Eugene Ionesco ist ein Nashorn. Biographie Eugene Ionesco Kurzbiographie

Ionesco wurde am 26. November 1909 in Slatina (Rumänien) geboren. Seine Eltern nahmen ihn als Kind mit nach Paris, und Französisch wurde seine Muttersprache. Als der Sohn bereits ein Teenager war, kehrte die Familie nach Rumänien zurück. Er trat in die Universität von Bukarest ein und bereitete sich darauf vor, Französischlehrer zu werden. Zu Beginn seiner literarischen Tätigkeit schrieb Ionesco Gedichte auf Französisch und Rumänisch und verfasste auch ein gewagtes Pamphlet mit dem Titel "Nein!" Das Pamphlet wurde im nihilistischen Geist der Dadaisten getragen und, die Einheit der Gegensätze demonstrierend, zuerst verurteilt und dann die drei rumänischen Schriftsteller gepriesen.

In der „Tragödie der Sprache“ „Der kahle Sänger“ (La cantatrice chauve, 1950), Ionescos erstem Stück, wird eine verrückt gewordene Welt „der Zusammenbruch der Wirklichkeit“ geschildert. Auf dieses Stück folgten Die Lektion (La lecon, 1951), Stühle (Les chaises, 1952), Der neue Mieter (Le nouveau locataire, 1953), Die Zukunft in Eiern (L'Avenir est dans les oeufs, 1957), " The Desinterested Killer“ (Tueur sans gages, 1959), „Rhinoceros“ (Rhinoceros, 1959), „Air Pedestrian“ (Le pieton de l’air, 1962), „The King Dies“ (Le roi se meurt, 1962), „Durst und Hunger“ (La soif et la faim, 1964), „Macbett“ (Macbett, 1973), „Mann mit Koffern“ (1975) und „Reise unter die Toten“ (Le voyage chez les morts, 1980). Ionesco schrieb auch den Roman „Der Einsame“ (La solitaire, 1974) und mehrere Kinderbuchreihen.

Schaffung

Credo

Die Situationen, Charaktere und Dialoge seiner Stücke folgen eher den Bildern und Assoziationen eines Traums als der alltäglichen Realität. Die Sprache wird mit Hilfe von amüsanten Paradoxien, Klischees, Sprüchen und anderen Wortspielen von den üblichen Bedeutungen und Assoziationen befreit. Ionescos Stücke stammen aus Straßentheater, Commedia dell’arte, Zirkusclowning, Filmen von Ch. Chaplin, B. Keaton, den Marx Brothers, antiker Komödie und mittelalterlicher Farce – die Ursprünge seiner Dramaturgie finden sich in vielen Genres, und nicht nur Bühnen - sie liegen zum Beispiel in Limericks und "Shanding", in Brueghels "Sprichwörtern" und Hogarths paradoxen Bildern. Eine typische Technik ist ein Haufen von Gegenständen, die die Schauspieler zu verschlingen drohen; Dinge werden lebendig und Menschen verwandeln sich in „Ionesco Circus“ ist ein häufig verwendeter Begriff für sein frühes Drama.

Eugene Ionesco besteht darauf, dass er mit seiner Arbeit ein äußerst tragisches Weltbild zum Ausdruck bringt. Seine Stücke warnen vor den Gefahren einer Gesellschaft, in der Individuen Gefahr laufen, zu Mitgliedern der Familie der Equiden zu werden (Rhino, 1965), einer Gesellschaft, in der anonyme Killer umherstreifen (The Desinterested Killer, 1960), in der jeder ständig von den Gefahren umgeben ist die reale und transzendente Welt ("Air Pedestrian", 1963). "Eschatologie" des Dramatikers - Besonderheit im Weltbild der „verängstigten Pfingstler“, Vertreter des intellektuellen, kreativen Teils der Gesellschaft, die sich endlich von den Strapazen und Umwälzungen des Weltkriegs erholen. Das Gefühl der Verwirrung, Uneinigkeit, die umgebende wohlgenährte Gleichgültigkeit und das Festhalten an den Dogmen der rationalen humanistischen Zweckmäßigkeit alarmierten, ließen die Notwendigkeit entstehen, den Laien aus diesem Zustand der unterwürfigen Gleichgültigkeit herauszuholen, der gezwungen ist, neue Probleme vorherzusagen. Eine solche Einstellung, sagt Schwob-Felich, entstehe in Übergangszeiten, "wenn das Lebensgefühl erschüttert wird". Der Ausdruck von Angst, der in den Stücken von E. Ionesco auftauchte, wurde als nichts anderes als eine Laune, ein Spiel der wahnhaften Fantasie und ein extravagantes, unverschämtes Puzzle des Originals wahrgenommen, das in eine reflexartige Panik verfiel. Die Werke von Ionesco wurden aus dem Repertoire gestrichen. Die ersten beiden Komödien – „The Bald Singer“ (1948, Anti-Play) und „The Lesson“ (1950) – wurden jedoch später wieder auf die Bühne gebracht, und seit 1957 laufen sie seit vielen Jahren allabendlich in einem von ihnen die kleinsten Säle in Paris - La Huchette. Im Laufe der Zeit fand dieses Genre Verständnis, und zwar nicht nur trotz seiner Ungewöhnlichkeit, sondern auch durch die überzeugende Integrität der Bühnenmetapher.

E. Ionesco verkündet: „Der Realismus, sozialistisch oder nicht, bleibt außerhalb der Realität. Es verengt, verfärbt, verzerrt... Zeigt eine Person in reduzierter und verfremdeter Perspektive. Die Wahrheit liegt in unseren Träumen, in der Vorstellung … Das wahre Wesen liegt nur im Mythos …“.

Er schlägt vor, sich den Ursprüngen der Theaterkunst zuzuwenden. Am annehmbarsten sind ihm die Leistungen der Alten Puppentheater, die unglaubwürdige, grob karikierte Bilder schafft, um die Groteske, Groteske der Realität selbst zu betonen. Gerade im übertriebenen Einsatz der Mittel der primitiven Groteske sieht der Dramatiker den einzig möglichen Weg für die Entwicklung des neuesten Theaters als spezifisches Genre, das sich von der Literatur unterscheidet. darin, die Techniken der bedingt theatralischen Übertreibung zu extremen, "grausamen", "unerträglichen" Formen zu bringen, im "Anfall" des Komischen und Tragischen. Sein Ziel ist es, ein „wildes, hemmungsloses“ Theater zu schaffen – „Schreitheater“, wie ihn manche Kritiker charakterisieren. Gleichzeitig ist anzumerken, dass sich E. Ionesco sofort als Schriftsteller und Kenner der Szene von herausragendem Talent zeigte. Er ist mit einem unbestrittenen Talent ausgestattet, jede theatralische Situation „sichtbar“, „greifbar“ zu machen, mit einer außergewöhnlichen Vorstellungskraft, manchmal düster, manchmal in der Lage, mit Humor homerisches Lachen hervorzurufen.

Der Vertreter des Theaters des Paradoxons, Eugene Ionesco, zerstört wie Beckett nicht die Sprache - ihr Experiment reduziert sich auf Wortspiele, sie gefährden nicht die eigentliche Struktur der Sprache. Das Spiel mit Wörtern („verbale Balance“) ist nicht das einzige Ziel. Die Sprache in ihren Stücken ist verständlich, "organisch moduliert", aber das Denken der Charaktere erscheint inkonsistent (diskret). Die Logik der alltäglichen Vernunft wird mit kompositorischen Mitteln parodiert. In diesen Stücken gibt es viele Anspielungen, Assoziationen, die Interpretationsspielraum geben. Das Stück strahlt eine multidimensionale Wahrnehmung der Situation aus, lässt ihre subjektive Interpretation zu. Einige Kritiker kommen zu ungefähr solchen Schlussfolgerungen, aber es gibt fast polare, die mit ziemlich überzeugenden Argumenten argumentiert werden, auf jeden Fall widerspricht das oben Gesagte eindeutig dem, was im ersten Stück beobachtet wurde. Ionesco gibt ihr nicht zufällig den Untertitel „Tragödie der Sprache“, der hier offensichtlich den Versuch anklingen lässt, alle ihre Normen zu zerstören: Abstruse Phrasen über Hunde, Flöhe, Eier, Wachs und Brillen in der Schlussszene werden unterbrochen durch das Murmeln einzelner Wörter, Buchstaben und sinnloser Lautkombinationen. „A, e und, o, y, a, e, und, o, a, e, und, y“, schreit ein Held; "B, s, d, f, f, l, m, n, p, r, s, t ..." - die Heldin wiederholt ihn. Diese destruktive Funktion des Spektakels gegenüber der Sprache sieht auch J.-P. Sartre (siehe unten). Aber Ionesco selbst ist weit davon entfernt, solche engen, speziellen Probleme zu lösen - es ist eher einer der Tricks, eine „startende“ Ausnahme von der Regel, als ob er den „Rand“, die Grenze des Experiments demonstrieren und das Prinzip bestätigen würde, das dazu bestimmt ist, einen Beitrag zu leisten zum „Abbau“ des konservativen Theaters. Der Dramatiker strebt nach seinen Worten „abstraktes Theater, reines Drama. Anti-thematisch, anti-ideologisch, anti-sozialistisch-realistisch, anti-bürgerlich… Finden Sie ein neues freies Theater. Das heißt, ein Theater, das von vorgefassten Gedanken befreit ist, das einzige, das in der Lage ist, aufrichtig zu sein, ein Instrument der Forschung zu werden und die verborgene Bedeutung von Phänomenen zu entdecken.

Frühe Stücke

Die Helden von Der kahle Sänger (1948, uraufgeführt vom Theater Noktambuhl - 1950) sind vorbildliche Konformisten. Ihr von Stereotypen bedingtes Bewusstsein ahmt die Spontaneität von Urteilen nach, manchmal ist es wissenschaftlich, aber innerlich ist es desorientiert, sie sind der Kommunikation beraubt. Dogmatismus, die Standardphraseologie ihrer Dialoge, ist bedeutungslos. Ihre Argumente unterliegen nur formal der Logik, eine Wortfolge lässt ihre Rede wie ein langweiliges monotones Pauken von Fremdsprachenlernenden erscheinen. Ionesco wurde seiner Meinung nach durch das Studium der englischen Sprache veranlasst, das Stück zu schreiben. „Ich habe die Sätze aus meinem Handbuch gewissenhaft umgeschrieben. Als ich sie sorgfältig noch einmal las, lernte ich kein Englisch, aber erstaunliche Wahrheiten: dass es zum Beispiel sieben Tage in einer Woche gibt. Das war mir vorher bekannt. Oder: „Der Boden ist unten, die Decke ist oben“, was ich auch wusste, aber wahrscheinlich nie ernsthaft darüber nachgedacht oder vielleicht vergessen habe, aber es schien mir genauso unbestreitbar wie der Rest und genauso wahr ... " . Diese Menschen sind Manipulationsmaterial, sie sind bereit für die Resonanz einer aggressiven Masse, einer Herde. Die Smiths und die Martins sind die Nashörner in Ionescos weiteren dramatischen Experimenten.

E. Ionesco selbst rebelliert jedoch gegen "gelehrte Kritiker", die "The Bald Singer" für eine gewöhnliche "antibürgerliche Satire" halten. Seine Idee ist "universeller". „Kleinbürger“ sind in seinen Augen all jene, die sich „im gesellschaftlichen Umfeld auflösen“, „sich den Mechanismen des Alltags unterwerfen“, „mit vorgefertigten Ideen leben“. Die Helden des Stücks sind die konformistische Menschheit, egal welcher Klasse und Gesellschaft sie angehören.

E. Ionescos Logik des Paradoxons wird in die Logik der Absurdität transformiert. Zunächst als unterhaltsames Spiel empfunden, könnte es dem harmlosen Spiel von M. Cervantes „Two Talkers“ ähneln, wenn die Handlung bei aller Entwicklung den Zuschauer nicht kompromisslos in den deformierten Raum von Ultima Thule, einem gebrochenen Kategoriensystem, verwickeln würde und ein Strom widersprüchlicher Urteile, ein Leben, das völlig frei von einem spirituellen Vektor ist. Demjenigen, an den sich die sich entfaltende Phantasmagorie richtet, bleibt nur, von Ironie bewacht, die Marksteine des „gewohnheitsmäßigen Selbstbewusstseins“ in Reserve zu halten.

In Victims of Duty (1952) sind die Charaktere, die alle Befehle der Machthaber, des Strafverfolgungssystems, demütig ausführen, loyale, respektable Bürger. Nach dem Willen des Autors durchlaufen sie Metamorphosen, ihre Masken wechseln; Einer der Helden ist zu einer endlosen Suche durch seinen Verwandten, Polizisten und seine Frau verurteilt, die ihn zu einem „Opfer der Pflicht“ machen - der Suche nach der richtigen Schreibweise des Namens einer imaginären gesuchten Person ... Erfüllung jeder Pflicht gegenüber irgendjemandem Eine Art „Gesetz“ des sozialen Lebens demütigt einen Menschen, kasteit sein Gehirn, primitiviert seine Gefühle, verwandelt ein denkendes Wesen in einen Automaten, in einen Roboter, in ein Halbtier.

Eugene Ionesco erreicht die maximale Wirkung des Einflusses, "greift" die übliche Denklogik an und führt den Betrachter durch das Ausbleiben der erwarteten Entwicklung in einen Zustand der Ekstase. Hier verlangt er, wie nach den Regeln des Straßentheaters, nicht nur von den Schauspielern Improvisation, sondern lässt den Zuschauer auch fassungslos nach der Entwicklung des Geschehens auf und neben der Bühne Ausschau halten. Probleme, die einst als ein weiteres nicht-figuratives Experiment wahrgenommen wurden, beginnen, die Qualitäten der Relevanz zu erlangen.

Der Begriff „Schuldenopfer“ ist kein Zufall. Dieses Stück ist das Manifest eines Schriftstellers. Es umfasst sowohl das Früh- als auch das Spätwerk von E. Ionesco und wird durch den gesamten Verlauf des theoretischen Denkens des Dramatikers in den 50er und 60er Jahren bestätigt.

Reproduzierbare Charaktere, ausgestattet mit allen „realistischen“ Qualitäten, werden bewusst durch das Fehlen jeglicher empirischer Verlässlichkeit karikiert. Schauspieler verändern ständig ihre Charaktere, ändern unvorhersehbar ihre Art und Dynamik der Darbietung und wechseln augenblicklich von einem Zustand in einen anderen. Semiramis in dem Stück "Chairs" (1951) spielt entweder die Frau des alten Mannes oder seine Mutter. „Ich bin deine Frau, also ist deine Mutter jetzt deine Mutter“, sagt sie zu ihrem Mann, und der alte Mann („Mann, Soldat, Marschall dieses Hauses“) klettert wimmernd auf ihren Schoß: „Ich bin eine Waise, ein Waise ...". „Mein Baby, mein Waisenkind, Waisenkind, Waisenkind“, antwortet Semiramida und streichelt ihn. Im Theaterprogramm zu „Chairs“ formulierte der Autor die Idee des Stücks so: „Die Welt erscheint mir manchmal sinnlos, Realität – unwirklich. Es war dieses Gefühl der Unwirklichkeit… das ich mit Hilfe meiner Figuren vermitteln wollte, die im Chaos umherirren, nichts als Angst, Reue… und das Bewusstsein der absoluten Leere ihres Lebens haben….“

Solche „Verwandlungen“ sind charakteristisch für die Dramaturgie von E. Ionesco. Jetzt wird Madeleine, die Heldin von The Victim of Duty, als ältere Frau wahrgenommen, die mit einem Kind die Straße entlang geht, dann beteiligt sie sich an der Suche nach Mallo in den Labyrinthen des Bewusstseins ihres Mannes Schubert, präsentiert ihn als Führer und Gleichzeitig studierte er ihn als Zuschauer von außen, vollgestopft mit Rezensionen von Pariser Theaterkritikern, die Ionesco geißelten.

Der Polizist, der zu Schuber kam, lässt ihn nach Malo suchen, da Schuber deutlich machte, dass er genau diesen (oder anderen) Malo kannte. Derselbe Polizist wird mit dem Vater von Schuber in Verbindung gebracht, der das Gewissen verkörpert. Der Held „erhebt“ sich in seinen Erinnerungen, klettert auf eine Stuhlpyramide auf dem Tisch, fällt; in der Pantomime steigt er in die Tiefen seiner Erinnerung hinab, und um die Löcher darin zu „schließen“, kaut er unzählige Brotscheiben ...

Es gibt verschiedene Interpretationen dieser ausgefallenen Clownerie. Serge Dubrowski und nach ihm Esslin sehen das Stück als eine Mischformel aus Freudianismus und Existentialismus und Schuberts Geschichte als eine abstrahierte „universelle“ These: Der Mensch ist nichts; ewig auf der Suche nach sich selbst, endlosen Transformationen unterzogen, erreicht er nie die wahre reale Existenz. Andere sehen in Victims of Duty eine bösartige Parodie auf realistisches und psychologisches Theater. Wieder andere empfehlen, Ionescos Gedanken überhaupt nicht ernst zu nehmen, da er hier sowohl Freud als auch Sartre und sich selbst parodieren könnte.

In einem der Briefe von 1957 erzählt der Dramatiker von seinem Weg zum Ruhm: „Sieben Jahre sind vergangen, seit mein erstes Stück in Paris aufgeführt wurde. Es war ein bescheidener Erfolg, ein mittelmäßiger Skandal. Mein zweites Stück hatte einen etwas größeren Misserfolg, einen etwas größeren Skandal. Erst 1952, im Zusammenhang mit den „Chairs“, begannen die Ereignisse eine breitere Wendung zu nehmen. Jeden Abend waren acht Leute im Theater, die mit dem Stück sehr unzufrieden waren, aber der Lärm, den es verursachte, wurde von einer wesentlich größeren Anzahl von Menschen in Paris gehört, in ganz Frankreich, es reichte bis an die deutsche Grenze. Und nach dem Erscheinen meines dritten, vierten, fünften ... achten Stücks verbreitete sich das Gerücht über ihr Scheitern mit Riesenschritten. Die Empörung überquerte den Ärmelkanal ... Sie überquerte Spanien, Italien, breitete sich nach Deutschland aus, zog auf Schiffen nach England ... Ich denke, wenn sich das Scheitern auf diese Weise ausbreitet, wird es zu einem Triumph.

Oft sind die Helden von Eugene Ionesco Opfer verallgemeinerter, illusorischer Ideen, Gefangene eines bescheidenen, gesetzestreuen Dienstes an der Pflicht, einer bürokratischen Maschine, Ausführenden konformer Funktionen. Ihr Bewusstsein ist verstümmelt durch Bildung, pädagogisches Standarddenken, Kommerz und scheinheilige Moral. Sie isolieren sich mit dem illusorischen Wohlbefinden des Konsumstandards von der Realität.

Eugene Ionesco (* 26. November 1909 in Slatina, Rumänien – † 28. März 1994 in Paris), französischer Dramatiker, einer der Begründer der ästhetischen Bewegung des Absurden (Theater des Absurden). Mitglied der Französischen Akademie (1970).

Ionesco stammt ursprünglich aus Rumänien. Geboren am 26. November 1909 in der rumänischen Stadt Slatine. Seine Eltern nahmen ihn früh mit nach Frankreich, bis er 11 Jahre alt war, lebte er im französischen Dorf La Chapelle-Anthenaise, dann in Paris. Später sagte er, dass sich Kindheitseindrücke des Dorflebens in seiner Arbeit weitgehend widerspiegelten – wie Erinnerungen an ein verlorenes Paradies. Mit 13 Jahren kehrte er nach Rumänien, nach Bukarest, zurück und lebte dort bis zu seinem 26. Lebensjahr. 1938 kehrte er nach Paris zurück, wo er den Rest seines Lebens verbrachte.

Menschen, die die Fähigkeit zur Kontemplation verloren haben, die nicht überrascht sind, dass sie existieren, leben, sind spirituelle Krüppel.

Ionesco Eugen

Seine Persönlichkeitsbildung erfolgte im Zeichen zweier Kulturen – der französischen und der rumänischen. Besonders interessant war die Beziehung zur Sprache. Umstellung auf Rumänisch in Jugend(er schrieb seine ersten Gedichte auf Rumänisch), er begann das Französische zu vergessen – nämlich das literarische und nicht das umgangssprachliche; gelernt, darauf zu schreiben. Später in Paris musste Französisch auf der Ebene der Fachliteratur neu gelernt werden. Später stellte J.-P. Sartre fest, dass es diese Erfahrung war, die es Ionesco ermöglichte, die französische Sprache wie aus der Ferne zu betrachten, was ihm die Gelegenheit zu den gewagtesten lexikalischen Experimenten gab.

Er studierte an der Universität Bukarest, studierte französische Literatur und Sprache. Ionesco erinnerte daran, dass das Wichtigste während seiner Zeit in Bukarest das Gefühl des Konflikts mit der Umwelt war, die Erkenntnis, dass er fehl am Platz war. In den frühen 1930er-Jahren blühte Nazi-Ideen auch unter der rumänischen Intelligenz auf – damals war es laut Ionesco in Mode, zur Rechten zu gehören. Interner Protest gegen die "modische" Ideologie bildete seine Prinzipien der Weltanschauung. Er betrachtete seinen Widerstand gegen den Faschismus nicht als ein politisches oder soziales Problem, sondern als ein existenzielles Problem, das Problem des Verhältnisses von menschlicher Individualität und Massenideologie. Der Faschismus als politische Bewegung spielte dabei nur eine eigentümliche Rolle als „Auslöser“, als Ausgangspunkt: Ionesco hasste jeden massiven ideologischen Druck, das Diktat des Kollektivismus, den Wunsch, die Emotionen und Handlungen eines Menschen zu kontrollieren.

Seinen Hass auf totalitäre Regime trug Ionesco sein ganzes Leben lang – spontane jugendliche Empfindungen wurden reflektiert und zu bewussten Prinzipien entwickelt. Dieses Problem bildete 1959 die Grundlage für das Theaterstück The Rhinoceros, das den Prozess der kollektiven Mutation, der Wiedergeburt unter dem Einfluss einer auferlegten Ideologie untersucht. Dies ist sein einziges Stück, das sich für eine gesellschaftspolitische Interpretation anbietet, wenn die Invasion von Nashörnern während der Produktion von dem einen oder anderen Regisseur als Metapher für den Beginn des Faschismus angesehen wird. Ionesco war immer etwas entmutigt und genervt von diesem Umstand.

Der Rest seiner Stücke ließ eine solche spezifische Interpretation nicht zu. Ob sie von den Regisseuren und dem Publikum verstanden wurden oder nicht – und die Kontroverse in den 1950er Jahren um den ästhetischen Trend des Absurden entfaltete sich ernsthaft und hielt mehrere Jahrzehnte an – es kann kaum bezweifelt werden, dass Ionescos Stücke in ihrer reinen Form dem gewidmet sind Leben des menschlichen Geistes. Diese Probleme wurden vom Autor mit ungewöhnlichen, neuen Mitteln betrachtet und analysiert - durch den Zusammenbruch der logischen Struktur der Bedeutung und Form aller Bestandteile des Stücks: Handlung, Handlung, Sprache, Komposition, Charaktere. Ionesco selbst gab der Kontroverse zusätzliche Hitze. Er gab bereitwillig Interviews, stritt sich mit Regisseuren, sprach viel und widersprüchlich über sein ästhetisches und theatralisches Konzept. Ionesco war also gegen den Begriff „Absurdismus“ und argumentierte, dass seine Stücke realistisch seien – genauso wie die gesamte reale Welt und die sie umgebende Realität absurd seien. Hier kann man dem Autor zustimmen, wenn man bedenkt, dass es hier nicht um alltägliche, soziale und politische Realitäten geht, sondern um die philosophischen Probleme des Seins.

1938 verteidigte er seine Doktorarbeit in Philosophie an der Sorbonne Über die Motive von Angst und Tod in der französischen Dichtung nach Baudelaire.

Die erste Uraufführung von Ionesco – dem Theaterstück The Bald Singer – fand am 11. Mai 1950 im Night Owl Theatre in Paris (Regie: N. Bataille) statt. Es ist – im Rahmen der Ästhetik des Absurden – von großer Bedeutung, dass die glatzköpfige Sängerin selbst nicht nur nicht auf der Bühne erscheint, sondern in der Urfassung des Stückes auch nicht erwähnt wurde. Der Theaterlegende zufolge kam Ionesco auf den Namen des Stücks bei der ersten Probe, aufgrund einer Reservierung des Schauspielers, der die Rolle eines Feuerwehrmanns einstudierte (statt der Worte "zu heller Sänger" sagte er "zu kahler Sänger") ). Ionesco hat diesen Vorbehalt nicht nur im Text behoben, sondern auch die ursprüngliche Version des Titels des Stücks (Englishman with nothing to do) ersetzt. Es folgten The Lesson (1951), Chairs (1952), Victims of Duty (1953) und andere.

, Frankreich

Biografie

La Huchette-Theater

Eugene Ionesco besteht darauf, dass er mit seiner Arbeit ein äußerst tragisches Weltbild zum Ausdruck bringt. Seine Stücke warnen vor den Gefahren einer Gesellschaft, in der Einzelpersonen riskieren, Mitglieder der Familie der Equiden zu werden (Rhinoceros, 1965), einer Gesellschaft, in der anonyme Killer umherstreifen (The Desinterested Killer, 1960), in der jeder ständig von den Gefahren der Tiere umgeben ist reale und transzendente Welt ("Air Pedestrian", 1963). Die „Eschatologie“ des Dramatikers ist ein charakteristisches Merkmal im Weltbild der „verängstigten Pfingstler“, Vertreter des intellektuellen, kreativen Teils der Gesellschaft, die sich endlich von den Strapazen und Umwälzungen des Weltkriegs erholt hat. Das Gefühl der Verwirrung, Uneinigkeit, die umgebende wohlgenährte Gleichgültigkeit und das Festhalten an den Dogmen der rationalen humanistischen Zweckmäßigkeit alarmierten, ließen die Notwendigkeit entstehen, den Laien aus diesem Zustand der unterwürfigen Gleichgültigkeit herauszuholen, der gezwungen ist, neue Probleme vorherzusagen. Eine solche Einstellung, sagt Schwob-Felich, entstehe in Übergangszeiten, "wenn das Lebensgefühl erschüttert wird". Der Ausdruck von Angst, der in den Stücken von E. Ionesco auftauchte, wurde als nichts anderes als eine Laune, ein Spiel der wahnhaften Fantasie und ein extravagantes, unverschämtes Puzzle des Originals wahrgenommen, das in eine reflexartige Panik verfiel. Die Werke von Ionesco wurden aus dem Repertoire gestrichen. Die ersten beiden Komödien – „The Bald Singer“ (1948, Anti-Play) und „The Lesson“ (1950) – wurden jedoch später wieder auf die Bühne gebracht, und seit 1957 laufen sie seit vielen Jahren allabendlich in einem von ihnen die kleinsten Säle in Paris - La Huchette. Im Laufe der Zeit fand dieses Genre Verständnis, und zwar nicht nur trotz seiner Ungewöhnlichkeit, sondern auch durch die überzeugende Integrität der Bühnenmetapher.

Er schlägt vor, sich den Ursprüngen der Theaterkunst zuzuwenden. Am akzeptabelsten sind für ihn die Aufführungen des alten Puppentheaters, das unglaubwürdige, grob karikierte Bilder schafft, um die Grobheit, Groteske der Realität selbst zu betonen. Der Dramatiker sieht den einzig möglichen Weg für die Entwicklung des neuesten Theaters als spezifisches Genre, das sich von der Literatur unterscheidet, gerade in der hypertrophierten Verwendung der Mittel der primitiven Groteske, in der Extremierung der Methoden der bedingt theatralischen Übertreibung, "grausam". , "unerträgliche" Formen, im "Anfall" des Komischen und Tragischen. Sein Ziel ist es, ein „wildes, hemmungsloses“ Theater zu schaffen – „Schreitheater“, wie ihn manche Kritiker charakterisieren. Gleichzeitig ist anzumerken, dass sich E. Ionesco sofort als Schriftsteller und Kenner der Szene von herausragendem Talent zeigte. Er ist mit einem unbestrittenen Talent ausgestattet, jede theatralische Situation „sichtbar“, „greifbar“ zu machen, mit einer außergewöhnlichen Vorstellungskraft, manchmal düster, manchmal in der Lage, mit Humor homerisches Lachen hervorzurufen.

Bald Singer, Noctambule, 1950

Frühe Stücke

E. Ionescos Logik des Paradoxons wird in die Logik der Absurdität transformiert. Zunächst als unterhaltsames Spiel empfunden, könnte es dem harmlosen Spiel von M. Cervantes „Two Talkers“ ähneln, wenn die Handlung bei aller Entwicklung den Zuschauer nicht kompromisslos in den deformierten Raum von Ultima Thule, einem gebrochenen Kategoriensystem, verwickeln würde und ein Strom widersprüchlicher Urteile, ein Leben, das völlig frei von einem spirituellen Vektor ist. Für diejenigen, an die sich die sich entfaltende Phantasmagorie richtet, bleibt nur, von Ironie bewacht, die Marksteine des „gewohnheitsmäßigen Selbstbewusstseins“ in Reserve zu halten.

Der französische Kritiker Michel Corvin schreibt:

Ionesco schlägt und zerstört, um das zu messen, was leer klingt, um die Sprache zum Thema des Theaters zu machen, fast zu einer Figur, um sie zum Lachen zu bringen, um als Mechanismus zu agieren, das heißt, um den banalsten Beziehungen Wahnsinn einzuhauchen die Grundlagen der bürgerlichen Gesellschaft zerstören.

Reproduzierbare Charaktere, ausgestattet mit allen „realistischen“ Qualitäten, werden bewusst durch das Fehlen jeglicher empirischer Verlässlichkeit karikiert. Schauspieler verändern ständig ihre Charaktere, ändern unvorhersehbar ihre Art und Dynamik der Darbietung und wechseln augenblicklich von einem Zustand in einen anderen. Semiramis in dem Stück "Chairs" (1951) spielt entweder die Frau des alten Mannes oder seine Mutter. „Ich bin deine Frau, also ist deine Mutter jetzt deine Mutter“, sagt sie zu ihrem Mann, und der alte Mann („Mann, Soldat, Marschall dieses Hauses“) klettert wimmernd auf ihren Schoß: „Ich bin eine Waise, ein Waise ...". „Mein Baby, mein Waisenkind, Waisenkind, Waisenkind“, antwortet Semiramida und streichelt ihn. Im Theaterprogramm zu „Chairs“ formulierte der Autor die Idee des Stücks so: „Die Welt erscheint mir manchmal sinnlos, Realität – unwirklich. Es war dieses Gefühl der Unwirklichkeit … das wollte ich mit Hilfe meiner Figuren vermitteln, die im Chaos umherirren, nichts in ihrer Seele haben als Angst, Reue … und das Bewusstsein der absoluten Leere ihres Lebens …“ .

Jean-Paul Sartre charakterisiert das Werk von Eugene Ionesco wie folgt:

Ionesco wurde außerhalb Frankreichs geboren und betrachtet unsere Sprache wie aus der Ferne. Er entblößt in ihm Gemeinplätze, Routine. Wenn wir von The Bald Singer ausgehen, dann gibt es eine sehr scharfe Vorstellung von der Absurdität der Sprache, so sehr, dass Sie nicht mehr reden möchten. Seine Figuren sprechen nicht, sondern imitieren auf groteske Weise den Mechanismus des Jargons, Ionesco verwüstet "von innen" die französische Sprache und hinterlässt nur Ausrufe, Zwischenrufe, Flüche. Sein Theater ist ein Traum über Sprache.

In einem der Briefe von 1957 erzählt der Dramatiker von seinem Weg zum Ruhm: „Sieben Jahre sind vergangen, seit mein erstes Stück in Paris aufgeführt wurde. Es war ein bescheidener Erfolg, ein mittelmäßiger Skandal. Mein zweites Stück hatte einen etwas größeren Misserfolg, einen etwas größeren Skandal. Erst 1952, im Zusammenhang mit den „Chairs“, begannen die Ereignisse eine breitere Wendung zu nehmen. Jeden Abend waren acht Leute im Theater, die mit dem Stück sehr unzufrieden waren, aber der Lärm, den es verursachte, wurde von einer wesentlich größeren Anzahl von Menschen in Paris gehört, in ganz Frankreich, es reichte bis an die deutsche Grenze. Und nach dem Erscheinen meines dritten, vierten, fünften ... achten Stücks verbreitete sich das Gerücht über ihr Scheitern mit Riesenschritten. Die Empörung überquerte den Ärmelkanal ... Sie ging nach Spanien, Italien, breitete sich nach Deutschland aus, zog auf Schiffen nach England ... Ich denke, wenn sich das Scheitern auf diese Weise ausbreitet, wird es zu einem Triumph.

Können Literatur und Theater wirklich die unglaubliche Komplexität des wirklichen Lebens einfangen? Wir durchleben einen wilden Albtraum: Literatur war noch nie so kraftvoll, ergreifend und intensiv wie das Leben; und heute noch mehr. Um die Grausamkeit des Lebens zu vermitteln, muss Literatur tausendmal grausamer, schrecklicher sein.
Mehr als einmal in meinem Leben wurde ich von einer plötzlichen Veränderung getroffen … Sehr oft beginnen Menschen, sich zu einem neuen Glauben zu bekennen … Philosophen und Journalisten … beginnen, von einem „wirklich historischen Moment“ zu sprechen. Gleichzeitig sind Sie bei der allmählichen Mutation des Denkens dabei. Wenn die Leute deine Meinung nicht mehr teilen, wenn man ihnen nicht mehr zustimmen kann, scheint es, als würdest du dich zu Monstern wenden ...

Liste der Werke

Theaterstücke

Der kahle Sänger (La Cantatrice chauve), 1950
Les Grüße, 1950
"Lektion" (La Leçon), 1951
"Stühle" (Les Chaises), 1952
Le Maitre, 1953
Opfer des Todes, 1953
La Jeune Fille à marier, 1953
Amédee ou Comment s'en debarrasser, 1954
Jacques ou la Soumission, 1955
"Der neue Mieter" (Le Nouveau Locataire), 1955
Le Tableau, 1955
L'Impromptu de l'Alma, 1956
Die Zukunft liegt in Eiern (L'avenir est dans les Oeufs), 1957
"Der uneigennützige Mörder" (Tueur sans gages), 1959
„Studie für vier“ (Scène à quatre), 1959
Apprendre a marcher, 1960
"Nashorn" (Nashorn), 1960
Gemeinsames Delirium (Délire à deux), 1962
Der König stirbt (Le roi se meurt), 1962
Luft-Fußgänger (Le Piéton de l'air), 1963
Durst und Hunger (La Soif et la Faim), 1965
"Lücke" (La Lacune), 1966
Jeux de massacre, 1970
"Macbett" (Macbett), 1972
„Reise unter die Toten“ (Le voyage chez les morts), 1980
L'homme aux valises, 1975
Voyage chez les morts, 1980

Essay, Tagebuch

Nu, 1934
Hugoliade, 1935
La Tragedie du langage, 1958
Theatererlebnis, 1958
Diskurse über die Avantgarde, 1959
Notizen und Gegennotizen, 1962
Journal en miettes, 1967
Decouvertes, 1969
Gegenmittel, 1977

Text

Elegii pentru fiinţe mici, 1931

Romane, Kurzgeschichten und Kurzgeschichten

Die Vase, 1956
Les Nashorn, 1957
Le Pieton de l’air, 1961
"Foto des Obersten" (La Photo du Colonel), 1962
Le Solitaire, 1973

Artikel

Hat das Theater des Absurden eine Zukunft? // Theater des Absurden. Sa. Artikel und Veröffentlichungen. SPb., 2005. S. 191-195.

Anmerkungen

Deutsche Nationalbibliothek, Staatsbibliothek zu Berlin, Bayerische Staatsbibliothek etc. Datensatz #118555707 // Allgemeine Regulierungskontrolle (GND) - 2012-2016.
BNF-ID: Offene Datenplattform - 2011.
Internet-Broadway-Datenbank - 2000.

Als der Zweite Weltkrieg zu Ende ging, begannen sich Menschen auf der ganzen Welt zu fragen, wie es dazu kommen konnte, dass der Faschismus mitten im zivilisierten Europa entstand. Am meisten beschäftigte die Menschheit die Frage, wie kluge, gebildete und freundliche Menschen die Vernichtung von Millionen Mitbürgern nur deshalb zuließen, weil sie anderer Herkunft waren.

Einer der ersten Versuche, ähnliche Bewegungen zu erklären, wurde von Eugène Ionesco unternommen. "Rhinos" (in einer anderen Übersetzung "Rhinoceros") ist ein Stück, in dem er den Mechanismus der Entstehung eines fremden Phänomens in der Gesellschaft beschrieb, das allmählich zur Norm wird.

Biographie von Eugène Ionesco

Der Dramatiker wurde 1909 in Rumänien geboren, da sein Vater von dort stammte und seine Mutter Französin war. Seit seiner Kindheit sprach der Junge mehrere Sprachen, darunter Französisch. Mit Beginn des Ersten Weltkriegs verschlechterten sich die Beziehungen zwischen den Eltern des Jungen und sie lösten sich auf. Die Mutter nahm die Kinder und ging in ihre Heimat nach Frankreich.

Als Eugene Ionesco aufwuchs, versuchte er, bei seinem Vater in Rumänien zu leben. Hier trat er in die Universität von Bukarest ein und plante, Französisch zu unterrichten. Doch 1938 kehrte er in die Heimat seiner Mutter zurück und blieb für immer in Paris.

Ionesco schrieb seine ersten Gedichte in Rumänien und über die Jahre seines Lebens in Rumänien begann er das Französische zu vergessen, so dass er nach seiner Rückkehr nach Frankreich seine zweite Muttersprache neu lernen musste.

Dramatiker werden

Schon während seines Studiums in Bukarest sah Eugene das Aufkommen der Popularität profaschistischer Bewegungen. Dem Dramatiker selbst erschien diese Begeisterung anderer jedoch wild, und später wurde diese Erfahrung zum Thema von Rhinos und seinen anderen Werken.

Nach seiner Rückkehr nach Paris schreibt Ionescu eine Dissertation über Charles Baudelaire und schreibt auch aktiv eigene Werke. Ionesco war vor allem für seine Theaterstücke bekannt, aber er schrieb auch Kurzgeschichten und Essays.

Als Dramatiker debütierte Eugene 1950 mit dem Theaterstück The Bald Singer, das er unter dem Einfluss einer englischen Selbstbedienungsanleitung schrieb. Es war dieses Werk, das zu einem klassischen Beispiel für das "Theater des Absurden" wurde - die literarische Richtung, die Ionesco in seinem Werk verfolgte.

Eugene Ionesco starb im März 1994. Unter dem kreativen Erbe von Ionesco waren die Stücke Rhinoceros, The Bald Singer, Chairs, The Desinterested Killer, Macbeth, Air Passage und andere die beliebtesten.

Die Ursprünge des Stücks "Rhino" ("Rhinoceros")

Nach dem Erfolg seines ersten Stücks hat der Dramatiker aktiv an seiner Fähigkeit gearbeitet, im Genre der Absurdität und des Paradoxon zu schreiben. Er lehnte den Realismus der Theaterproduktionen ab und glaubte, dass es notwendig sei, zu den Ursprüngen zurückzukehren, als alle Stücke voller versteckter Symbole und halber Andeutungen waren. Ende der fünfziger Jahre, als sich Europa langsam vom Krieg erholte, begannen viele über die Gründe für das Aufkommen des Faschismus nachzudenken, da sie eine Wiederholung einer solchen Tragödie befürchteten. Als Gegner jedes totalitären Systems seit seiner Studienzeit in Rumänien war Eugene Ionesco mit diesem Thema wie kaum ein anderer vertraut. „Rhinoceros“ („Nashorn“) – so lautete der Titel seines neuen Stücks, das 1959 veröffentlicht wurde. Im selben Jahr wurde es am Düsseldorfer Theater aufgeführt.

Eugene Ionesco "Rhinos": eine Zusammenfassung

Das Stück besteht aus drei Akten. Im ersten, in der Nähe des Cafés auf dem Platz, nehmen zwei Kameraden, Jean und Beranger, Platz. Jean tadelt seinen Freund, der gestern offenbar viel getrunken hat und noch keine Zeit hatte, sich zu erholen. Plötzlich läuft ein Nashorn an ihnen vorbei. Alle in der Umgebung sind verängstigt und diskutieren über dieses ungewöhnliche Ereignis und drücken ihre Empörung aus. Nur Berenger ist alles gleichgültig, bis die charmante Daisy das Café betritt, in die der Mann verliebt ist. Jean liest ihm derweil eine Moral über die richtige Lebensweise vor und Béranger willigt schließlich ein, den Abend der kulturellen Entwicklung zu widmen.

Plötzlich ist ein Grollen zu hören und es stellt sich heraus, dass das Nashorn gerade die Katze des Besitzers zerquetscht hat. Alle streiten darüber, wie viele Nashörner es gab und wie sie aussahen. Berenger erklärt unerwartet, dass im Staub, den das laufende Nashorn aufgewirbelt hat, nichts zu sehen sei. Jean nimmt Anstoß an ihm, beleidigt ihn und geht. Ein frustrierter Mann bestellt einen Drink und beschließt, das geplante Kulturprogramm aufzugeben.

Der zweite Akt von Ionescos Theaterstück „Das Nashorn“ spielt im Dienst von Beranger im Büro.

Hier diskutieren alle aktiv über Nashörner und die unerklärliche Zunahme ihrer Zahl. Sie streiten, streiten, äußern unterschiedliche Meinungen, bis sie feststellen, dass ihre Kollegin Beth nie zur Arbeit erschienen ist.

Bald kommt seine Frau und erzählt ihnen entsetzt vom Verlust ihres Mannes, und hinter ihr rennt ein riesiges Nashorn her. Plötzlich erkennt Madame ihn als ihren Ehemann und die Bestie folgt ihrem Ruf. Auf seinem Rücken sitzend, geht sie nach Hause.

Daisy ruft die Feuerwehr, um den Büroangestellten im Erdgeschoss zu helfen, da Beth, das Nashorn, die Treppe aufgebrochen hat. Es stellt sich heraus, dass es in der Stadt bereits eine große Anzahl von Nashörnern gibt, und ihre Zahl wächst.

Einer von Dudars Arbeitern schlägt vor, dass Berenger zusammen etwas trinken geht, aber er lehnt ab, als er beschließt, zu Jean zu gehen und Frieden mit ihm zu schließen.

Als Berenger in der Wohnung eines Freundes ankommt, sieht er, dass es ihm nicht gut geht. Allmählich, fast vor den Augen des Helden, verwandelt sich sein Freund in ein Nashorn. Ein verängstigter Mann ruft seinen Nachbarn um Hilfe, aber er ist bereits zu einer Bestie geworden. Berenger blickt aus dem Fenster und sieht, dass viele Nashörner bereits Bänke auf der Straße zerstören. Erschrocken rennt er zu seinem Haus.

Der dritte Akt von Eugene Ionescos Theaterstück The Rhinoceros spielt in Bérangers Wohnung.

Ihm wird schlecht, und sein Kollege Dudar kommt zu ihm. Während des Gesprächs scheint sich Beranger immer wieder in ein Nashorn zu verwandeln. Das macht ihm schreckliche Angst. Der Besucher beruhigt den Mann jedoch und sagt, dass dies normal sei, da Nashörner ziemlich niedliche, wenn auch etwas ungehobelte Kreaturen seien. Es stellt sich heraus, dass viele angesehene Einwohner der Stadt, insbesondere die Logik, längst zu Nashörnern geworden sind und sich großartig fühlen. Béranger ist entsetzt, dass ein so edler und vernünftiger Bürger einen solchen Weg wählt.

Währenddessen kommt Daisy in die Wohnung gerannt. Sie teilt den Männern mit, dass ihr Chef auch ein Nashorn geworden ist, um mit diesem jetzt modischen Phänomen Schritt zu halten. Béranger sinniert darüber, dass Nashörner irgendwie von Menschen isoliert werden können, um ihr Bevölkerungswachstum zu stoppen, aber die Gäste überzeugen ihn, dass die Verwandten der Nashörner sowie Tierschützer dagegen sein werden.

Dudar sympathisiert eindeutig mit Daisy, ist jedoch eifersüchtig auf sie für Beranger, also verlässt er seine Gesprächspartner und verwandelt sich freiwillig in ein Nashorn.

Daisy und Beranger, die allein zurückgelassen werden, haben Angst, als das Gebrüll der Tiere von überall zu hören ist, sogar im Radio. Bald ändert das Mädchen ihre Meinung und entscheidet, dass Nashörner Respekt verdienen, und geht, nachdem sie von dem empörten Beranger einen Schlag ins Gesicht bekommen hat, in die Herde.

Der Mann bleibt allein, er überlegt, ob er ein Nashorn sein muss. Infolgedessen sucht er nach einer Waffe und bereitet sich darauf vor, sich bis zuletzt zu verteidigen.

Der Protagonist des Stücks ist Beranger

Die gesamte Handlung in Ionescos Stück „Das Nashorn“ dreht sich um Beranger.

Vor dem Hintergrund anderer angesehener Bewohner der Stadt wirkt er wie ein Ausgestoßener. Unordentlich, unpünktlich, oft fehl am Platz, die um ihn herum, sogar Jeans bester Freund. Dabei schadet er absolut niemandem, außer vielleicht sich selbst.

Im Verlauf der Handlung stellt sich jedoch heraus, dass Berangers Hauptfehler nur darin besteht, dass er sich nicht bemüht, allgemein anerkannten Normen oder Moden zu entsprechen. Wenn also alle im Café damit beschäftigt sind, Nashörner zu beobachten, denkt ein Mann an seine Freundin. Außerdem versucht er nicht zu lügen, um sich dem Team anzuschließen, und entlarvt versehentlich andere mit Lügen.

Im Gegensatz zu den rationalen Bewohnern der Stadt lebt Berenger von Gefühlen. Er ist in Daisy verliebt und bemerkt wegen ihr die damit verbundenen Probleme nicht. Außerdem schätzt ein Mann, der eindeutig wie ein Alkoholiker aussieht, Freundschaft viel mehr als Jean, der in jeder Hinsicht Recht hat. Schließlich weigert sich Berenger, um mit ihm Frieden zu schließen, auch nur auf einen Drink auszugehen.

Ein weiterer Unterschied ist das Minderwertigkeitsgefühl. Wenn in der Stadt noch alles ruhig ist, sieht der Held vor dem Hintergrund seiner Umgebung ungünstig aus. Und als alle Bewohner aus verschiedenen Gründen zu Tieren werden und sich weigern, ein Nashorn zu werden, fühlt sich Beranger wieder anders als alle anderen.

Eugene Ionesco "Rhinos": Analyse

Wenn der Stil des Stücks und die darin ausgedrückten Ideen heute gewöhnlich erscheinen, dann war es zur Zeit seines Erscheinens in den sechziger Jahren etwas Neues, Herausragendes.

Dies wurde dadurch erleichtert, dass dieses Stück alle Merkmale des Theaters des Absurden enthielt, die Eugene Ionesco ("Rhinos") in dieser Richtung auszeichnete. Kritiker nahmen das Stück positiv auf, insbesondere hielten sie dieses Werk für antifaschistisch. Der Autor selbst reagierte jedoch negativ auf eine solche Interpretation seiner Arbeit und argumentierte, dass seine Ideen viel umfassender seien, aber jeder frei sei, sie nach eigenem Ermessen zu interpretieren.

Der Schriftsteller protestierte in seinem Werk aktiv gegen totalitäre Ideen, die Menschen zu einer unterwürfigen grauen Masse machen und die Individualität zerstören.

In diesem Stück werden Merkmale des Theaters des Absurden wie die Verleugnung des Realismus deutlich nachgezeichnet - alle Ereignisse erscheinen phantastisch und bedeutungslos. Zuschauer und Leser verstehen, was passiert ist, aber warum Menschen plötzlich anfingen, sich in Nashörner zu verwandeln (Strafe für Sünden, UFO-Tricks oder etwas anderes), weiß niemand.

Auch das rationale, pragmatische Denken, das Ionesco als Ursache aller Probleme ansah, wird in dem Stück kritisiert. Berangers einziger irrationaler Charakter bleibt immun gegen eine seltsame Krankheit, die Menschen in Nashörner verwandelt.

Interessanterweise beschrieb Eugene Ionesco in seinem Stück alle Stadien der Technologie zur Legalisierung aller gesellschaftsfremden Phänomene, die erst in den neunziger Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts formuliert und als Overton-Fenster bezeichnet wurden. Ihrer Meinung nach kann jede Idee, selbst die wildeste, zum Beispiel Kannibalismus, von der Gesellschaft als Norm akzeptiert werden, nachdem sie sechs Stufen durchlaufen hat: undenkbar, radikal, akzeptabel, vernünftig, Standard und normal.

Bühnenschicksal des Stücks

Nach seiner großartigen Aufführung 1960 im Odeon-Theater in Paris wurde das Drama Rhinos in vielen Ländern der Welt aufgeführt. Das Stück wurde zunächst als antifaschistisch empfunden, daher trugen einige der Figuren bei der Premiere deutsche Militäruniformen. Aber im Laufe der Jahre hat sich ihre Wahrnehmung verändert, und neue Regisseure haben andere Techniken verwendet, um ihre Vision zu vermitteln.

Rhinoceros wurde auf den meisten der berühmtesten Bühnen der Welt aufgeführt, und die größten Theater- und Filmschauspieler wurden geehrt, in diesem Stück zu spielen. Zum ersten Mal wurde die Rolle des Beranger vom französischen Schauspieler Jean-Louis Barrot gespielt. Später wurde diese Figur von so berühmten Künstlern wie Viktor Avilov, Laurence Olivier, Benedict Cumberbatch und anderen gespielt.

Das Schicksal der Nashörner in der UdSSR

Nachdem Rhinos nach der Premiere zu einem anerkannten antifaschistischen Werk geworden war, erschien es nur fünf Jahre später in der UdSSR. Das Stück wurde in Foreign Literature veröffentlicht. Aber es wurde bald verboten, da die in Rhinos zum Ausdruck gebrachten Ideen den Kommunismus und Sozialismus kritisierten. Dies verhinderte jedoch nicht die Verbreitung des Spiels. Ihr Text wurde kopiert, nachgedruckt und von Hand zu Hand weitergegeben. Und das Verbot hat dieser Arbeit eine beispiellose Popularität verliehen.

1982 wurde das Stück von einem der Moskauer Amateurtheater aufgeführt. Die Aufführung wurde jedoch fast unmittelbar nach der Premiere geschlossen, und sie durften sie bis zur Perestroika nicht aufführen. Nachdem Gorbatschow jedoch an die Macht gekommen war, begannen die Nashörner ihren Siegeszug durch die besten Etappen der UdSSR und dann Russlands.

Zitate von Nashörnern

Eines der integralen Elemente des Theaters des Absurden Ionesco betrachtet ein Wortspiel. "Rhino" (Zitate unten) enthielt viele verbale Paradoxien. Denken Sie zum Beispiel Logic an eine Katze.

Oder ein kleiner Dialog über Kinder:

- Ich möchte keine Kinder haben. So ein Langweiler.
Wie willst du dann die Welt retten?
"Warum musst du ihn retten?"

Tief sind auch die Gedanken der Helden über die Wahrheit: „Manchmal tut man aus Versehen Böses, weil man es gar nicht will, oder man fördert es unabsichtlich.“

Mehr als fünfzig Jahre nach seiner Uraufführung verliert Ionescos Stück „Rhinos“ noch immer nicht an Aktualität und wird in vielen Theatern auf der ganzen Welt aufgeführt.

Genre:

Schauspiel, Roman, Kurzgeschichte, Kurzgeschichte, Essay

Debüt:

Der kahle Sänger, 1950

Arbeitet auf der Website Lib.ru http://www.ionesco.org/index.html

Biografie

La Huchette-Theater

Er schlägt vor, sich den Ursprüngen der Theaterkunst zuzuwenden. Am akzeptabelsten sind für ihn die Aufführungen des alten Puppentheaters, das unglaubwürdige, grob karikierte Bilder schafft, um die Grobheit, Groteske der Realität selbst zu betonen. Gerade im übertriebenen Einsatz der Mittel der primitiven Groteske sieht der Dramatiker den einzig möglichen Weg für die Entwicklung des neuesten Theaters als spezifisches Genre, das sich von der Literatur unterscheidet. darin, die Techniken der bedingt theatralischen Übertreibung zu extremen, "grausamen", "unerträglichen" Formen zu bringen, im "Anfall" des Komischen und Tragischen. Sein Ziel ist es, ein „wildes, hemmungsloses“ Theater zu schaffen – „Schreitheater“, wie ihn manche Kritiker charakterisieren. Gleichzeitig ist anzumerken, dass sich E. Ionesco sofort als Schriftsteller und Kenner der Szene von herausragendem Talent zeigte. Er ist mit einem unbestrittenen Talent ausgestattet, jede theatralische Situation „sichtbar“, „greifbar“ zu machen, mit einer außergewöhnlichen Vorstellungskraft, manchmal düster, manchmal in der Lage, mit Humor homerisches Lachen hervorzurufen.

Bald Singer, Noctambule, 1950

Frühe Stücke

Der französische Kritiker Michel Corvin schreibt:

Ionesco schlägt und zerstört, um das zu messen, was leer klingt, um die Sprache zum Thema des Theaters zu machen, fast zu einer Figur, um sie zum Lachen zu bringen, um als Mechanismus zu agieren, das heißt, um den banalsten Beziehungen Wahnsinn einzuhauchen die Grundlagen der bürgerlichen Gesellschaft zerstören.

In Victims of Duty (1952) sind die Charaktere, die alle Befehle der Machthaber, des Strafverfolgungssystems, demütig ausführen, loyale, respektable Bürger. Nach dem Willen des Autors durchlaufen sie Metamorphosen, ihre Masken wechseln; Einer der Helden ist von seinem Verwandten, einem Polizisten und seiner Frau, zu einer endlosen Suche verurteilt, die ihn zu einem „Opfer der Pflicht“ machen - der Suche nach der richtigen Schreibweise des Namens einer imaginären gesuchten Person ... Erfüllung jeder Pflicht jedes „Gesetz“ des gesellschaftlichen Lebens erniedrigt einen Menschen, demütigt sein Gehirn, primitivisiert seine Gefühle, verwandelt ein denkendes Wesen in einen Automaten, in einen Roboter, in ein Halbtier.

Reproduzierbare Charaktere, ausgestattet mit allen „realistischen“ Qualitäten, werden bewusst durch das Fehlen jeglicher empirischer Verlässlichkeit karikiert. Schauspieler verändern ständig ihre Charaktere, ändern unvorhersehbar ihre Art und Dynamik der Darbietung und wechseln augenblicklich von einem Zustand in einen anderen. Semiramis in dem Stück "Chairs" (1951) spielt entweder die Frau des alten Mannes oder seine Mutter. „Ich bin deine Frau, also ist deine Mutter jetzt deine Mutter“, sagt sie zu ihrem Mann, und der alte Mann („Mann, Soldat, Marschall dieses Hauses“) klettert wimmernd auf ihren Schoß: „Ich bin eine Waise, ein Waise ...". „Mein Baby, mein Waisenkind, Waisenkind, Waisenkind“, antwortet Semiramida und streichelt ihn. Im Theaterprogramm zu „Chairs“ formulierte der Autor die Idee des Stücks so: „Die Welt erscheint mir manchmal sinnlos, Realität – unwirklich. Es war dieses Gefühl der Unwirklichkeit … das wollte ich mit Hilfe meiner Figuren vermitteln, die im Chaos umherirren, nichts in ihrer Seele haben als Angst, Reue … und das Bewusstsein der absoluten Leere ihres Lebens …“ .

Eugen Ionesco

Jean-Paul Sartre charakterisiert das Werk von Eugene Ionesco wie folgt:

Ionesco wurde außerhalb Frankreichs geboren und betrachtet unsere Sprache wie aus der Ferne. Er entblößt in ihm Gemeinplätze, Routine. Wenn wir von The Bald Singer ausgehen, dann gibt es eine sehr scharfe Vorstellung von der Absurdität der Sprache, so sehr, dass Sie nicht mehr reden möchten. Seine Figuren sprechen nicht, sondern imitieren auf groteske Weise den Mechanismus des Jargons, Ionesco verwüstet "von innen" die französische Sprache und hinterlässt nur Ausrufe, Zwischenrufe, Flüche. Sein Theater ist ein Traum über Sprache.

In einem der Briefe von 1957 erzählt der Dramatiker von seinem Weg zum Ruhm: „Sieben Jahre sind vergangen, seit mein erstes Stück in Paris aufgeführt wurde. Es war ein bescheidener Erfolg, ein mittelmäßiger Skandal. Mein zweites Stück hatte einen etwas größeren Misserfolg, einen etwas größeren Skandal. Erst 1952, im Zusammenhang mit den „Chairs“, begannen die Ereignisse eine breitere Wendung zu nehmen. Jeden Abend waren acht Leute im Theater, die mit dem Stück sehr unzufrieden waren, aber der Lärm, den es verursachte, wurde von einer wesentlich größeren Anzahl von Menschen in Paris gehört, in ganz Frankreich, es reichte bis an die deutsche Grenze. Und nach dem Erscheinen meines dritten, vierten, fünften ... achten Stücks verbreitete sich das Gerücht über ihr Scheitern mit Riesenschritten. Die Empörung überquerte den Ärmelkanal ... Sie ging nach Spanien, Italien, breitete sich nach Deutschland aus, zog auf Schiffen nach England ... Ich denke, wenn sich das Scheitern auf diese Weise ausbreitet, wird es zu einem Triumph.

Können Literatur und Theater wirklich die unglaubliche Komplexität des wirklichen Lebens einfangen? Wir durchleben einen wilden Albtraum: Literatur war noch nie so kraftvoll, ergreifend und intensiv wie das Leben; und heute noch mehr. Um die Grausamkeit des Lebens zu vermitteln, muss Literatur tausendmal grausamer, schrecklicher sein.
Mehr als einmal in meinem Leben wurde ich von einer plötzlichen Veränderung getroffen … Sehr oft beginnen Menschen, sich zu einem neuen Glauben zu bekennen … Philosophen und Journalisten … beginnen, von einem „wirklich historischen Moment“ zu sprechen. Gleichzeitig sind Sie bei der allmählichen Mutation des Denkens dabei. Wenn die Leute deine Meinung nicht mehr teilen, wenn man ihnen nicht mehr zustimmen kann, scheint es, als würdest du dich zu Monstern wenden ...

Eugène Ionesco über Jean Paulan

Liste der Werke

Theaterstücke

Der kahle Sänger (La Cantatrice chauve), 1950
Les Grüße, 1950
"Lektion" (La Leçon), 1951
"Stühle" (Les Chaises), 1952
Le Maitre, 1953
Opfer des Todes, 1953
La Jeune Fille à marier, 1953
Amédee ou Comment s'en debarrasser, 1954
Jacques ou la Soumission, 1955
"Der neue Mieter" (Le Nouveau Locataire), 1955
Le Tableau, 1955
L'Impromptu de l'Alma, 1956
Die Zukunft liegt in Eiern (L'avenir est dans les Oeufs), 1957
"Der uneigennützige Mörder" (Tueur sans gages), 1959
Scène à quatre, 1959
Apprendre a marcher, 1960
"Nashorn" (Nashorn), 1960
Délire à deux, 1962
"Der König stirbt (Le roi se meurt), 1962
Luft-Fußgänger (Le Piéton de l'air), 1963
Durst und Hunger (La Soif et la Faim), 1965
La Lacune, 1966
Jeux de massacre, 1970
"Macbett" (Macbett), 1972
„Reise unter die Toten“ (Le voyage chez les morts), 1980
L'homme aux valises, 1975
Voyage chez les morts, 1980

Essay, Tagebuch

Nu, 1934
Hugoliade, 1935
La Tragedie du langage, 1958
Theatererlebnis, 1958
Diskurse über die Avantgarde, 1959
Notizen und Gegennotizen, 1962
Journal en miettes, 1967
Decouvertes, 1969
Gegenmittel, 1977

Text

Elegii pentru fiinţe mici, 1931

Romane, Kurzgeschichten und Kurzgeschichten

Die Vase, 1956
Les Nashorn, 1957
Le Pieton de l’air, 1961
La Photo du Colonel, 1962
Le Solitaire, 1973

Artikel

Hat das Theater des Absurden eine Zukunft? // Theater des Absurden. Sa. Artikel und Veröffentlichungen. SPb., 2005. S. 191-195.