Es ist – im Rahmen der Ästhetik des Absurden – von großer Bedeutung, dass die glatzköpfige Sängerin selbst nicht nur nicht auf der Bühne erscheint, sondern in der Urfassung des Stückes auch nicht erwähnt wurde. Einer Theaterlegende zufolge kam Ionesco auf den Namen des Stücks bei der ersten Probe, aufgrund einer Reservierung des Schauspielers, der die Rolle eines Feuerwehrmanns einstudierte (statt der Worte "zu heller Sänger" sagte er "zu kahler Sänger") ). Ionesco hat diesen Vorbehalt nicht nur im Text behoben, sondern auch die ursprüngliche Version des Titels des Stücks ersetzt ( Engländer untätig). Dann folgte Lektion(1951), Stühle(1952), Opfer von Schulden(1953) und andere.

Er ist vor allem für seine dramatische Tetralogie „United“ bekannt gemeinsamer Held Dramatiker Beranger, der die autobiografische existentielle Suche des Autors widerspiegelt: Selbstloser Mörder,Nashörner,Luft Fußgänger,Der König liegt im Sterben(1959-1962).

In den 1960er und 1970er Jahren verstärkte sich der apokalyptische Klang in Ionescos Stücken, der direkt mit der Dominanz der totalitären Ideologie verbunden war: Delirium zusammen (1962),Durst und Hunger(1964 - hier kommt die existentielle Trauer des Autors um das verlorene Paradies besonders deutlich zum Ausdruck), Macbeth(1972), Dieses erstaunliche Bordell(1973), Mann mit Koffern(1975).

1970 wurde Ionesco zum Mitglied der Französischen Akademie der Wissenschaften gewählt.

Andere Werke umfassen Sammlungen von Kurzgeschichten Colonels Foto(1962), Essays und Memoiren Tagebuchkrümel (1967), Vergangenheit Gegenwart, Gegenwart Vergangenheit (1968), Entdeckungen (1969), Zwischen Leben und Schlaf (1977), Gegenmittel(1977), Für Kultur gegen Politik (1979), Mann in Frage (1979), Weiß und Schwarz(1981); Roman Einsiedler(1974). Artikel über Kunst, Memoiren und Reflexionen über das Theater werden zu Sammlungen zusammengefasst Anmerkungen und Widerlegungen(1962) und Gepunktete Suchlinien(1987). Eine Art Zusammenfassung kreative Weise wurden zu Ionescos Memoiren, gekleidet in eine dramatische Form - Reisen zu den Toten(1980).

Tatjana Schabalina